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Vente aux enchères de Champagne

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La soirée de gala pour les étudiants en œnologie de la faculté de Reims se déroulera le vendredi 6 mars à l'Espace Georges Cartier.

Elle est organisée par l'Association promotion oenologie de Reims (APOR) et a pour objectif de rassembler les étudiants, les professeurs et les professionnels de la filière viticole champenoise pour une grande soirée. Elle démarrera à 18h30 par une vente aux enchères de grandes bouteilles et de bouteilles exceptionnelles de la Champagne, regroupées par de futurs œnologues. Ouverte à tous (5 € sans réservation), elle sera animée par Alban Gillet, commissaire-priseur de la maison de ventes aux enchères du Chativesle de Reims.

Un cocktail sera offert à tous les participants. La soirée se prolongera par un dîner préparé par le traiteur Sparnacian Marc Morel. La réservation est possible jusqu'au 28 février. Le bon de réponse est disponible sur la page Facebook de l'événement. Le prix de 50 € par participant comprend l'entrée à la vente aux enchères, le dîner de gala et la soirée dansante, animée par DJ Younk, qui suivra.

Les fonds récoltés seront reversés à l'APR. Cette association étudiante permettra aux futurs œnologues de rencontrer leurs homologues d'autres régions lors d'un week-end découverte, qui aura lieu cette année à Montpellier.

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Huang Yan (born 1966) Temple of Heaven - 2008

Vente aux enchères Editions : le Jeudi 12 Mars 2020 avec la maison de ventes Piasa

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Dans le cadre de sa première vacation de l’année, le département Éditions de la maison de vente aux enchères PIASA présente le jeudi 12 mars 2020 une sélection d’artistes parmi les plus significatifs de la seconde moitié du XXe siècle.

Centrée sur la France et les États-Unis, cette vente propose un audacieux focus sur la scène asiatique, ici incarnée par la japonaise Yayoi Kusama, le chinois Yue Minjun ou la jeune malaisienne Red Hong Yi. Ce dynamisme créatif contemporain accompagne un marché en plein essor. Leurs œuvres rendent manifeste le dialogue continue que la culture extrême orientale entretient avec l’occident ainsi que le savoureux échanges iconographiques.

Après le succès de la dernière vacation du département au cours de laquelle une sérigraphie d’après Jean-Michel Basquiat s’est vendu 91 000 euros, la sélection accorde une place de choix aux artistes américains avec notamment deux œuvres d’après Basquiat, un tapis d’après Mark Rothko, ainsi qu’Alex Katz.

La richesse et la diversité de cette sélection illustre, une fois de plus, la solidité du réseau de collectionneurs tant français qu’internationaux que la maison de vente parisienne a su développer.

Par-delà les figures incontournables de l’art moderne, dont Pablo Picasso, Marcel Duchamp ou encore Niki de Saint Phalle et Pierre Soulages, la nouvelle génération est mise à l’honneur avec notamment des œuvres de la plasticienne française François Pétrovitch.

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Mark Rothko /

 

Excroissance visible du mysticisme qui influencera l’artiste sa vie durant, l’œuvre de Mark Rothko constitue une alternative remarquable à la peinture gestuelle très en vogue dans le New-York de l’immédiate après-guerre. Bien avant qu’il n’anglicise son véritable patronyme « Marcus Rothkowitz » au moment où éclate le second conflit mondial, l’artiste, né en 1903 aux confins occidentaux d’un Empire Russe sur le point de disparaître dans les remous de l’Histoire.

Ce n’est qu’au début des années 1950, notamment grâce aux achats du collectionneurs américain Duncan Phillips, que sa carrière connaît ses premiers succès. Délestée du souci mimétique, la couleur employée par Rothko est appelée à se propager dans l’espace en intégrant, de fait, le spectateur.

La tapisserie en laine d’après une œuvre réalisée par l’artiste en 1968 a été éditée à seulement huit exemplaires. Ses dimensions très imposantes coïncident avec le souci de l’artiste de proposer des expériences visuelles sur une échelle monumentale.

[/et_pb_text][et_pb_image src="https://mk0auctionlabnetbmb9.kinstacdn.com/wp-content/uploads/2020/02/Capture-d’écran-2020-02-19-à-16.28.58.png" _builder_version="4.3.2"][/et_pb_image][et_pb_text _builder_version="4.3.2"]

Pablo Picasso /

 

Au lendemain de la seconde guerre mondiale Pablo Picasso approche les 70 ans. D’une densité et d’une diversité sans doute inégalées au cours du XXe siècle, son Œuvre occupe déjà les cimaises des musées les plus emblématiques et a fait l’objet de très nombreuses expositions. Il est au faîte de sa gloire.

Les atrocités qui endeuillent le milieu du XXe siècle marquent profondément l’artiste et constituent un tournant dans la fonction qu’il assigne à son travail. L’engagement pacifique de Picasso devient central à partir du déclenchement de la guerre d’Espagne en 1936.

Cette colombe est probablement inspirée par les pigeons blancs qu'il gardait en cage dans son atelier. Mais l’animal n’a pas attendu la factieuse virtuosité du maître andalou pour devenir un symbole. Image de l’Esprit Saint dans la peinture médiévale puis renaissante, il est celui par qui l’espoir arrive après le funeste épisode du Déluge. L’oiseau vient s’ajouter au bestiaire déjà très important qui peuple les tableaux de Picasso.

d’après une œuvre réalisée par l’artiste en 1968 a été éditée à seulement huit exemplaires. Ses dimensions très imposantes coïncident avec le souci de l’artiste de proposer des expériences visuelles sur une échelle monumentale.

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Marcel Duchamp /

L’artiste suit pendant un an des cours à l'académie Julian. Après quelques publications et expositions de ses dessins et de ses caricatures, le jeune homme présente ses premiers tableaux au Salon d'automne en 1908 puis au Salon des indépendants l’année suivante.

La Mariée mise à nu par ses célibataires, même, une œuvre réalisée à New-York entre 1912 et 1923 est composée de deux panneaux de verre assemblés, peints pour partie à l'huile, et comprenant, entre autres, des inserts en plomb et de la poussière. Exposée au Musée de Brooklyn en 1926, l’œuvre est emballée dans une caisse en bois pour être livrée à la personne qui l’acheta. En l’ouvrant dix ans plus tard, il constate le bris des panneaux de verre. L’artiste décide de conserver les brisures et d’assembler les fragments dans des plaques de verre plus épaisses. Si l’œuvre est aujourd’hui conservée au Philadelphia Museum of Art, les 93 documents explicatifs (notes, schémas, dessins) sont publiés en 1934 sous le titre de Boîte verte. Ils constituent une partie intégrante de l’œuvre.

Édité à 300 copies, l'ouvrage est une reproduction intégrale de ses notes écrites sur des bouts de papiers, en respectant le format, les encres de couleur, les ratures et les corrections.

Celui qu’André Breton qualifiait d’ « homme le plus intelligent du siècle », jeta ainsi les bases de l’art conceptuel en hissant l’idée au même rang de leur manifestation plastique.

 
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Marcel Duchamp (1887-1968)

La mariée mise à nu par ses célibataires même - Boite verte

Paris, Editions Rrose Selavy, 1934

Boite-coffret In4., recouvert de suédine verte, le premier plat titré en pointillés blanc

Exemplaire complet de ses 94 reproductions en fac-similé et phototypie sur différents papiers, des années 1911 à 1915, numéroté "257/300" au stylo rouge, 33,3 x 28,5 cm

Estimation : 20 000 / 30 000 euros

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Françoise Petrovitch /

 

Si pendant longtemps Françoise Petrovitch s’est principalement exprimée par le biais de la peinture et du dessin, son itinéraire plastique l’a poussée à explorer d’autres techniques comme, à partir du début des années 2000, la céramique, la gravure et même la vidéo.

Au fils des années, le thème de l’intime se distingue des autres et apparaît au centre de ses œuvres. Les personnages qui peuplent ces espaces sont souvent des êtres situés à la frontière entre l’enfance et l’âge adulte. Symbole polysémique de la fragilité et de l’innocence, l’enfance permet à l’artiste d’évoquer les failles humaines sondées, sans relâche, de façon éminemment émouvante.

