Jean-Michel Basquiat (1960-1988) – Untitled (Skull) – Giclée – 50×44 – Artestar licensed print *COA* – Enchères

Impression giclée de Jean-Michel Basquiat (*)
Reproduction de l’œuvre « Untitled (Skull) » (**) réalisée par Basquiat en 1981.
Édition de luxe sur papier aquarelle Monte Carlo de haut grammage (300 g/m2)
Impression autorisée par Artestar New York.
Copyright de la Estate of Jean-Michel Basquiat.
Inclut un Certificat d’Authenticité (COA).

Spécifications :

– Dimensions du support : 50 x 44 cm
– Dimensions de la tache : 40 x 34 cm
– État : Excellent (cette œuvre n’a jamais été encadrée ni exposée, et a toujours été conservée dans un dossier professionnel d’art, elle est donc proposée en parfait état).

L’œuvre sera manipulée et emballée avec soin dans un paquet en carton renforcé. L’envoi sera certifié avec numéro de suivi, assuré par les meilleures sociétés de transport (UPS DPD DHL FedEx).

L’envoi inclura aussi une assurance complète pour la valeur finale de l’œuvre avec remboursement total en cas de perte ou de dommage, sans frais pour l’acheteur.

(*) Jean-Michel Basquiat fut le premier des trois enfants de Matilde Andrades et Gerard Basquiat. Son père était un comptable haïtien d’une solvabilité financière respectable et sa mère une graphiste portoricaine de grand renom dans sa profession. Jean-Michel grandit dans un cadre familial déchiré, ses parents divorcèrent et, pour cette raison, il dut changer d’école à plusieurs reprises. Il étudia dans une école catholique privée, puis dans une école publique et finalement, à 16 ans, intégra la City-As-School, un établissement pour adolescents surdoués, dont il fut expulsé par rébellion un an avant d’obtenir son baccalauréat.
Désormais jeune, il entra en contact avec la sous-culture urbaine, liée à l’usage de drogues et aux bandes de rue. En 1977, avec Al Díaz, il s’initia au monde du graffiti, peignant sur les wagons du métro et dans les zones de SoHo, quartier new-yorkais où prolifèrent les galeries d’art.
L’année suivante, il quitta l’école un cours avant l’obtention du baccalauréat et quitta son domicile pour vivre pendant deux ans dans les rues, dans des bâtiments abandonnés ou avec ses amis dans le Lower Manhattan, survivant grâce à la vente de cartes postales et de t-shirts qu’il décorait lui-même. Il continua à se consacrer au graffiti, ses peintures et writings portaient une forte charge poétique et philosophique, mais surtout satirique. Le pseudonyme de son alter ego partagé avec Al Díaz était SAMO (acronyme de « Same Old Shit », c’est-à-dire « la même merde de toujours », qu’ils signaient tous deux sur leurs tags et graffitis avec des messages cryptiques. L’usage de ce nom fut déterminant dans sa vie.
Ces fresques portaient des inscriptions telles que « SAMO sauve les idiots » ou « SAMO met fin au lavage de cerveau religieux, à la politique du néant et à la fausse philosophie ». Un article sur l’écriture clandestine de SAMO publié dans The Village Voice fut le premier indice que le monde de l’art s’intéressait à lui.
L’artiste a eu plusieurs relations qui ont influencé son œuvre, l’une des plus significatives étant avec l’artiste Andy Warhol.
Par ailleurs, sur le plan sentimental, il a eu plusieurs relations avec des femmes, dont l’une des plus connues aujourd’hui était Madonna. Lower Manhattan était la zone où ils résidaient à l’époque, et c’est en 1982 qu’ils commençaient à passer plus de temps ensemble et à sortir lors de soirées dans des galeries. Un point qui les unit, elle déclare dans une interview : « J’étais très fan de Miles Davis et de Charlie Parker ».
En 1988, des expositions s’installent à Paris et à New York, et en avril de la même année, il tente de vaincre ses addictions et se retire dans sa maison d’Hawaï. Il retourne à New York en juin, annonçant qu’il s’est libéré de ses addictions, mais le 12 août 1988, à l’âge de 27 ans, il meurt d’une overdose d’héroïne, devenant l’artiste visuel afrodescendant le plus prospère de l’histoire de l’art. Il est enterré au cimetière Green-Wood, à Brooklyn.
Tout au long de sa carrière brève mais intense, il organisa plus de 40 expositions personnelles et participa à environ 100 expositions collectives. L’auto-promotion et la réclame publicitaire furent pour Basquiat des facteurs prioritaires, comme cela avait été le cas auparavant pour Andy Warhol ou pour Julian Schnabel.
Le néo-expressionnisme s’imposa partiellement au détritivisme (appropriation), en partie grâce à la puissante économie qui porta les prix de l’art, et surtout de la peinture, à des sommets, et en partie grâce au soutien de galeristes et de collectionneurs. La critique, toutefois, ne fut pas unanime dans son évaluation, et il était courant de dénoncer l’absence de base théorique du discours néo-expressionniste. Il fut affirmé que l’art pratiqué par les néo-expressionnistes manquait de tout sens politique ou social, n’était que marchandises et, par conséquent, sujet aux aléas et fluctuations du marché. La peinture néo-expressionniste était réduite à un produit de consommation et, comme tel, à un fait créativement dévalorisé et vulgaire.

(**) Basquiat commença à travailler sur « Untitled » au début de 1979. Contrairement à la plupart de ses pièces, qui se complétaient en grande profusion en quelques jours, Untitled resta inachevée pendant plusieurs mois, Basquiat retardant son achèvement. La description de l’historien de l’art Fred Hoffman fait allusion à une vision que Basquiat aurait pu concevoir dans l’atelier : « On ne peut que spéculer sur les raisons de cette hésitation, mais plusieurs personnes proches de l’artiste soupçonnent que ce jeune artiste inexpérimenté hésita à terminer l’œuvre car elle l’a pris par surprise, peut-être même l’a effrayé, la force et l’énergie qui émanaient de cette image inattendue ».
« Untitled » représente les dimensions internes et externes d’une tête, qui se situe entre la vie et la mort. Les yeux sont apathiques, comme si la tête avait été lobotomisée. L’expression faciale ténue contraste avec les couleurs vibrantes qui suggèrent une activité intérieure abondante. L’usage que Basquiat fait des têtes et des crânes est profondément enraciné dans son identité d’Afro-Américain et évoque des masques africains. « Il développa un style unique, mêlant coups de pinceau expressifs et parfois violents, avec des mots, des symboles et divers matériaux pour aborder des problèmes sociaux ».
La peinture fut présentée comme « Untitled » lors de la première exposition individuelle américaine de Basquiat, à la Galerie Annina Nosei, en 1982. Lorsqu’elle fut achetée quelques mois plus tard, le mot « Calavera » fut ajouté au titre, et l’accompagne depuis lors, à travers de nombreuses expositions. Hoffman suggère que le changement de titre fut « le résultat de la confusion de l’œuvre avec l’iconographie plus traditionnelle du memento mori, où un crâne symbolise la mort ». Attention Fin des enchères : 2026-09-09 20:49:46