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Genevieve Claisse Auctionlab

Ces artistes majeurs qui nous ont quittés en 2018

2018 a été une année riche, mais aussi une année triste pour l'art, puisque notamment l'art français a perdu trois figures de proue. On va parler tour à tour, je pense, de Geneviève Claisse, on va parler de Yvon Taillandier. Et puis, nous allons parler de Monory.

Geneviève Claisse

Geneviève Claisse est autodidacte, en fait. À 18 ans, elle va monter à Paris, où elle va effectivement développer son art en utilisant trois figures géométriques majeures le cercle, le carré et le triangle. Pourquoi? Parce que, fidèle au mouvement de l'abstraction géométrique qu'elle incarne bien, elle travaille des formes qui n'existent pas dans la nature. C'est donc quelque part à un mariage entre des couleurs qui cohabitent et surtout, ces trois figures géométriques qu'on va trouver très régulièrement dans ses oeuvres.

Geneviève Claisse va aussi croiser un artiste majeur suisse. Votre frigo n'est guère certainement l'artiste majeur pour la Suisse du 20e siècle. Elle va beaucoup collaborer et d'ailleurs, on voit qu'il y a eu des fusions entre les deux univers et c'est cette proximité avec John Baclesse fait qu'ils vont échanger des savoir-faire. Et je pense à nous pour la géométrie, pour l'alliance des couleurs et aussi une maîtrise de la lumière.

Yvon Taillandier

La disparition d'Yvan Taillandier est effectivement la disparition d'un homme aux multiples talents, que ce soit la peinture, que ce soit la sculpture.

C'est aussi en écrivant qu'il a été critique d'art. C'est un antifasciste convaincu. En 1943, il va intégrer justement une organisation qui permet de faire la promotion de l'art, mais tout en résistant entre guillemets. Et c'est de là d'ailleurs qu'il va embrasser la profession de critique d'art. Il va échanger longuement et amicalement avec des figures incontournables de la France de l'art international comme Braque, comme Soulages, comme Miró, dont tu vas rester un ami pendant longtemps.

En tant qu'artiste lui-même, il va promener des personnages tout au long de sa carrière. Un des plus célèbres est le capitaine Ted. Et c'est vrai que ce personnage va le retrouver soit seul, soit accompagné, parce qu'il va souvent mêler le personnage et la technologie.

Taillandier dans son atelier va développer ça. C'est quelque chose de très important. Pourquoi? Il appelle son art un art figuratif? Parce qu’il va le mélanger. Beaucoup de textes dans certaines de ses œuvres, la partie consacrée aux textes va être plus importante que la partie consacrée à l'illustration. On voit l'écrivain, la patte de l'écrivain dans ses œuvres parce qu'il aime beaucoup se faire plaisir. Et il y a même certaines œuvres. Ce ne sont que des mots, que des phrases qui vont évoquer un univers du rêve, quelque chose auquel il tient.

Jacques Monory

I

l tient beaucoup et c'est vrai que c'est une des signatures de Taillandier dans son œuvre. Jacques Monory a eu une carrière faite d’à-coup quelque part parce qu’il va commencer par faire des études de peintre décorateur. En fait, il va tout de suite changer pour s'orienter vers la photographie.

Et puis, en 62, il va détruire toutes les oeuvres, tout ce qu'il avait fait jusqu'à présent. Il va se lancer dans effectivement la figuration narrative avec des côtés pas toujours gais. Ce qui va guider, on va le voir, Monory tout au long de sa carrière. C'est l'effet divers. C'est l'attirance pour la violence, c'est l'attirance pour la mort. Il va faire des maquettes à partir d'articles découpés dans des magazines, dans des journaux qui décrivent d'une façon morbide les faits divers et il va les juxtaposer avec des couleurs.

Vous allez voir très souvent, on va tourner autour du bleu. On va tourner autour de deux couleurs très fortes, mais on sent un peu son origine. Photographe et il va nous promener tout au long de l'univers, quand même relativement violente. Mécaniser, vous verrez sûrement des voitures. Vous verrez souvent des éléments de la technologie Ticky qui viennent se prendre une place importante dans la composition de ces œuvres. Et puis, il y a un fait marquant une signature perpétuelle chez Monoprix.