Comme en témoigne la présente sérigraphie éditée en 12 exemplaires par Bernard Chauveau et mesurant 2 mètres sur 4, l’artiste privilégie des formats très imposants. Ainsi, l’expérience qu’elle propose aux spectateurs se veut immersive. Réalisée initialement à l’aquarelle, cette œuvre a été imprimée sur papier Canson. Par la suite, l’ensemble des animaux a été ajouté en sérigraphie en variant les couleurs et emplacements.

Depuis la fin des années 1990, le travail de Françoise Petrovitch a fait l’objet de plusieurs expositions d’envergure comme en 2008 au Musée d’Art Moderne de Saint-Étienne ou en 2011 au Musée de la Chasse et de la Nature à Paris.

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Dionyssopoulos Pavlos /

Né en 1930 à Filiatra, un petit port de pêche grec coincé entre les champs et l’Adriatique, Dionyssopoulos Pavlos tourne le dos à l’architecture et intègre, dans l’immédiate après-guerre, l’École des Beaux-Arts d’Athènes. Une bourse d’étude de l’ambassade de France lui permet de poursuivre ses études à Paris. La ville est à l’époque le théâtre du Vide d’Yves Klein, du Plein d’Arman, de la consécration de Jean Tinguely et de l’émergence des Nouveaux Réalistes. Aux comptoirs des cafés germanopratins, il fait la connaissance des sculpteurs Giacometti, César et Calder.

Participant au salon des Réalités Nouvelles en 1963, Pavlos est repéré par le critique Pierre Restany qui lui propose d’exposer, l’année suivante, en marge de la Biennale de Venise. Cette rencontre, la plus importante de sa carrière à en croire l’artiste, lui ouvre des horizons nouveaux.

A la frontière du Pop Art, l’œuvre de Pavlos rencontre un certain succès lors de sa première présentation américaine, à la Fischbach Gallery à New-York en 1967. Le début des années 1970 est marqué par une série d’installations en papier, dont un ensemble de 26 arbres (La Forêt), présentées dans le cadre de la première rétrospective de l’artiste à Hanovre.

Électron libre, Pavlos fut un artisan du rapprochement entre l’art et la vie, l’œuvre et son public. Contempteur d’une culture momifiant l’art, il ambitionne d’infléchir le regard du spectateur afin de faire émerger à sa conscience un monde nouveau.

[/et_pb_text][et_pb_image src="https://mk0auctionlabnetbmb9.kinstacdn.com/wp-content/uploads/2020/02/Capture-d’écran-2020-02-19-à-16.27.52.png" _builder_version="4.3.2"][/et_pb_image][et_pb_text _builder_version="4.3.2"]

Miquel Barceló /

L’artiste passa les premières années de son existence dans la petite localité de Felanitx située sur la côte sud d’une des îles des Baléares. Sensibilisé à l’art par sa mère, peintre de paysage, le jeune homme, à peine diplômé de l'école des Arts décoratifs de Palma de Majorque, se rend à Paris en 1973. Il y découvre l’Art Brut et l’Art Informel ainsi que des personnalités tels que Jean Dubuffet, Antoni Tàpies, ou encore Jean Fautrier dont l’influence marquera en profondeur ses toiles. La fin des années 1970 est pour lui synonyme d’engagement social, artistique et politique contre le régime du général Franco.

Sans cesse en mouvement, c’est à New York que l’artiste pose un temps ses valises le temps de rencontrer Andy Warhol par l’intermédiaire de Jean-Michel Basquiat. Il réalise sa première exposition individuelle dans la galerie de Leo Castelli, véritable épicentre du marché de l’art d’outre-Atlantique. Proche de l’esthétique d’un Anselm Kiefer, Miquel Barceló en expérimentant des techniques comme le dessin, l’aquarelle, la peinture mais également la poterie, la sculpture et la réalisation de décors et de costumes de scènes, est parvenu à mettre au monde une Œuvre protéiforme.

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Miquel Barcelo (Né en 1957)

Nature morte - 1987

Carborundum, eau-forte et aquatinte en couleurs, signée et numérotée 1/16

Imprimée par l'Atelier Pasnic, Paris

(F) : 56 x 76 cm

Estimation : 3 000 / 5 000 euros

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Yayoi Kusama /

La rigidité des carcans que son école décide l’artiste à se tourner vers l’art occidental. Malgré le succès de plusieurs expositions au début des années 1950, d’abord à Matsumoto puis à Tokyo, Yayoi Kusama part pour les États-Unis en 1957 et s’installe à New-York un an plus tard. La présentation de sa série « Infinity Nets » à la galerie Brata en 1959 constitue une étape importante. Convertissant ses névroses en source d’inspiration, sa démarche peut aisément être rapproché de l’art-thérapie. Ces œuvres abstraites couvertes d’innombrables coups de pinceau sont fortement influencées par les visions hallucinatoires qu’elle avait connues étant enfant. Comme autant de motifs psychédéliques, les taches et les pois y sont omniprésent.

Au contact avec la scène artistique new-yorkaise (Jasper Johns, Yves Klein, Piero Manzoni, Claes Oldenburg ou encore Andy Warhol), elle se liera d’amitié avec Donald Judd qui deviendra, à partir de 1961, son voisin d’atelier. A cette période elle réalise un grand nombre de sculptures et d’accumulations.

Gravitant autour de la notion d’autoreprésentation, Yayoi Kusama expérimente assez naturellement le happening et la performance comme en 1966 avec « 14th Street Happening » au cours duquel l’artiste s’allongeait sur un matelas recouvert de formes phalliques protubérantes, elles aussi ornées de pois.

Détentrice en 2014 du record de l’œuvre la plus chère d’une artiste vivante (7,1 millions de dollars), Yayoi Kusama s’est progressivement hissée au rang de figure incontournable de la scène nippone.

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ƒ Yayoi Kusama (née en 1929)

Pumpkins, (ensemble de 5) - 2002

Ensemble de 5 céramiques de Limoges émaillées en couleurs

Chaque sculpture signée du tampon sous la base et numérotée /130

Porte également le tampon Limoges, France sous la base

Publié par FMR Trading, Hirakata, Japan

Chaque citrouille présentée dans sa boite d'origine

(D) de chaque sculpture : 8,9 x 7,6 x 7,6 cm

Estimation : 35 000 / 45 000 euros

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Zao Wou-Ki /

Ainé de sept enfants, Zao Wou-ki fait partie d’une très ancienne famille dont l'origine remonterait jusqu’à la dynastie Song (XIe-XIIe siècle). Élève très doué, passionné de littérature, Wou-Ki dessine et peint dès l'âge de dix ans. Sa famille encourage le garçon dans cette voie.

En 1935, Zao Wou-Ki entre, à quatorze ans, à l'école des Beaux-Arts de Hangzhou après avoir réussi l'examen d'entrée qui consiste à dessiner une statue grecque d'après moulage. Il étudie pendant six ans le dessin d'après des plâtres puis des modèles, la peinture à l'huile, la peinture traditionnelle chinoise par des copies, la perspective à la manière occidentale et la calligraphie.

Zao Wou-Ki s'installe dans le quartier du Montparnasse, dans un petit atelier rue du Moulin-Vert voisin de celui d'Alberto Giacometti. Il apprend le français à l'Alliance française et fréquente l'académie de la Grande Chaumière où il suit les cours d'Émile Othon Friesz. Il dira quelques années plus tard que c'est à Paris qu'il a trouvé sa véritable personnalité. Il obtient sa naturalisation française en 1964.

A rebours de son œuvre abstraite qui le rendit célèbre à partir de la fin des années 1950, les premiers tableaux de Zao Wou-ki sont des peintures réalistes dans lesquelles figurent des portraits, des natures mortes ou des paysages. Mais rapidement, inspiré par le travail de Paul Klee, il se détache du rapport mimétique au réel et réalise des compositions abstraites. La puissance lyrique d’une peinture qui devient gestuelle s’impose alors. A mi-chemin entre la modernité de la peinture abstraite américaine et la tradition des encres de Chine et de la calligraphie, Zao Wou-ki incarne un pont lancé entre Orient et Occident.

