Jean-Michel Basquiat (1960-1988) – Untitled (Skull) – Giclée – L Size – Artestar licensed print – COA – Enchères

Impression giclée de Jean-Michel Basquiat (*)
Reproduction de l’œuvre “Untitled (Skull)” (**) œuvre créée par Basquiat en 1981.
Édition de luxe sur papier aquarelle Monte Carlo de grammage élevé (300 g/m2)
Impression autorisée par Artestar New York.
Droit d’auteur de l’Estate de Jean-Michel Basquiat.
Inclut un Certificat d’Authenticité (COA).

Spécifications :

– Dimensions du support : 50 x 44 cm
– Dimensions de la tache : 40 x 34 cm
– État : Excellent (cette œuvre n’a jamais été encadrée ni exposée, et toujours conservée dans un dossier professionnel d’art, elle est donc proposée en parfait état).

L’œuvre sera manipulée et emballée avec soin dans un emballage en carton renforcé. L’envoi sera assuré avec numéro de suivi, assuré par les meilleures sociétés de transport (UPS DPD DHL FedEx).

L’envoi inclura en outre une assurance complète pour la valeur finale de l’œuvre avec remboursement total en cas de perte ou de dommage, sans frais pour l’acheteur.

(*) Jean-Michel Basquiat fut le premier des trois enfants de Matilde Andrades et Gerard Basquiat. Son père était un comptable haïtien d’une solvabilité économique respectable et sa mère une graphiste portoricaine de grand prestige dans sa profession. Jean-Michel grandit dans un cadre familial déchiré, ses parents divorcent et, en raison de cela, il dut changer d’école à plusieurs reprises. Il étudie dans une école catholique privée, puis dans une école publique et enfin, à 16 ans, intègre la City-As-School, un établissement pour adolescents surdoués, dont il est expulsé un an avant d’obtenir son diplôme.
Dès sa jeunesse, il entra en contact avec la sous-culture de la grande ville, liée à l’usage de drogues et aux bandes de quartier. En 1977, avec Al Díaz, il s’introduisit dans le monde du graffiti, peignant sur les wagons du métro et dans les zones de SoHo, quartier new-yorkais où prolifèrent les galeries d’art.
L’année suivante, il quitta l’école un cours avant l’obtention du baccalauréat et quitta le domicile pour vivre pendant deux ans dans les rues, dans des immeubles abandonnés ou avec ses amis dans le Lower Manhattan, survivant grâce à la vente de cartes postales et de T-shirts qu’il décorait lui-même. Il continuait à pratiquer le graffiti, ses tags et écritures avaient une forte charge poétique et philosophique, mais surtout satirique. Le pseudonyme de son alter ego partagé avec Al Díaz était SAMO (sigle de “Same Old Shit”, c’est-à-dire “la même merde de toujours”, avec lequel ils signaient leurs tags et graffiti avec des messages cryptiques. L’usage de ce nom fut déterminant dans sa vie.
Ces murs portaient des inscriptions telles que “SAMO sauve les idiots” ou “SAMO met fin au lavage de cerveau religieux, à la politique du rien et à la fausse philosophie”. Un article sur l’écriture de SAMO publié dans The Village Voice fut le premier signe que le monde de l’art s’intéressait à lui.
L’artiste eut plusieurs relations qui influencèrent son œuvre; l’une des plus significatives fut avec l’artiste Andy Warhol.
Par ailleurs, sur le plan sentimental, il entretint des relations avec plusieurs femmes; l’une des plus connues aujourd’hui fut Madonna. Lower Manhattan était la zone où ils résidaient à l’époque; c’est en 1982 qu’ils ont commencé à passer plus de temps ensemble et à sortir en fêtes dans des galeries. Un sujet qui les unissait : elle mentionne dans une interview « J’étais très fan de Miles Davis et Charlie Parker ».
En 1988, des expositions s’installent à Paris et à New York, et en avril de la même année il tente de quitter ses addictions et se retire chez lui à Hawaï. Il retourne à New York en juin, annonçant qu’il s’est libéré de ses addictions, mais le 12 août 1988, à 27 ans, il meurt d’une overdose d’héroïne, devenant l’artiste visuel le plus prospère de l’histoire de l’art afrodescendant. Il est enterré au cimetière Green-Wood, à Brooklyn.
Au cours de sa courte mais intense carrière artistique, il aurait réalisé plus de 40 expositions personnelles et participé à environ 100 expositions collectives. L’auto-promotion et la réclame publicitaire furent pour Basquiat des facteurs prioritaires, comme cela avait aussi été le cas pour Andy Warhol ou Julian Schnabel auparavant.
Le néo-expressionnisme s’est imposé face à l’appropriationnisme, en partie grâce à la vigueur économique qui a porté les prix de l’art et, plus particulièrement, de la peinture à des sommets élevés, et aussi grâce au soutien des galeristes et collectionneurs. La critique, toutefois, n’a pas été unanime dans son évaluation, et il était courant de dénoncer l’absence de base théorique du discours néo-expressionniste. On affirmait que l’art pratiqué par les néo-expressionnistes manquait de tout sens politique ou social, n’étant que de la marchandise et, par conséquent, un fait créatif dévalorisé et vulgaire.

(**) Basquiat commença à travailler sur “Sans titre” au début de 1979. Contrairement à la plupart de ses pièces, qui se complétaient en grande profusion en quelques jours, Sans titre resta inachevé pendant plusieurs mois, car Basquiat différait sa finalisation. La description de l’historien de l’art Fred Hoffman fait allusion à une vision que Basquiat aurait pu concevoir dans l’atelier : « On peut seulement spéculer sur les raisons de cette hésitation, mais plusieurs personnes proches de l’artiste soupçonnent que ce jeune artiste inexpérimenté a hésité à terminer l’œuvre parce qu’elle l’a pris au dépourvu, peut-être même l’a-t-elle effrayé, la force et l’énergie qui émanaient de cette image inattendue ».
“Sans titre” représente les dimensions internes et externes d’une tête, qui existe entre la vie et la mort. Les yeux sont apathiques, comme si la tête avait été lobotomisée. L’expression faciale ténue contraste avec les couleurs vibrantes qui suggèrent une activité interne abondante. L’usage que Basquiat fait des têtes et des crânes est profondément enraciné dans son identité afro-américaine et évoque des masques africains. « Il a développé un style unique, qui combinait coups de pinceau expressifs et parfois violents, avec des mots, des symboles et divers matériaux pour aborder des problèmes sociaux ».
La peinture fut présentée comme “Sans titre” lors de la première exposition individuelle américaine de Basquiat, à la Galerie Annina Nosei, en 1982. Lorsqu’elle fut acquise quelques mois plus tard, le mot « Crâne » fut ajouté au titre, et l’a accompagné depuis lors, à travers de nombreuses expositions. Hoffman suggère que le changement de titre fut « le résultat d’une confusion de l’œuvre avec l’iconographie plus traditionnelle du memento mori, dans laquelle un crâne symbolise la mort ».

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