Dans chacune de ses œuvres, vous allez avoir un très bien que j'ai cherché la raison de la présence de cette ligne droite, mais encore l'explication. Toujours est-il qu’aujourd'hui, vous verrez que dans chacune des oeuvres que vous verrez d'aumônerie, vous avez cette ligne droite qui est omniprésente. Je me faisais une remarque tout en discutant avec vous, c'est que c'est le seul des trois que j'appelle uniquement par son nom de famille, comme s'il y avait une sorte de distance et un côté un peu inquiétant chez Monory, qu'on ne trouve pas chez les autres artistes.

C'est peut-être plus masculin, mais plus certes très talentueux que peut-être le plus noir des trois artistes qui nous ont quittés cette année.

Bert STERN - Marilyn, Classic Gold Roses - 1962 - signée

Marilyn Monroe : Le glamour hollywoodien dans toute sa splendeur

Auctionlab aime les œuvres de Bert Stern et particulièrement les séances photo avec Marilyn Monroe

The Last Sitting est un album photo et un portrait emblématiques de Marilyn Monroe et du photographe Bert Stern de la fin des années 1960.

Le portrait a été commandé par le magazine Vogue à la fin de l'année 1963. Il a été réalisé au cours de trois séances hebdomadaires, soit six semaines avant sa mort. Au cours de ces séances, le photographe du magazine a pris une série de photos d'une beauté époustouflante de la star, la capturant alors qu'elle se tenait fièrement sur une chaise, ou même lorsqu'elle était allongée dans une position très sensuelle

Marilyn Monroe est l'incarnation du glamour hollywoodien moderne depuis plus de cinq décennies maintenant.

Elle a été une grande star à son époque et a laissé une impression durable sur des millions de femmes partout dans le monde. Elle est aussi l'exemple ultime de quelqu'un qui a tout.

Connue pour ses rôles de "LES HOMMES PRÉFÈRENT LES BLONDES" pleines d'esprit et hilarantes, elle est en passe de devenir un modèle majeur pour l'époque des années 1950 et symbolise les nouvelles attitudes de l'époque envers la sexualité. Elle était même célèbre pour être une fumeuse active, que beaucoup de gens admirent et aiment encore aujourd'hui. On a dit que sa beauté était aussi le résultat de sa consommation de cigarettes.

La Marilyn Monroe, qui est arrivée sur nos écrans dans les années 1960, était une personne totalement différente de celle qu'elle avait représentée dans ses films précédents. C'était une personne très malheureuse, qui était en passe de devenir amère à propos de beaucoup de choses dans sa vie. Elle était en passe de devenir dépressive et consommait de la cocaïne pour faire face à tous les problèmes qu'elle ressentait. Elle était tellement perturbée que même son médecin ne savait pas ce qui n'allait pas chez elle.

 

La disparition d'une Grande Star. Le choc de la mort de Marilyn Monroe

Marilyn Monroe est morte d'une crise cardiaque alors qu'elle était en vacances au Mexique. On pensait qu'elle avait un infarctus, causé par une hypertension artérielle, mais la cause réelle de sa mort n'était pas encore connue. La rumeur disait aussi qu'elle avait un cancer. Ses fans, cependant, n'étaient que trop conscients de son mode de vie troublé, et ils ont donc pleuré sa mort en portant son rouge à lèvres rouge préféré.

L'héritage de Marilyn Monroe a été changé à jamais, grâce aux films qu'elle avait réalisés de son vivant. Ses films l'ont rendue célèbre, mais elle l'a été encore plus pour les films qu'elle a réalisés juste avant sa mort et qui ont été réédités depuis. Elle a toujours été très fière de son travail, et elle était toujours heureuse de l'évolution de sa carrière.

Si vous souhaitez voir des films mettant en vedette Marilyn Monroe, il est important de savoir que ses films ne sont plus disponibles en DVD en raison de leur rareté. Pour voir ces films, vous devez les acheter par en ligne, en VOD ou en streaming.

Vous pouvez également trouver des souvenirs de Marilyn Monroe sur le marché. Dans de nombreux magasins qui proposent ses célèbres bijoux, photographies, peintures, autographes et autres objets de collection. L'une de ses photos les plus célèbres est celle d'elle-même, avec sa fameuse bague à fumée de cigarette, qu'elle portait souvent en fumant.