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Zao Wou-Ki (1920-2013)

Hommage à Nobutaka Shikanai - 1991, (Agerup 354)

Lithographie en couleurs sur papier BFK Rives filigrané, toutes marges

Signée et titrée dans la planche

75,7 x 56 cm

Estimation : 2 000 / 3 000 euros

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Niki de Saint Phalle /

 

Figure majeure de la scène artistique à partir du début des années 1960, l’artiste, de son vrai nom Catherine Marie-Agnès Fal de Saint-Phalle, commence sa carrière publique, en tant que mannequin, à la une des principaux magazines de mode parmi lesquels Vogue, Life ou encore Elle. C’est à New-York qu’elle passe son enfance.

Une violente dépression nerveuse la conduit dans un hôpital psychiatrique. Comme un certain nombre d’artiste proches de l’art brut, c’est dans ce contexte qu’elle prend pour la première fois les pinceaux.

Au cours des années 1960, Niki de Saint Phalle explore l’iconographie millénaire de la femme en réalisant des poupées monumentales intitulées « les Nanas ». Stigmates de la dimension féministe de son œuvre, ces sculptures sont très largement commentées par la presse. Inspirée par le vocabulaire formel hérité de la préhistoire, l’anatomie des femmes représentées par l’artiste met en la courbure des seins et celle des hanches comme sur cette pièce réalisée en 2000 et éditée à seulement 150 exemplaires.

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Niki de Saint Phalle (1930-2002)

 

L'Oiseau amoureux, Bird in Love, (vase) - 2000

Vase en résine polyester de couleurs

Signée et numérotée en creux sur une plaque en métal "Niki de Saint Phalle 99/150" au dos

Cachet de l'éditeur R.Haligon aus dos

(D) : 61 x 47 x 20 cm

 

Estimation : 20 000 / 30 000 euros

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Niki de Saint Phalle (1930-2002)

Lady with a handbag (vase) - 2000

Vase en résine polyester de couleurs

Signée et numérotée en creux sur une plaque en métal "Niki de Saint Phalle 99/150" au dos

Cachet de l'éditeur R.Haligon aus dos

(D) : 61 x 31,50 x 15 cm

Estimation : 20 000 / 30 000 euros

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Jean-Michel Basquiat /

D’origine portoricaine et haïtienne, né en 1960 à Brooklyn et mort à New York en 1988 à la suite d’une overdose à l’âge de vingt-sept ans, Basquiat appartient à une génération de graffiteurs qui a brusquement émergé à New York à la fin des années 1970.

Auteur d’une œuvre de plus de 2 000 dessins et peintures, Jean-Michel Basquiat a traversé la scène new-yorkaise à l’allure d’un météore disloqué. Produit d’une culture américaine urbaine fortement impactée par les violences sociales et ethniques, l’artiste est l’un des acteurs qui permirent au Street Art d’entrer dans les salles des musées. Immédiatement identifiable, sa peinture est le lieu de l’émergence d’un répertoire iconographique nouveau et d’un style qui inspira de nombreux artistes jusqu’à aujourd’hui.

Dès 1976, à peine âgé de 16 ans, le jeune homme intrigue le milieu artistique de l'East Village en graffant les murs des rues à proximité des galeries de Manhattan sous le pseudonyme de SAMO (Same Old shit). Après plusieurs projets et collaborations (musique, cinéma…), sa peinture fait l’objet d’une première exposition dans la galerie d’Annina Nosei à Soho puis en 1980 dans la galerie Larry Gagosian à Los Angeles.

Le caractère emblématique de l’œuvre de Basquiat touche le public mais également les collectionneurs du monde entier. En salle de vente, le record pour cet artiste a été atteint à New-York en mai 2017 avec une adjudication frôlant 100 millions d’euros.

 

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PIASA
118 rue du Faubourg Saint-Honoré
75008 Paris FRANCE
+33 1 53 34 10 10​

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Verrerie italienne d’une Collection Privée Européenne chez Piasa

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VERRERIE ITALIENNE D'UNE COLLECTION PRIVÉE EUROPÉENNE -

JEUDI 12 MARS 2020, 18H

A côté du design brésilien, américain et scandinave, la production italienne du XXe siècle occupe une place tout à fait centrale dans les ventes organisées par PIASA.

Cette vacation consacrée à la verrerie italienne d’une collection privée européenne permet d’offrir aux collectionneurs un aperçu de la diversité et de la virtuosité des maîtres verriers qui, à Murano ou ailleurs, ont hissé au plus haut cette technique millénaire.

Les pièces de créateurs comme Carlo Scarpa (1906-1978) et Fulvio Bianconi (1915-1996) rendent manifeste les liens entre la verrerie et les autres arts parmi lesquels la sculpture et la peinture.

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Fulvio Bianconi (1915-1996)

Né à Padoue en 1915, Fulvio Bianconi entame sa carrière en tant qu’apprenti verrier à Murano sous la direction de Michael Pinto. A l’issue d’expérimentations dans l’illustration et le graphisme, il fait la rencontre du verrier Paolo Venini. Sa production se caractérise par une grande diversité de typologies (objets d’arts, vases, lampes…). Éminemment sensuelles, les formes de ses pièces se signalent par un chromatisme très marqué qui n’est pas sans rappeler la peinture abstraite à cette époque.

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Fulvio Bianconi (1915-1996)

Vase

Verre soufflé

Édition Venini

Signé et daté 'Bianconi 1969'

Date de création : 1969

H 29,5 x L 13,5 x P 10,5 cm

Bibliographie : "Fulvio Bianconi alla Venini", 2015, p. 290

Estimation : 20 000 / 30 000 euros

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Fulvio Bianconi (1915-1996)

Verre soufflé

Édition I.V.R. Mazzega

Maître verrier Ermanno Nason

Signé et daté 'Fulvio Bianconi 1940'

H 15 x L 32 x P 14 cm

Estimation : 4 000 / 6 000 euros

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Carlo Scarpa (1906-1978)

Après avoir obtenu son diplôme en 1926, Carlo Scarpa enseigne à son tour à la faculté d'architecture de Venise. Les possibilités plastiques du verre le poussent à entrer en contact avec les verreries Cappellin, dont il deviendra le conseiller artistique. Il explore alors les innombrables combinaisons entre les nuances chromatiques et les propriétés tactiles des matériaux employés

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Carlo Scarpa (1906-1978)

Verre soufflé

Édition Venini (étiquette)

Gravé 'Venini Italia 81'

H 6 x L 34,5 x P 23 cm

Estimation : 4 000 / 6 000 euros

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PIASA
118 rue du Faubourg Saint-Honoré
75008 Paris FRANCE
+33 1 53 34 10 10​

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L’histoire de Jacob Lawrence

  "Peintre historique" serait un titre approprié, bien que Jacob Lawrence lui-même ait préféré "Expressionniste" et qu'il soit certainement le plus qualifié pour décrire son propre travail. Lawrence est l'un des peintres afro-américains les plus connus du 20e siècle, avec Romare Bearden. Bien que Lawrence soit souvent associé à la Renaissance de Harlem, ce n'est pas exact. Il a commencé à étudier l'art une demi-décennie après que la Grande Dépression ait mis fin à l'apogée de ce mouvement. On peut cependant affirmer que la Renaissance de Harlem a donné naissance aux écoles, aux enseignants et aux artistes-mentors desquels Lawrence y a plus tard appris.

Sa jeunesse

Lawrence est né le 7 septembre 1917 à Atlantic City, au New Jersey. Après une enfance marquée par une série de déménagements et la séparation de ses parents, Jacob Lawrence, sa mère et ses deux jeunes frères et sœurs s'installent à Harlem lorsque le futur peintre a 12 ans. C'est là qu'il a découvert le dessin et la peinture (sur des boîtes de carton jetées), alors qu'il suivait un programme parascolaire au centre pour enfants Utopia. Il a continué à peindre quand il le pouvait, mais il a été forcé d'abandonner l'école pour aider sa famille après que sa mère ait perdu son emploi pendant la Grande Dépression.

