Jean-Michel Basquiat (1960-1988) – Untitled (Skull) – Giclée – Artestar licensed print – COA – Enchères

Impression giclée de Jean-Michel Basquiat (*)
Reproduction de l’œuvre “Untitled (Skull)” (**) œuvre créée par Basquiat en 1981.
Édition de luxe sur papier aquarelle Monte Carlo de grammage élevé (300 g/m2)
Impression autorisée par Artestar New York.
Copyright du Estate of Jean-Michel Basquiat.
Inclut un Certificat d’authenticité (COA).

Spécifications :

– Dimensions du support : 50 x 44 cm
– Dimensions de la tache : 40 x 34 cm
– État : Excellent (cette œuvre n’a jamais été encadrée ni exposée, et a toujours été conservée dans une pochette professionnelle d’art, elle est donc proposée en parfait état).

L’œuvre sera manipulée et emballée avec soin dans un paquet en carton renforcé. L’envoi sera certifié avec numéro de suivi, assuré par les meilleures sociétés de transport (UPS DPD DHL FedEx).

L’envoi inclura également une assurance complète pour la valeur finale de l’œuvre avec remboursement intégral en cas de perte ou de dommage, sans frais pour l’acheteur.

(*) Jean-Michel Basquiat était le premier des trois enfants de Matilde Andrades et Gerard Basquiat. Son père était un comptable haïtien d’une solvabilité économique respectable et sa mère une graphiste portoricaine de grand prestige dans sa profession. Jean-Michel a grandi dans un environnement familial déchiré, ses parents ont divorcé et, pour cette raison, il a dû changer d’école à plusieurs reprises. Il a étudié dans une école catholique privée, puis dans une école publique et enfin, à 16 ans, il est entré à la City-As-School, un établissement pour adolescents surdoués, dont il a été expulsé, par rébellion, un an avant l’obtention du diplôme.
Puis, dans sa jeunesse, il est entré en contact avec la contre-culture de la grande ville, liée à l’usage de drogues et aux bandes de rue. En 1977, avec Al Díaz, il est entré dans le monde du graffiti, peignant dans les wagons du métro et dans les quartiers de SoHo, quartier new-yorkais où prolifèrent les galeries d’art.
L’année suivante, il a quitté l’école un an avant d’obtenir son diplôme et a déserté son foyer pour vivre pendant deux ans dans la rue, dans des bâtiments abandonnés ou avec ses amis dans le Lower Manhattan, survivant grâce à la vente de cartes postales et de t-shirts qu’il décorait lui-même. Il continuait à se consacrer au graffiti, ses inscriptions et écrits portaient une charge poétique et philosophique, mais surtout satirique. Le pseudonyme de son alter ego partagé avec Al Díaz était SAMO (sigle de “Same Old shit”, c’est-à-dire “la même merde de toujours”, avec lequel ils signaient leurs tags et graffitis avec des messages cryptiques. L’utilisation de ce nom fut déterminante dans sa vie.
Ces fresques portaient des inscriptions comme “SAMO sauve les idiots” ou “SAMO met fin au lavage de cerveau religieux, à la politique du néant et à la fausse philosophie”. Un article sur l’écriture de SAMO publié dans The Village Voice fut le premier signe que le monde de l’art s’intéressait à lui.
L’artiste a eu plusieurs relations qui ont influencé son œuvre, l’une des plus significatives étant avec l’artiste Andy Warhol.
Par ailleurs, sur le plan sentimental, il a eu des relations avec plusieurs femmes, l’une des plus connues aujourd’hui étant Madonna. Lower Manhattan était la zone où ils résidaient à l’époque; c’est en 1982 qu’ils ont commencé à passer plus de temps ensemble et à sortir à des fêtes dans des galeries. Un sujet qui les unissait : elle déclare dans une interview : « J’étais très fan de Miles Davis et de Charlie Parker ».
En 1988, des expositions s’installent à Paris et à New York, et en avril de la même année il tente de quitter ses addictions et se retire chez lui à Hawaï. Il retourne à New York en juin, annonçant qu’il s’est libéré des addictions, mais le 12 août 1988, à 27 ans, il meurt d’une overdose d’héroïne, devenant l’artiste visuel le plus prospère de l’histoire de l’art afro-descendant. Il est enterré au cimetière Green-Wood, à Brooklyn.
Au cours de sa carrière artistique brève mais intense, il réaliserait plus de 40 expositions individuelles et participerait à environ 100 expositions collectives. L’autopromotion et la réclame publicitaire furent pour Basquiat des facteurs prioritaires, comme cela avait été le cas pour Andy Warhol ou Julian Schnabel auparavant.
Le néo-expressionnisme s’est imposé face à l’appropriationnisme, en partie grâce à la poussée économique qui porta les prix de l’art et, en particulier, de la peinture à des niveaux élevés, et en partie grâce au soutien des galeristes et des collectionneurs. La critique, cependant, n’a pas été unanime dans son évaluation, et il était courant de dénoncer le manque de base théorique du discours néo-expressionniste. On affirmait que l’art pratiqué par les néo-expressionnistes manquait de signification politique ou sociale, n’était que marchandise et, par conséquent, objet des fluctuations du marché. La peinture néo-expressionniste était réduite à un produit de consommation et, à ce titre, à un fait créatif déqualifié et vulgaire.

(**) Basquiat a commencé à travailler sur “Sans titre” au début de 1979. Contrairement à la plupart de ses pièces, qui se complétaient avec une profusion en quelques jours, Sans titre resta inachevée pendant plusieurs mois, Basquiat retardant son achèvement. La description de l’historien de l’art Fred Hoffman fait allusion à une vision que Basquiat aurait pu concevoir dans l’atelier : « On ne peut que spéculer sur les raisons de cette hésitation, mais plusieurs personnes proches de l’artiste soupçonnent que ce jeune artiste inexpérimenté a hésité à terminer l’œuvre parce qu’elle l’a pris par surprise, voire l’a peut-être même effrayé, par la force et l’énergie qui émanait de cette image inattendue ».
“Sans titre” représente les dimensions internes et externes d’une tête, qui se situe entre la vie et la mort. Les yeux sont apathiques, comme si la tête avait été lobotomisée. L’expression faciale ténue contraste avec les couleurs vives qui suggèrent une activité interne abondante. L’utilisation par Basquiat de têtes et de crânes est profondément enracinée dans son identité afro-américaine et évoque des masques africains. « Il a développé un style unique, combinant coups de pinceau expressifs et, parfois, violents, avec des mots, symboles et divers matériaux pour aborder des problèmes sociaux. »
La peinture fut présentée comme “Sans titre” lors de la première exposition américaine individuelle de Basquiat, à la Galerie Annina Nosei, en 1982. Lorsqu’elle fut acquise quelques mois plus tard, on ajouta le mot « Calavera » au titre, qui l’accompagne depuis lors, à travers de nombreuses expositions. Hoffman suggère que le changement de titre fut « le résultat de la confusion entre l’œuvre et l’iconographie la plus traditionnelle du memento mori, dans laquelle un crâne symbolise la mort ».

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