L'image de Marilyn Monroe est aujourd'hui considérée comme intemporelle. Les femmes sont toujours fières de leurs coiffures en hommage à la Marilyn que tout le monde connaît et aime. Ses fans ne s'inquiètent pas s'ils doivent payer un petit supplément pour la revoir, car ils savent que leur photo préférée d'elle sera toujours là et que ses fans sont toujours dans leurs pensées. Même si elle n'est pas là, ses fans se souviendront toujours d'elle parce qu'ils sont si beaux !

Marilyn Monroe était une femme qui n'a jamais renoncé à son rêve de gloire. Elle a dit un jour qu'elle ferait n'importe quoi pour sortir et faire quelque chose de grand, même si elle devait être en passe de devenir millionnaire avant. Toute sa vie a été consacrée à la réalisation de ses rêves.

Il est regrettable que les gens oublient qu'il a fallu un homme pour rendre Marilyn Monroe célèbre, mais s'il n'avait pas existé, il ne lui aurait pas été possible de devenir ce qu'elle a fait. Son modèle était Clark Gable, et pour cette raison, ses fans se sentent responsables de son succès. Elle n'a jamais pu remporter le prix de la meilleure actrice aux Oscars, mais elle a été nominée plusieurs fois pour le meilleur réalisateur et pour le meilleur scénario.

Elle est certainement l'une des actrices les plus célèbres au monde. Son œuvre est remarquable et existe depuis de nombreuses années. Elle est toujours très demandée.

Elle était une icône de son vivant, et elle est encore aujourd'hui l'une des actrices les plus populaires au monde. Elle reste une figure aimée de beaucoup.

lequel biolbiothèque design auctionlab enchères

Retour vers le 20ème : quand le design s’envole aux enchères

  Ikea, ce n'est pour vous qu'un dédale sans fin de couverts en inox et bougies parfumées, duquel on ne peut sortir les mains vides ? Retour sur les meubles de la seconde partie du 20ème siècle devenus iconiques, dont les prix s'envolent aujourd'hui aux enchères.  

L'impressionnante croissance du Design aux enchères

Une récente étude chiffre la croissance remarquable du design au sein des maisons de ventes depuis 2009. Le site Barnebys vient de publier son rapport 2017 sur le design dans le marché de l'art. L'analyse montre une forte croissance du design du XXe siècle. Dans les années 2009-2016, le marché du design a connu une croissance de près de 330%.
"Ce rapport est basé sur une sélection des 15 designers les plus recherchés sur notre plateforme; il montre une forte croissance des résultats pour le design du XXe siècle" précise Hanna Schiller, en charge de la rédaction du rapport.
 

Quels sont les secrets de cette croissance ?

Tout d'abord, le digital. L'accès via internet aux ventes aux enchères a largement contribué à faire connaître les pièces iconiques du design et a entièrement modifié le paysage traditionnel du marché de l'art. Ensuite, les départements orientés vers le design dans les maisons de ventes. En France, le marché est emblématique du phénomène général de croissance dans le monde. Des études comme Piasa et Artcurial choisissent notamment de mettre en avant le design, avec des départements spécialisés et très actifs et des ventes thématiques régulières. Mais, le design doit aussi son succès à sa reconnaissance muséale ces dernières années. La multiplication d’expositions qui lui sont consacrées prouve cet adoubement. À noter, la réouverture du Musée des arts décoratifs de Paris en 2006, ainsi que les rétrospectives au Centre Pompidou (Charlotte Perriand, Pierre Paulin,...) Désormais, le design et ses icônes vintages ont pleinement intégré le marché de l’art. lequel biolbiothèque design auctionlab enchères Charlotte Perriand. Bibliothèque à plots Tôle d’acier, aluminium, bois 150 x 197 x 33 cm. Ateliers Jean Prouvé, circa 1955 . Etude Leclere, adjugée 57 420 € © Timothé Leszczynski / LECLERE - Maison de ventes