Son art

La chance (et la persistance du sculpteur) est intervenue pour procurer à Lawrence un travail de chevalet dans le cadre de la WPA (Works Progress Administration). Il aimait l'art, la lecture et l'histoire. Sa détermination pacifique à montrer que les Afro-Américains, eux aussi, jouent un rôle majeur dans l'histoire de l'hémisphère occidental, malgré leur absence manifeste dans l'art et la littérature, l'a amené à entreprendre sa première série importante. 1941 a été une année marquante pour Jacob Lawrence : il a franchi la barrière de la couleur lorsque son oeuvre phare, The Migration of the Negro, a été exposée à la prestigieuse Downtown Gallery, et qu'il a également épousé sa collègue peintre Gwendolyn Knight. Il a servi dans la Garde côtière américaine pendant la Seconde Guerre mondiale et est revenu à sa carrière d'artiste. Il décroche un emploi temporaire d'enseignant au Black Mountain College (en 1947) à l'invitation de Josef Albers, qui devient à la fois un influenceur et un ami. Lawrence a passé le reste de sa vie à peindre, à enseigner et à écrire. Il est surtout connu pour ses compositions figuratives, pleines de formes simplifiées et de couleurs vives, et pour son utilisation de l'aquarelle et de la gouache. Contrairement à presque tous les autres artistes modernes ou contemporains, il a toujours travaillé en séries de tableaux, chacun ayant un thème distinct. Son influence, en tant qu'artiste visuel qui raconte la dignité, les espoirs et les luttes des Afro-Américains dans l'histoire américaine, est incalculable. Lawrence est mort le 9 juin 2000 à Seattle, Washington.

Les plus importants de ses travaux

Les plus importantes œuvres de Lawrence sont :
  • Toussaint L'Ouverture (séries), 1937-38 ;
  • Harriet Tubman (séries), 1938-39 ;
  • Frederick Douglass (séries), 1939-40 ;
  • La migration des Noirs (séries), 1941 ;
  • John Brown (séries), 1941-42.

Ses citations célèbres

Vois quelques citations célèbres de Jacob Lawrence.
  • "Je décrirais mon travail comme expressionniste. Le point de vue expressionniste consiste à mettre l'accent sur vos propres sentiments à propos de quelque chose."
  • "Je crois qu'il est très important pour un artiste de développer une approche et une philosophie de la vie. S'il a développé cette philosophie, il ne met pas de la peinture sur la toile, il se met lui-même sur la toile."
  • "Si parfois mes productions n'expriment pas la beauté conventionnelle, il y a toujours un effort pour exprimer la beauté universelle de la lutte continue de l'homme pour élever sa position sociale et pour ajouter une dimension à son être spirituel."
  • "Lorsque le sujet est fort, la simplicité est la seule façon de le traiter."
 

Heritage Auctions, résultat de ventes de 824,7 millions de dollars en 2019

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DALLAS, Texas (5 février 2020) - Heritage Auctions, HA.com, a annoncé que ses ventes annuelles totales pour 2019 ont dépassé les 824,7 millions de dollars, grâce à de bons résultats et à plusieurs ventes de premier plan qui ont établi des records mondiaux.

Heritage a enregistré des ventes totales de 824 761 706 dollars pour l'année civile 2019, dont 559 931 610 dollars de ventes aux enchères et 256 991 331 dollars de ventes privées. Le total des ventes en ligne a atteint un record de 483 857 445 $, soit 58 % de toutes les ventes, le volume en dollars et le pourcentage de ventes les plus élevés de toutes les maisons de vente aux enchères du monde.

"Nous avons établi plusieurs records mondiaux l'année dernière et nos bureaux à l'étranger continuent de se développer à un rythme soutenu, ce qui a permis à nos ventes de se maintenir dans un contexte économique difficile", a déclaré Jim Halperin, co-fondateur de Heritage Auctions. "Ces résultats et nos investissements à long terme dans l'entreprise nous ont permis de nous positionner pour une année 2020 forte".

La catégorie principale de l'entreprise, les pièces américaines rares, a généré 181,3 millions de dollars de ventes aux enchères, donnant aux enchères du patrimoine 55 % du marché mondial des pièces américaines rares. Heritage a vendu la pièce rare américaine la plus précieuse du marché en 2019 : le dollar de 1885, le plus fin connu du commerce, classé NGC PR66, qui a réalisé un record de 3 960 000 dollars. Parmi les autres records figurent trois autres pièces de sept chiffres, ainsi que la vente en avril d'un demi-dollar Kennedy de 1964, qui s'est vendu pour un record mondial de 108 000 dollars, ce qui en fait la pièce la plus chère de son genre.

Les ventes très médiatisées de World & Ancient Coins ont dépassé les 59 millions de dollars. L'investissement continu dans la catégorie a récemment permis d'offrir aux clients une nouvelle fonction en ligne qui affiche des photographies de haute qualité de pièces anciennes et mondiales prises par des sociétés de classement indépendantes, lorsqu'elles sont disponibles pour des lots de vente aux enchères sur Internet.

Les ventes aux enchères par le département Bandes dessinées de l'entreprise ont atteint le chiffre record de 79 332 770 dollars, avec des taux de vente supérieurs à 99 %, tant en valeur qu'en nombre de lots. Ce total est le plus élevé jamais atteint en 18 ans d'existence du département, et représente un bond de plus de 35 % par rapport au précédent record de 58 544 323 $ établi en 2018.

Le record mondial le plus notable à venir du département a été la vente de 5,4 millions de dollars de la Reine égyptienne, 1969, le chef-d'œuvre de Frank Frazetta, qui détient maintenant le record mondial comme la pièce la plus chère de l'art original de bande dessinée jamais vendue aux enchères.

Les ventes d'objets de collection et de souvenirs sportifs ont dépassé 70 millions de dollars sur plus de 23 000 lots. Parmi les records mondiaux, on peut citer le maillot de base-ball le plus cher de l'après-guerre, après la vente aux enchères de 2 580 000 dollars du maillot des Yankees de New York porté par Lou Gehrig en 1937. Un prix record pour un trophée Heisman a été établi en octobre lorsque les enchères pour le trophée attribué à Ricky Williams ont clôturé à 504 000 dollars.

Le nombre de collections privées que Heritage a mises sur le marché en 2019 a largement contribué à la vente de ce trophée. Parmi elles, la famille Neil Armstrong Collection™ a enregistré de loin la médaille Robbins en or la plus chère au monde jamais offerte aux enchères. La médaille personnelle d'Armstrong, transportée par module, a été vendue en juillet à un collectionneur privé pour 2 055 000 dollars.

Les ventes d'œuvres d'art ont fait un bond de 10 millions de dollars pour atteindre 60,4 millions de dollars, soit une augmentation de 20 % par rapport à 2018. Parmi les ventes notables, citons Blueberry Custard, 1961, de Wayne Thiebaud, qui a établi un record de la maison pour son œuvre d'art moderne et contemporain la plus chère, à 3 255 000 $.

Heritage continue de voir sa clientèle augmenter, atteignant l'année dernière le cap des 1,25 million d'enchérisseurs en ligne inscrits, qui utilisent HA.com, la plateforme en ligne de Heritage, pour acheter et vendre des objets de collection dans ses plus de 40 catégories de collection.

Heritage Auctions est la plus grande maison de vente aux enchères d'œuvres d'art et d'objets de collection fondée aux États-Unis, et le plus grand commissaire-priseur d'objets de collection au monde. Heritage dispose de bureaux à New York, Dallas, Beverly Hills, San Francisco, Chicago, Palm Beach, Londres, Paris, Genève, Amsterdam et Hong Kong.

 

En illustration : Wayne Thiebaud (né en 1920). Crème de myrtille, 1961. Huile sur toile. 18 x 24 pouces (45,7 x 61,0 cm). Signé et daté 

© crédit image Heritage auctions

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Max Guazzini - Vente Millon

Résultats : La vente de Max Guazzini avec l’étude Millon

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Max Guazzini, ancien directeur et programmateur de la Radio NRJ a confié la vente de sa collection de disques D'Or à la maison de ventes Millon. Le but de cette vente aux enchères : Récolter de l'argent pour la création d'un refuge pour animaux avec la Fondation Bardot.

