Jean-Michel Basquiat (1960-1988) – Ishtar – Artestar licensed print – 50×45 *COA* – Enchères

Photolithographie de Jean-Michel Basquiat (*)
Reproduction de haute qualité de l’œuvre “Ishtar” créée par Basquiat en 1983.
Édition de luxe sur papier aquarelle Monte Carlo de gros gramage (300 g/m2)
Impression autorisée par Artestar New York.
Copyright de l’Estate of Jean-Michel Basquiat.
Inclut un Certificat d’Authenticité (COA).

Spécifications :

– Dimensions du support : 50 x 31 cm
– Dimensions de la tache : 40 x 21 cm
– État : Excellent (cette œuvre n’a jamais été encadrée ni exposée, et toujours conservée dans une chemise professionnelle d’art, elle est donc proposée en parfait état).

L’œuvre sera manipulée et emballée avec soin dans un colis en carton renforcé. L’envoi sera certifié avec numéro de suivi, assuré par les meilleures sociétés de transport.

L’envoi comprendra également une assurance complète à la valeur finale de l’œuvre et un remboursement intégral en cas de perte ou de dommage, sans frais pour l’acheteur.

(*) Jean-Michel Basquiat fut le premier des trois enfants de Matilde Andrades et Gerard Basquiat. Son père était un comptable haïtien d’une solvabilité économique respectable et sa mère une designer graphique portoricaine de grand prestige dans sa profession. Jean-Michel grandit dans un cadre familial tourmenté, ses parents divorcent et, en raison de cette situation, il dut changer d’école à de nombreuses reprises. Il étudia dans une école catholique privée, puis dans une école publique et enfin, à 16 ans, intégra la City-As-School, un établissement destiné aux adolescents surdoués, dont il fut expulsé, par rébellion, un an avant d’obtenir son diplôme.
À sa jeunesse, il entra en contact avec la contre-culture urbaine, liée à l’usage de drogues et aux bandes de rue. En 1977, avec Al Díaz, il s’initia au monde du graffiti, peignant dans les wagons du métro et dans les zones de SoHo, quartier new-yorkais où prolifèrent les galeries d’art.
L’année suivante, il quitta l’école un cours avant l’obtention du baccalauréat et quitta son domicile pour vivre deux ans dans les rues, dans des immeubles abandonnés ou avec ses amis dans le Lower Manhattan, survivant grâce à la vente de cartes postales et de T-shirts qu’il décorait lui-même. Il continua de pratiquer le graffiti, ses tags et écrits avaient une grande charge poétique et philosophique, mais surtout satirique. Le pseudonyme de son alter ego partagé avec Al Díaz était SAMO (acronyme de « Same Old Shit », c’est-à-dire « la même meilleure chose de toujours », auquel les deux signaient leurs tags et graffitis avec des messages cryptiques. L’utilisation de ce nom a été déterminante dans sa vie.
Ces murales portaient des inscriptions telles que « SAMO sauve les idiots » ou « SAMO met fin au lavage de cerveau religieux, à la politique du rien et à la fausse philosophie ». Un article sur l’écriture de SAMO publié dans The Village Voice fut le premier signe que le monde de l’art s’intéressait à lui.
L’artiste eut plusieurs relations qui influèrent sur son œuvre, l’une des plus significatives fut avec l’artiste Andy Warhol.
Par ailleurs, sur le plan sentimental, il eut plusieurs liaisons, l’une des plus connues aujourd’hui fut Madonna. Lower Manhattan était alors sa zone de résidence, et en 1982 ils commencèrent à passer plus de temps ensemble et à sortir à des fêtes dans des galeries. Un sujet qui les réunissait, elle évoque dans une interview : « J’étais une grande fan de Miles Davis et de Charlie Parker. »
En 1988, des expositions s’installent à Paris et à New York, et en avril de la même année il tente de vaincre ses dépendances et se retire chez lui à Hawaii. Il retourne à New York en juin, annonçant qu’il s’est libéré de ses dépendances, mais le 12 août 1988, à 27 ans, il meurt d’une overdose d’héroïne, devenant l’artiste plasticien le plus couronné de succès dans l’histoire de l’art afrodescendant. Il est enterré au cimetière Green-Wood, à Brooklyn.

Tout au long de sa carrière artistique brève mais intense, il réalisa plus de 40 expositions personnelles et participa à environ 100 expositions collectives. L’autopromotion et le réclame publicitaire furent pour Basquiat des facteurs prioritaires, comme cela avait été le cas auparavant pour Andy Warhol ou pour Julian Schnabel.
Le néo-expressionnisme s’imposa au détriment de l’appropriationnisme, en partie grâce à la vigueur économique qui porta le prix de l’art et, en particulier, de la peinture à des sommets, et en partie grâce au soutien des galeries et des collectionneurs. La critique, toutefois, ne fut pas unanime dans son évaluation, et il était courant de dénoncer le manque de base théorique du discours néo-expressionniste. On affirma que l’art pratiqué par les néo-expressionnistes manquait de toute signification politique ou sociale, n’étant que marchandise et, par conséquent, objet des fluctuations et aléas du marché. La peinture néo-expressionniste était réduite à un produit de consommation et, à ce titre, à un fait créatif désqualifié et vulgaire.

(**) Aucun sujet n’est plus puissant ni plus recherché dans l’œuvre de Jean-Michel Basquiat (1960-1988) que la tête de mort singulière. Pour cet artiste énigmatique, la tête humaine était plus qu’une obsession. Comme le suggère le titre de “In This Case” (1983), la tête est une boîte ou une cage qui abrite une machine dentée remplie d’impulsions et d’idées.
Cette œuvre se situe parmi les plus grands accomplissements de Basquiat: un abîme crânien dans lequel l’artiste a versé le contenu de son imagination visuelle, fusionnant des siècles d’influences stylistiques.
“In This Case” est l’une des trois têtes de mort monumentales qu’il peignit. L’intensité picturale et l’immédiateté présentes dans cette œuvre n’ont pas d’égal dans l’œuvre de Basquiat.

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