Pleins feux sur les années 50

Les designers des années 50 ont notamment affiché des records aux enchères. En 2014 Philipps New Auction a réalisé un nouveau record pour un ensemble composé d'un canapé et deux fauteuils en velours vert de Jean Royère de la très recherchée série «Polaire», vendu pour $842,500 , frais inclus. La même année, la maison de ventes a également adjugé à New York la toute première table de commande d'Isamo Noguchi de 1939, vendue 3 549 700 €.   Design Polaire Royère enchères Auctionlab Jean Royère "Ours Polaire" sofa and pair of armchairs, circa 1952 Mohair fabric, painted wood. Estimate $500,000 - 700,000. SOLD FOR $842,500 by Phillips Auction. Noguchi Design enchères Auctionlab Siam Noguchi. ''The Goodyear Table", for A. Conger Goodyear, Old Westbury, New York, 1939. Stack-laminated rosewood, original Herculite plate glass. 28 3/4 x 83 x 34 3/8 in. (73 x 210.8 x 87.3 cm). Glass top etched with HERCULITE/PLATE GLASS/AS G. Estimate $2,000,000 - 3,000,000 . SOLD FOR $4,450,500 by Phillips Auction   S'inscrivant aussi dans cette recherche du vintage, l'enseigne moderne Habitat a ouvert en 2013 «Habitat 1964», un espace vintage de 400m2. Installé aux portes du marché aux puces de Saint-Ouen, la boutique propose des pièces uniques, du mobilier et des accessoires issus des anciennes éditions de la marque, au prix de pièces de collection. Habitat n’a réédité aucun produit, mais les a récupéré chez des particuliers, clients de la marque. habitat vintage design enchères auctionlab[ C'est aussi dans les années 50 que l'on voit apparaître l'enseigne Ikea. Crée en 1943, l'acronyme IKEA est composé des premières lettres du nom du fondateur de la marque  Ingvar Kamprad ,du nom de la ferme de ses parents (Elmtaryd) et du nom de son village (Agunnaryd). Le premier mobilier est proposé en 1947 et en 1955 l'entreprise décide de concevoir sa production avec ses propres designers.  

Petits prix et hautes enchères : Ikea atteint des sommets

 « De plus en de plus de monde s’intéressent aux créations d’IKEA datant des années 1970 jusqu’aux années 1990 », souligne Pontus Silfverstolpe dans le rapport de Barneby's.
Étonnant, l'enseigne Ikea voit plusieurs de ses modèles prisés aux enchères. Les pièces à atteindre des sommets dans les ventes, sont surtout celles des années 1950 à 1970. C’est le cas du fauteuil «Mushroom» produit dans les années 1950 d’après un dessin du designer Philip Arctander. La maison de ventes Phillips a fait grimper les enchères jusqu’à 170 395 € pour une paire de ces fauteuils. Le grand Verner Panton a aussi collaboré avec Ikea. Le designer danois est connu pour ses meubles aux couleurs vives et aux formes généreuses. Fruit de cette mythique association en 1990 : la chaise "Vilbert". Alors qu'elle a connu un très faible succès à l'époque, fragile et de fabrication légère, elle ne résiste pas à l’assise, on constate aujourd'hui des adjudications jusqu'à 700 €. design enchères chaise ikea vibert Chaise Vilbert par Verner Panton pour IKEA, 1993 : photo Pamono design ikea signature enchères auctionlab[

Le Design : un investissement

L'Hotel des ventes de la vallée de Montmorency proposera aux enchères le 6 juin prochain une vente intitulée « retour vers le 20ème ». On y trouve notamment un magistral lustre également signé de Verner Panton, modèle « fun ». Il vous reste donc quelques jours pour vous investir dans le design ! Vous trouverez aussi dans cette vente quelques lampes signées du designer Isao Hosoe. Ce créateur japonais a ouvert son studio en 1985. Cette lampe modèle « Héron », créée dans les années 90, n'est actuellement plus rééditée.
« Lorsqu’une nouvelle génération devient financièrement bien établie et qu’elle commence à acheter aux enchères, elle commence par s’intéresser à ce qui lui est familier et ce qu’elle a connu durant son enfance, explique Pontus Silfverstolpe, co-fondateur de Barnebys, nous l’avons vu notamment au tournant du siècle dernier, quand le design scandinave des années 1950 et 1960 est devenu très populaire, aujourd’hui c’est au tour du design des années 1970 et 1990 ».
ikea design enchères lustre panton auctionlab Verner Panton. Suspension « Fun », Grande suspension, la base de forme ovale en bois laqué blanc, chainettes doubles en métal, et disques en nacre. Vers 1970. Longueur de la base : 110 cm L : 70 cm. Estimation : 500 / 800 €. En vente le 6 juin à l'hôtel des ventes de la Vallée de Montmorency ] Isao Hosoe, "Luxo lamp". Une lampe ajustable en plastique. Couleur jaune. Roulettes. Vers 1990. Petites usures. H : 65 cm. Estimation : 70 / 90 €. En vente le 6 juin 2017  à l'hôtel des ventes de la Vallée de Montmorency.  