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220 disques à vendre par le confident des Stars

Ce sont près de 220 disques d'or, de diamants et de platine qui ont été proposés à la vente, le 23 janvier à L'hôtel Drouot. La presse était au rendez-vous. Photographes, équipes de télévision se sont bousculés pour interviewer Max Guazzini, l'ancien patron du Stade français qui a au début de sa vie avait tenté de se lancer dans la chanson. Sans grand succès en tant que chanteur, Max Guazzini est l'ami des stars françaises et internationales.   [/et_pb_text][et_pb_text _builder_version="4.2.2"]

Un total de 167 000 euros pour les animaux maltraités

La surprise fut totale pour Max Guazzini qui s'attendait à un résultat de vente autour des 60 000 euros. Il faut dire que le travail en amont de l'équipe de l'étude Millon a permis d'avoir une salle archicomble et d'obtenir des surprises sur des artistes moins connus internationalement -   200 euros par exemple pour le disque d'Argent de David et Jonathan ou  800 euros pour Elsa pour le titre "t'en vas pas"     [/et_pb_text][et_pb_text _builder_version="4.2.2"]

Des records pour Mylène Farmer, Johnny Hallyday

Place aux records de vente pour ces enchères de Disques D'or de la collection de Max Guazzini : le double disque de platine « Ainsi soit Je » de Mylène Farmer, datant de 1988, s'et envolé à 6 200 €, le triple disque de diamant de Johnny Hallyday est monté à 6400 euros. Max Guazzini était aux anges à la fin de la vente. Il a pu signé quelques disques d'or tendus par les nouveaux acquéreurs. Pour voir les résultats de ventes, c'est ici [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
Investir art death nyc

Street Art : Pourquoi investir dans du Death NYC ?

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C'est la révélation dans le street-art en 2017 : Death NYC

Death NYC est le pseudo d'une street-artiste new-yorkaise, qui préfère rester anonyme, une liberté qui lui permet de travailler plus librement dans la rue. Son pseudonyme est en réalité un acronyme de "Don't Easily Abandon The Hope" (N'abandonne pas l'espoir facilement), mais « Death » induit souvent le public en erreur, surtout quand l'artiste écrit son slogan "Death is free" dans les rues.

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Retrouvrez les œuvres de Death NYC disponibles sur auctionlab.

Des images populaires qui parlent à tous

Son art s'inspire de ce qu'elle puise dans les rues de New-York, où elle a grandi et vit encore aujourd'hui.

A ses débuts, Death peignait sur les murs et les sols de magasins populaires des quartiers de Soho et de Chelsea.

Son travail est basé sur le détournement des images de la culture populaire, aussi on retrouve sur ses oeuvres les figures emblématiques de Marylin Monroe, Kate Moss, Le Président Obama, Mao qu'elle représente par exemple avec un nœud rose dans les cheveux et du rouge à lèvres.

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Certains exemplaires de l'artiste ne sont désormais plus disponibles à la vente

Les œuvres de Death NYC sont percutantes, attirantes par leurs lignes épurées. Elles sont à la fois esthétiques et porteuse d'un message. Alliant l'esprit de la sérigraphie du Pop-Art au street-art, ses œuvres se déclinent en différents formats.

Il est encore temps de craquer pour cette artiste prometteuse : les prix sont encore abordables pour des petits formats. Certains exemplaires en édition limitée de l'artiste s'arrachent déjà et ne sont désormais plus disponibles à la vente.

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Death NYC : c'est l'investissement à faire

Achetez des œuvres de Death NYC actuellement en vente sur auctionlab : c'est l'investissement à faire, pour débuter une collection avec un petit budget et se faire plaisir ou pour commencer à investir dans l’art.

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Comment nettoyer et entretenir votre sac Hermès Kelly ?

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La petite Histoire du « sac Kelly »

L’iconique sac Kelly doit sa renommée à une jolie anecdote. En 1956, alors que Grace Kelly sort de l’aéroport, elle tente avec son sac de cacher aux paparazzis son ventre qui s’arrondit. A cet instant, les rumeurs sur sa première grossesse se vérifient et le fameux sac est propulsé au rang de star.

Créé par la maison Hermès en 1935, ce sac s’inspire du modèle « Haut à courroies » inventé pour les cavaliers qui y rangeaient selle et bottes. Les clientes qui le commandent en boutique le réclament sous le nom de « sac Kelly ». Hermès décide alors de le rebaptiser ainsi en 1977.

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Un sac Kelly pour tous les goûts

Le Kelly a d’abord existé en cinq couleurs : le marron, le noir, le rouge, le vert et le bleu. Actuellement, le modèle se décline dans plus de cinquante coloris. Le rose et le gris sont devenus des best-sellers. Les tailles les plus vendues sont les : 25, 28, 32, 35 et 40 cm.

Les sacs Kelly sont fabriqués dans des matières nobles qui nécessitent un bon entretien : en cuir ou en crocodile pour la plus grande majorité.

Avec sa forme trapèze, son petit cadenas, sa doublure de cuir et ses clous fixés sur le fond, il faut environ vingt heures de travail à un artisan pour réaliser ce modèle. Autant de critères qui devraient vous inciter à l’entretenir avec amour.

 

Comment reconnaitre un vrai sac Kelly Hermès ?

 

Il est important de s’assurer de l’authentification d’un sac Kelly avant de l’acheter. Hermès ne délivre pas de certificat d’authentification, il est donc essentiel de savoir repérer le faux du vrai avec ces quelques inscriptions faciles à déceler :

Le logo de la marque se trouve sur le fermoir, sur la partie dorée d’une des languettes de fermeture et aussi sur le cadenas livré avec son lot de clés.

Une lettre gravée correspondant à l’année de fabrication du sac doit être imprimée par l’artisan sur le cuir de la languette.

A l’intérieur, la poche zippée est marquée d’un H et le nom « Hermès » est gravé sur la tirette.

Nos conseils pour entretenir votre sac Kelly Hermès

Un sac Kelly est un incontournable du luxe, et un incontournable il faut en prendre soin. Pour cela, il existe plusieurs conseils pour garder votre sac en bon état et le nettoyer sans risque.

Ne pas frotter le cuir qui est fragile et le nettoyer avec un coton et du lait démaquillant.

Utiliser un détachant avec beaucoup de prudence et faites toujours un test sur une partie cachée pour éviter les mauvaises surprises.

Fuir à tout prix l’humidité et la chaleur et essuyer rapidement le sac en cas de contact avec l’eau et le laisser éloigné de toute source de chaleur.

Eviter la déformation de votre sac Kelly en ne l’encombrant pas de choses inutiles et le ranger dans sa housse une fois nettoyé et rempli de papier de soie.

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Un trésor dans votre maison sur 6ter

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Donner une seconde vie aux objets ? Chiner dans les salles des ventes et les brocantes ? Chaque année, on dénombre environ 15 millions de Français qui participent à des brocantes, braderies ou vides-greniers. C'est une des passions préférées des français, qui aiment aussi voir que tout s'achète et tout se vend devant leur télé.

Le programme quotidien « Affaire Conclue » diffusé depuis 2019 sur France 2, présente une audience qui ne cesse de grimper. 

Néanmoins, c'est M6 qui, le premier, a lancé son émission dédiée aux coulisses des salles de ventes dès 2010 avec « Un Trésor dans votre maison » produite par Mediafisher/Gtnco. Au fil des saisons, l'émission, diffusée en accès prime-time le samedi, a rassemblé plus de deux millions de téléspectateurs en aidant des Français à dénicher les trésors cachés dans leur maison, des biens ensuite proposés aux enchères. Vous le savez, peut-être mais auctionlab, le site d’actualités sur monde des enchères et des objets, a été lancé par Cyril Chamalet, le producteur d'"Un trésor dans votre maison" et "Enchères made in France,  .

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Le retour d' « Un trésor dans votre maison »

Good news ! On va retrouver Jérôme Anthony, le présentateur historique de l'émission ! En effet, le groupe M6 propose désormais une diffusion quotidienne d' « Un trésor dans votre maison » sur 6ter. Aussi, depuis début janvier, Jérôme Anthony vous donne RDV sur le canal 22 le mercredi à 6H15 et 12h20. Accompagné d'Elsa Gody et d'Emmanuel Layan, ils jouent leur rôle de commissaire-priseur sous le feu des projecteurs et se rendent chez des particuliers dans toute la France pour estimer les objets et le mobilier qui composent leur intérieur pour ensuite les proposer aux enchères.

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Jérôme Anthony et Emmanuel Layan

 

Comment reconnaitre de l'argent massif ? Comment faire la différence entre un vrai et un faux vase de Gallé ? Comment reconnaitre les différents bois d'un meuble ? Que doit-on regarder avant d'acheter une lampe design ?

Pour ne pas passer à coté d'un trésor, Emmanuel Layan a compilé ses trucs et astuces dans deux ouvrages pour nous guider. Il nous livre ses secrets d'écriture en exclusivité sur auctionlab.

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Qui sont les photographes de portraits les plus célèbres de l’histoire ?

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Les photographes portraitistes les plus célèbres du monde vous diront que la clé pour prendre une photo mémorable est de laisser vos sujets briller. Un bon photographe portraitiste met ses sujets à l'aise. Au bon moment, il capte l'essence de leur personnage sur pellicule.

À propos des photographes de portraits célèbres

Passer en revue le travail de photographes de portraits célèbres peut grandement aider les amateurs en quête d'inspiration. Les hommes et les femmes énumérés ci-dessous incarnent les idéaux d'un photographe de portrait exceptionnel. Leur capacité à faire ressortir différentes facettes de la personnalité de leurs sujets est une leçon que tous les photographes peuvent apprendre. De plus, ils illustrent que pour réussir dans le domaine de la photographie de portrait, vous ne pouvez pas vous débrouiller avec des compétences photo supérieures à la moyenne. Vous devez également comprendre la nature humaine.

Quelques photographes de portraits féminins célèbres

Gertrude Kasebier (1852-1934)

Gertrude Kasebier était l'une des photographes portraitistes américaines les plus recherchées et les plus influentes du début du XXe siècle. Son objectif était de capturer l'expression d'un sujet dans le cadre le plus naturel possible. Elle est connue pour dépouiller ses sujets au strict minimum afin de mieux se concentrer sur leur visage ou leur stature. Kasebier s'est également fait un nom en réalisant des portraits évocateurs de mères, en particulier celles d'origine amérindienne. De plus, on lui attribue le mérite d'avoir fait la promotion de la photographie en tant que profession légitime pour les femmes.

Diane Arbus (1923-1971)

Documenter les rejets de la société était une passion de la photographe américaine Diane Arbus. Elle est surtout connue pour ses portraits d'individus qui vivaient en marge de la société, notamment des nains, des géants, des prostituées et des travestis. Arbus s'est également mérité des éloges pour avoir capturé des gens ordinaires dans des poses et des décors extraordinaires. Aujourd'hui encore, les historiens attribuent à Arbus le mérite d'avoir repoussé les limites de la photographie portraitiste "de bon goût".

Elsa Dorfman

La portraitiste américaine Elsa Dorfman possède une compétence inestimable pour sa profession - elle peut communiquer avec un sujet en un temps record. Dorfman se démarque dans le monde de la photographie de portrait parce qu'elle utilise un appareil Polaroid de 50 x 60 cm, plutôt qu'un appareil numérique sophistiqué. Le film coûte environ 45 euros par exposition, alors elle se limite à deux expositions par sujet. Ainsi, Dorfman doit travailler deux fois plus fort pour capturer l'essence de l'expression d'un sujet. Le succès artistique de Dorfman en tant que photographe portraitiste a été exposé dans de grands musées à travers le monde.

Quelques photographes de portraits masculins célèbres

Yousuf Karsh (1908-2002)

Yousuf Karsh est considéré comme l'un des photographes portraitistes les plus célèbres de tous les temps. Le photographe canadien d'origine arménienne est surtout connu pour ses portraits de dignitaires, de politiciens et de célébrités. Certains de ses sujets les plus célèbres comprennent :

  • Mohammed Ali,
  • Humphrey Bogart,
  • Fidel Castro,
  • Albert Einstein,
  • Dwight Eisenhower,
  • Robert Frost,
  • Pignon Clark,
  • Ernest Hemingway,
  • Audrey Hepburn,
  • Le pape Jean-Paul II,
  • Helen Keller,
  • Grace Kelly,
  • Jacqueline Kennedy,
  • John F Kennedy,
  • Laurence Olivier.

Malgré son travail avec les personnalités célèbres susmentionnées, le sujet de portrait le plus célèbre de Karsh était Winston Churchill. Karsh a cimenté sa place dans l'histoire de la photographie de portrait le 30 décembre 1941 lorsqu'il a pris le fameux cliché d'un Churchill grincheux après un exposé sur la Seconde Guerre mondiale. La photo de Churchill a apporté à Karsh une renommée internationale et est considérée comme le portrait photographique le plus reproduit de l'histoire.

Sir Cecil Walter Hardy Beaton (1904-1980)

Sir Cecil Walter Hardy Beaton était un photographe de mode et de portraits anglais surtout connu pour son travail de documentation de la famille royale britannique pour publication officielle. La reine Elizabeth a régulièrement applaudi les talents de Beaton en tant que maître photographe et lui a offert un jour un mouchoir parfumé en guise de souvenir d'une séance photo très réussie. En plus des innombrables séances de portrait que Beaton a complétées avec la reine, il a également pris les célèbres photos de mariage du duc et de la duchesse de Windsor.

Francesco Scavullo (1921-2004)

Le photographe de mode américain Francesco Scavullo est surtout connu pour ses portraits de l'élite hollywoodienne. L'un de ses plans les plus célèbres et les plus controversés était un plan central comospolitain d'un Burt Reynolds nu. Scavullo a également fait la une des journaux au début de sa carrière pour avoir pris les portaits provocateurs d'une jeune Brooke Shields, qui étaient considérés par beaucoup comme inappropriés. Le travail de portraitiste de Scavullo se perpétue dans les affiches de films, les couvertures d'albums et les programmes de Broadway, y compris la célèbre photo prise par l'actrice Julie Andrews pour Victor/Victoria.

Herb Ritts (1952-2002)

Herb Ritts est considéré comme l'un des photographes portraitistes les plus influents du 21è siècle. Ritts a travaillé avec un who's who virtuel de célébrités du monde entier et est célèbre pour ses portraits en noir et blanc réalisés dans le style de la sculpture grecque classique. Par conséquent, beaucoup le considèrent comme le grand-père de la photographie glamour. Au cours des années 1980 et 1990, Ritts est devenu le premier photographe portraitiste célèbre au monde. Parmi ses œuvres les plus célèbres, mentionnons les premières photos d'un Christopher Reeve et d'Elizabeth Taylor paralysés quelques jours seulement après avoir subi une opération au cerveau. La notoriété de Ritts lui a également permis d'avoir un accès sans précédent à des sujets tels que le président Ronald Reagan, l'acteur Jack Nicholson et la chanteuse Madonna, dont les portraits ont rapporté des millions d'euros.

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Comment bien conserver son vin ?

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Vous avez décidé d'acquérir un échantillon de bouteilles comparable à l'ensemble des contrées françaises, pour former une cave équilibrée entre les Bordeaux, les Bourgognes, les Côtes du Rhône et la vallée de la Loire. Ou a contrario vous avez orienté votre cave vers d'autres cépages, comme des vins d'Alsace, du Languedoc et du bassin méditerranéen.

Maintenant que ces bouteilles sont en votre possession, nous allons vous donner les meilleurs conseils pour bien conserver votre vin et stocker vos bouteilles. Aussi, pour commencer, il faut accorder une attention toute particulière à prévoir un espace de stockage pour les bouteilles à vieillir, le plus souvent, une cave.

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A quelle température dois-je conserver le vin dans ma cave ?