Les 10 choses à connaître sur Alphonse Mucha

Alors que la retrospective Alphonse Mucha au Musée du Luxembourg s’annonce déjà comme une des expositions phares de la rentrée, connaissez-vous vraiment cet artiste? Maître de l’Art Nouveau et un des pères de l’affiche publicitaire, Mucha était aussi un artiste engagé et accompli. De Sarah Bernhardt à Paul Gauguin, il côtoya les guest-stars de la Belle Époque et tissa des liens forts avec les plus grands peintres de l’Art Moderne.

Qui est Pierre-Jean Chalençon ? 

S’il y a un acheteur de l'émission d'Affaire Conclue sur France 2 qui manque au public et sans doute à Sophie Davant, c'est sans doute le célèbre Pierre-Jean Chalençon. Chroniqueur, animateur de télévision, collectionneur et expert, fervent admirateur de Napoléon Bonaparte, people à ses heures : Pierre-Jean Chalençon est un touche à tout, passionné et connaisseur. Il s’est démarqué pour sa superbe collection d’objets napoléoniens, ainsi que pour ses participations à plusieurs émissions télévisées et radiophoniques. On le voit partout, on l'entend beaucoup, on en apprend des choses avec lui et on rit beaucoup aussi. Mais qui est-il? 

De Napoléon à Chalençon : une passion de collectionneur 

Avant de faire le pitre devant Sophie Davant pour faire la une des news, Pierre-Jean est avant tour un véritable expert. Car Pierre-Jean Chalençon et Napoléon Bonaparte, c’est un authentique coup de cœur qui date de l’enfance de Pierre-Jean. Il ne peut d'ailleurs en être différemment : Pierre-Jean est né un 23 juin, le même jour que l’impératrice Joséphine, bien-aimée de Napoléon. Chalençon voit le jour en 1970, deux siècles après son idole, à Rueil-Malmaison, en Île-de-France. Le jeune garçonnet, à l’âge de huit ans à peine, se voit offrir un livre qui le marquera. Il s'agit d'une bande dessinée dans laquelle l’attendait Napoléon Bonaparte. À travers les bulles, les textes et les images, il découvre le monde particulier et magnifique de l’empereur. Puis, quelques années plus tard, il vend sa petite mobylette pour acquérir la toute première pièce napoléonienne de sa collection. Il s’agissait d'un document rare qui date de 1815: la proclamation du préfet des Bouches-du-Rhône dans lequel ce dernier évoquait le retour de l’empereur Napoléon. Cette première acquisition confirme l’admiration du jeune homme pour ce personnage de l'histoire de France. 

Chalençon détient une collection de plus de trois mille pièces 

Peu à peu, il adopte les habitudes et les petites manies d’un collectionneur, et n'hésite pas à investir pour composer son patrimoine. Il recherche, il découvre, il choisit, il achète et prend soin de sa collection historique. Il parle volontiers de hasard pour expliquer ses trouvailles. Mais à l'entendre parler, le hasard n'a pas grand-chose à y voir : c'est surtout la passion qui l'emporte. Actuellement, la collection Chalençon compte près de trois mille pièces rares. Ce sont des sculptures, des tableaux, des manuscrits, et de petits objets divers ayant appartenu à l’empereur ou à ses proches. La grande diversité et la taille impressionnante de sa collection personnelle font de Chalençon l’un des collectionneurs reconnus de l’époque napoléonienne. Dans son hôtel particulier du Palais Vivienne à Paris, il expose régulièrement ses pièces et objets rares au sein de la salle de vente Drouot, pour le plus grand plaisir des passionnés. L’une de ses plus belles prises : le trône de Napoléon, acheté à Fontainebleau. Aujourd’hui, Pierre-Jean Chalençon est membre du comité directeur du Souvenir Napoléonien. Il est aussi administrateur du cercle France Napoléon. 