Les astuces pour la conservation du vin, comme pour le champagne ou les spiritueux, dépendent de quelques paramètres importants. Une bonne cave doit être maintenue à une température idéale, selon les spécialistes, entre 12 et 15 °C. Dans les casiers à vin, les bouteilles optimisent ainsi leur durée de conservation. Les règles sont simples : une température supérieure peut accélérer le mûrissement du vin dans leur bouteille en verre et l'empêcher d'atteindre son apogée. Quant à une température de conservation inférieure, elle peut le ralentir.

Pour conserver son vin dans les meilleures conditions, il faut aussi éviter les changements trop brusques de températures dans la pièce, du sol au plafond, qui affecteraient le vieillissement du vin. Veiller donc à avoir une température stable dans la cave de votre appartement ou de votre maison en installant par exemple un système d'affichage de la température.

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L'humidité est aussi un facteur important pour une bonne durée de conservation de vos bouteilles dans cette pièce. Il faut un taux d'hygrométrie compris entre 70-75% de manière constante. En effet, une cave trop sèche assèche les bouchons en liège, laissant alors passer l'air dans les bouteilles et cela peut fortement altérer les arômes et causer l’oxydation du vin.

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Enfin, l'obscurité est primordiale pour des conditions de stockage idéales des bouteilles de vin. En effet, la lumière apporterait trop de chaleur dans la cave, une des causes d'accélération du vieillissement d'une bouteille en verre due aux changements de températures. Aussi, en termes d'éclairage intérieur, veillez à installer une ampoule de faible intensité dans la cave. Une ampoule à éclairage led sera parfaite.

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Quels achats pour une capacité de conservation optimale ?

 

Investissez dans un livre de cave. Celui-ci vous permettra de répertorier l'ensemble des crus que vous avez acheté, et de calculer leur période de dégustation optimale.

Il vous faut aussi acquérir des casiers de rangement - on en trouve facilement en métal - afin de ranger vos bouteilles couchées, et ne pas les conserver dans leur caisse en bois d'origine, pour laisser les flacons mieux respirer.

Si vous ne disposez malheureusement pas d'une cave ou d’une grande capacité de stockage dans votre logement, vous pouvez aussi faire l'acquisition d'une armoire à vin ou acheter une cave à vin. Ventilée, réfrigérée, celle-ci a été pensée par des professionnels avec des conditions de stockage pour respecter le vieillissement de vos bouteilles. Pour une parfaite conservation des vins, elle doit être dotée d'un filtre à charbon actif pour garantir le renouvellement sain de l'air intérieur.

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Cet été, vous pourrez aussi acheter votre première cave connectée de chez Caveasy: un système de rangement et de gestion de vos vins. Il suffit de prendre en photo vos bouteilles via l’application et les déposer sur les étagères. Vous pourrez alors retrouver facilement votre bouteille grâce à un voyant lumineux, choisir la bouteille la mieux adaptée à votre repas et surveiller les conditions de conservation grâce à un capteur de température et d’humidité.

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HERMÈS : sac à dépêche (ou porte-documents) en veau grainé noir

Ivoire Nîmes organise une vente aux enchères remplie de trésors

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La vente d’objets d’art, mobilier, tableaux et bijoux, du samedi 30 novembre, organisée par Françoise Kusel et Pierre Champion, Commissaires-priseurs, est une belle occasion de réaliser ses achats de noël et d’y découvrir l’univers des ventes aux enchères.

 

Rendez-vous le samedi 30 novembre 2019 à 14h

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Les 600 lots de la vente rassemblent divers univers tels que celui de la mode et du luxe accessible à des prix intéressants (Vuitton, Dior, Hermès, YSL) ; celui des bijoux (diamants, bijoux anciens, boucles d’oreilles Art Déco corail et diamants, saphir Ceylan de 4 à 5 carats …) ; mais aussi celui des véhicules de collection à l’instar de la Citroën DS23 estimée entre 22 000 et 25 000€. 

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« Cette vente est également l’occasion de découvrir ou
redécouvrir l’univers des objets d’art, du mobilier ancien, et des artistes de tableaux anciens et plus contemporains tels que
François Desnoyer (1894-1972), peintre originaire de Montauban dont la cote est intéressante », explique Pierre Champion.

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Dans la catégorie « mobilier », le choix du Commissaire-priseur se porte sur une table à hors d’œuvre vers 1900 en acajou et argent dont tous les ornements et accessoires sont en argent, ce qui est plutôt rare. (NDLR : lot 462, est.3000/5000€).

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Enfin, les collectionneurs et numismates devraient être au rendez-vous pour enchérir sur place, par téléphone ou en direct sur internet pour les 150 lots de monnaies antiques ou or mis en vente dès 9h (interencheres-live.com et drouotdigital.com).

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Une exposition est organisée le mercredi 27 novembre de 14h30 à 18h et le jeudi 28 novembre de 10h à 18h pour découvrir les lots mis en vente.

Contact : P. Champion F. Kusel : 04 66 67 52 74 -21, rue de l’Agau – 30000 Nîmes et le site de la maison de ventes 

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Beaux résultats pour les enchères “Bande Dessinée” de la maison Artcurial

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Le samedi 23 novembre, Artcurialconviait les amateurs du 9ème art à savente semestrielle de Bandes Dessinées, qui totalise 1,2 M€ / 1,3 M$. Une rare planche encadrée du Vaisseau de pierre du dessinateur Enki Bilal remporte le plus haut prix de cette vacation à 117 000 € / 128 700 $. Une sculpture en bronze représentant les acolytes Tintin et Milou, réalisée en 1975 par Nat Neujean sous la direction de Hergé, séduit quant à elle les collectionneurs et atteint 84 500 € / 92 950 $.

[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][et_pb_row _builder_version="4.0.6" column_structure="1_2,1_2" hover_enabled="0"][et_pb_column _builder_version="4.0.6" type="1_2"][et_pb_image src="https://mk0auctionlabnetbmb9.kinstacdn.com/wp-content/uploads/2019/11/NAT-NEUJEAN-Tintin-et-Milou-Sculpture-en-bronze-réalisée-en-1975-.png" _builder_version="4.0.6" hover_enabled="0"][/et_pb_image][/et_pb_column][et_pb_column _builder_version="4.0.6" type="1_2"][et_pb_text _builder_version="4.0.6" hover_enabled="0"] Lot 211 : NAT NEUJEAN, Tintin et Milou, Sculpture en bronze réalisée en 1975 par Nat Neujean sous la direction de Hergé. Hauteur : 72 cm. Adjugé 84 500 € / 92 950 $ frais inclus (estimation : 50 000 – 60 000 €) [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][et_pb_row _builder_version="4.0.6"][et_pb_column _builder_version="4.0.6" type="4_4"][et_pb_text _builder_version="4.0.6" hover_enabled="0"]
PARIS - Samedi 23 novembre, Artcurial accueillait les amateurs du 9ème art pour une vente consacrée à la Bande Dessinée. La vacation, dirigée par François Tajan devant une salle comble, totalise 1 189 640 €/ 1 308 604 $. La bande dessinée moderne a conquis le coeur des collectionneurs avec le dessinateur Enki Bilal, qui remporte le plus haut prix de cette vacation avec une rare planche encadrée du Vaisseau de Pierre (lot 152), qui s’est envolée à 117 000 €, dépassant son estimation, et revient à un collectionneur européen. Les amateurs de Tintin étaient comme toujours au rendez-vous et ont bataillé pour une magnifique sculpture en bronze représentant les deux inséparables Tintin et Milou (lot 211) réalisée en 1975 par Nat Neujean sous la direction de Hergé, remportée par un collectionneur européen pour 84 500 € / 92 950 $. Notons également une lithographie réalisée en 1979 à l’occasion du Prix Stéphane Janssen au Royal Waterloo Golf Club, signée au crayon par Hergé (lot 209) qui remporte le joli prix de 36 400 € / 40 040 $. Une autre très belle pièce, la lithographie extraite de l’album On a marché sur la lune (lot 210) signée par Hergé ainsi que par les astronautes américains ayant marché sur la Lune triple son estimation à 33 800 € / 37 180 $. De rares signatures ornent ce lot à l’image de Buzz Aldrin et sa dédicace «First moonwalkers after Tintin», Enfin, l’album en couleurs de Tintin au Congo, réalisé en 1948, (lot 193) a été adjugé 21 500 €/ 23 650 $ frais inclus. La bande dessinée classique était également à l’honneur puisque l’exceptionnel ensemble de 18 planches au format à l’italienne de L’odio di corazon Sutton de l’italien Hugo Pratt (lot 276) change de mains pour 70 200 € / 77 220 $. La collection de dessins originaux illustrant les aventures de la jeune héroïne enfantine Caroline de Pierre Probst a également suscité l’intérêt des collectionneurs, avec de belles enchères notamment pour Caroline aux sports d’hiver (lot 13), adjugé 14 300 € / 15 730 $, ainsi que Caroline en Europe (lot 22), vendu 13 700 € / 15 070 $ frais inclus, triplant tous deux leur estimation.
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Qui est Joe Colombo ?

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En seulement 20 ans de carrière, Joe Colombo a révolutionné le design et les formes de l’habitat individuel. A tel point qu’il est devenu emblématique de l’âge d’or du design italien. Dans les années 60, Joe Colombo multiplie les concepts et les idées, entre meubles modulaires et « cellules » d’habitation. Retour sur la vie et l’œuvre d’un des génies du design.

 

 

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Biographie express du designer italien

 

Cesare Colombo est né en 1930 à Milan, ville où il décèdera d’un infarctus, à seulement 41 ans. Une courte vie consacrée à un travail particulièrement prolifique, le designer ayant beaucoup créé en renouvelant les formes, les matières et les usages.

Joe Colombo suit d’abord des études de peinture et de sculpture à l’Académie des Beaux-Arts puis d’architecture à l’Ecole polytechnique de Milan. Il peint, sculpte, dessine… jusqu’à ce qu’il soit dans l’obligation de prendre la tête de l’entreprise familiale en 1959.

A partir de 1962, il se consacre entièrement au design et crée son propre studio. Une de ses premières créations, la lampe Acrilica, au corps transparent en forme de « C », est récompensée en 64. Joe Colombo produit des luminaires, mais aussi des meubles et des objets futuristes et fonctionnels. Tout au long des années 60, il collabore avec les plus grandes maisons d’édition telles que Kartell, O-Luce ou Zanotta. Nombre de ses œuvres sont toujours exposées dans les musées du monde entier et l’artiste fait régulièrement l’objet de rétrospectives, études et expositions.

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Vers un design « total » : Joe Colombo

Dans les années 60, Joe Colombo se consacre surtout à la création de meubles, lesquels se distinguent par leur modularité et leur flexibilité. Fauteuils, chaises, lampes, étagères, meubles de rangement… se transportent et s’adaptent aux besoins de son utilisateur. Le tout dans des matériaux qui permettent la démocratisation de ces éléments de mobilier, utiles et pratiques.

A partir de la fin des années 60, Joe Colombo propose un design « global », des cellules, ou unités, d’habitation, où les éléments de mobilier transcendent l’espace et l’architecture. Par exemple, en 1969, il crée « Cabriolet Bed », une « unité nuit » composé d’un lit recouvert d’un toit ouvrant et doté d’une coiffeuse, d’un miroir et d’une stéréo. Cette « cellule » est complétée par une « unité » jour, baptisée Rotoliving, un élément multifonctionnel qui évolue en même temps que les besoins du quotidien : il sert ainsi tour à tour de table basse ou de table de repas, de bar ou d’armoire, et il est muni d’une horloge, d’une télévision, d’éclairage… Joe Colombo s’oriente ainsi vers un art quasi-total, une forme de design qui aide l’utilisateur à gagner de l’espace et du temps.

Ce concept de cellule d’habitation, Joe Colombo le perfectionne encore à travers Visiona 1 et Total Furnishing Unit. Mort prématurément en 1941, Joe Colombo ne pourra faire aboutir pleinement son projet. Mais l’artiste visionnaire a inspiré, et inspire encore, bon nom de designers.

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Meubles iconiques signés Joe Colombo

Les meubles imaginés par Joe Colombo sont exposés dans de nombreux musées. Ils sont encore édités par des maisons telles que Kartell ou Vitra. Et il n’est pas rare de croiser des modèles originaux dans les salles de ventes aux enchères, chez les antiquaires ou sur des boutiques en ligne.

Parmi les œuvres les plus connues du designer italien Joe Colombo, on peut citer :

-Fauteuil Elda (1963) : on le reconnaît tout de suite à sa forme imposante et enveloppante ainsi qu’à ses coussins recouverts de cuir et qui dessinent des rectangles sur le dossier et les accoudoirs.

-Bibliothèque Continental (1965) : en forme de demi-sphère, elle ressemble à une calotte qui sort du mur. Elle est quadrillée par des espaces de rangement plus ou moins profonds selon qu’ils s’éloignent du centre du cercle.

-Chaises Universale (1967) : grâce à leurs pieds démontables, ces chaises sont évolutives et s’adaptent tant aux adultes qu’aux enfants. On la considère comme la première chaise moulée entièrement en plastique.

-Tube Chair (1969) : sans doute le meuble le plus connu de Joe Colombo, avec le fauteuil Elda. Il se compose de 4 cylindres recouvert de mousse et de diamètres différents. L’utilisateur les assemble comme bon lui semble, de manière à s’allonger sur une chaise longue ou à s’assoir sur un fauteuil, selon la configuration de tubes qui lui apporte le plus de confort. Les tubes s’insèrent les uns dans les autres pour un transport facilité dans un sac de toile.

-Chariot Boby (1969) : ce chariot mobile se compose de tiroirs, d’étagères, d’éléments de rangement… tous modulables pour un meuble sur mesure.

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Jérôme Mesnager, le créateur singulier et unique de « L’Homme en blanc »

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Cet artiste français né à Colmar est un des premiers peintres de rue parisiens à avoir contribué à l’histoire et au développement du Street Art. Il a été notamment connu pour sa signature de « L’Homme en blanc »  réalisée dans les rues de la capitale française. Fils d'un ingénieur, Jérôme Mesnager a suivi une formation d’ébéniste et s’est, par la suite,  dirigé vers l’enseignement. A la fin des années 70, il prendra des cours de bandes dessinées et créera le groupe « Zig-Zag » composé de jeunes artistes qui signeront les villes et les usines désaffectées de leurs graffitis. 

C’est en 1983 qu’il inventera « L’Homme en blanc » aussi connu sous le nom de « Corps blanc ». Sa signature, qui ira bien au-delà des frontières françaises, sera un symbole de paix, de lumière, de force intérieure et de liberté. Durant les années 90, il réalise de nombreuses œuvres, notamment l’emblématique « C’est nous les gars de Ménilmontant » qui se trouvera au croisement de deux rues de Paris. Il collabore avec d’autres artistes peintres et s’investit complètement dans les mouvements d’art urbain parisiens. En collaboration avec le groupe de musique « Kétanou », il a réalisé la pochette de leur album.

Comme beaucoup d’artistes de Street Art, Jérôme Mesnager symbolise la rébellion, l’insoumission et la conscientisation collective ! En effet, sa silhouette blanche a plus de 30 ans mais qu’importe les années qui passent, cette marque de fabrique reste indémodable et incontournable lorsque l’on parle du mouvement de l’art de rue. Ses œuvres nous frappent en plein cœur en soulignant notre mal-être et les dysfonctionnements sociétaux qui nous entourent ! Et puis, ne dit-on pas finalement qu’une image vaut mille mots ? En réalité, cette expression se marie à merveille avec l’art de Jérome Mesnager qui utilise les blessures des murs pour exprimer ses maux. Au-delà des cloisons, ses créations éphémères se transposent sur divers supports tels que des vitrines de cafés, des portes de garages, des marches d’escaliers et bien d’autres encore ! 

Ce visionnaire intrigue et attire l’attention de grands collectionneurs et des galeries d’art les plus prestigieuses. Ceci ne l’empêche pas de garder son authenticité et sa simplicité en restant fidèle à ses idées.

En espérant que ces quelques lignes vous auront donné envie de découvrir cet artiste à l’univers singulier, vous pourrez aller sur son site internet, son Facebook ou encore son Instagram pour apercevoir un bon nombre de ses toiles et, éventuellement, envisager d’aller les admirer en direct ?

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