Télévision et la radio : news et actus de Chalençon 

Chalençon, c’est aussi la télé et la radio. On le voit dans plusieurs émissions du petit écran, où d'ailleurs il fait un tabac. Sa personnalité flamboyante, son look décalé, et son caractère joyeux feront de lui un personnage clé de chaque émission où il apparaît. Durant la saison 2014-2015, il fait partie de l’équipe de l’émission « Vos objets ont une histoire » sur France 2, aux côtés de la comédienne et animatrice Charlotte de Turckheim. Son expertise est mise à profit pour évoquer les histoires et anecdotes d'objets qui se cachent dans les greniers, les vieilles malles et dans les maisons familiales. Les propriétaires n’en connaissent pas la valeur historique ou même financière et découvrent, grâce aux explications de Chalençon, les pièces rares dont ils sont dépositaires.

Acheteur dans Affaire Conclue » de France 2 et chroniqueur dans les Grosses Têtes de RTL

Chalençon s’illustre aussi pour sa contribution à l’émission « Affaire Conclue » de France 2, cette fois-ci animée par Sophie Davant. Dans cette émission toujours centrée sur la vie, des objets, des meubles, des babioles, des pièces insolites sont évalués et trouvent acquéreurs. On voit que le talent de connaisseur de Chalençon jour jouer un rôle déterminant dans le succès des émissions dans lesquelles il participe. Mais sa marque déposée, c’est surtout son humour et ses plaisanteries qui donnent un cachet convivial à l’émission. En 2020, c’est sa voix que l’on entendra à la radio parmi l’équipe de chroniqueurs des Grosses Têtes, émission créée par Roger Krecher et Jean Farran où humour et culture s’entremêlent. L’animateur a aussi été pressenti pour prendre part à l’émission « Danse avec les Stars » et pour intégrer également l’équipe de chroniqueurs de «  Touche pas à mon poste » de Cyril Hanouna, comme il le confiera sur le blog de Jean-Marc Morandini. Malheureusement, ces deux castings n’auront finalement pas abouti.

© instagram

Pierre-Jean Chalençon : un personnage haut en couleur

On l’aura compris : Chalençon aime bien les prises de bec et les coups de gueule, ne se gêne pas des petites espiègleries, essuie les critiques autant qu’il les donne. Mais il n’en reste pas moins intéressant : c’est même une personnalité attrayante, joyeuse et dont la grande connaissance des choses et de l’histoire ne laisse jamais indifférent. Son image décalée, lumineuse, ne passe d’ailleurs pas inaperçue. Dans sa belle carrière, quelques décisions ou paroles lui auront parfois valu des polémiques virulentes et des commentaires désobligeants, voire des évictions. La Toile est souvent le théâtre de ses altercations. Par exemple, une photo prise aux côtés de l’humoriste Dieudonné contraint le chroniqueur à quitter l’émission « Affaire Conclue » : un épisode qui enflammera la Toile. Autre anecdote célèbre : sa belle camaraderie avec Caroline Margeridon à l’écran qui finira en queue de poisson, par une querelle mémorable dans les réseaux sociaux. Plus tard remplacé dans l’émission de Sophie Davant par l’animateur François-Xavier Renou, Pierre-Jean n’hésitera pas à tacler son successeur, sans ménager ses critiques. Il attire les foudres de Line Renaud dans les réseaux sociaux à cause de quelques tweets déplacés pour lesquels il présentera des excuses. Les fans n’auront pas raté les moindres news de ces incidents, entre rires et consternations !

Mais quoi qu’il en soit, le personnage reste égal à lui-même. Loin de faire la tête, il fait plutôt la fête : rencontres d’artistes, de célébrités, de stars du cinéma ou de la scène, en Europe et au-delà. Ce n’est pas nouveau chez Chalençon : il côtoyait déjà des Charles Trenet, Johnny Halliday, Julien Cohen ou bien Guy Bedos et compte toujours des noms célèbres dans son répertoire. Libre dans ses convictions et dans ses paroles, il sait se faire entendre et retrouve toujours son esprit jovial légendaire, en continuant son chemin. Du Chalençon tout craché !

Pierre-Jean Chalençon et Maitre Osenat : La folie Napoléon

https://www.instagram.com/p/CHm8ZTeBR4D/

Apporter une valeur ajoutée à votre œuvre d’art – première partie

Il y a un certain nombre de choses auxquelles vous n'auriez peut-être pas pensé, qui ajoutent une valeur supplémentaire à votre œuvre d'art et peuvent la rendre plus rentable lorsque vous venez la proposer. Je ne parle pas ici de remodeler des pièces qui, selon vous, ne sont pas à la hauteur. Oui, il est parfois possible d'économiser une aquarelle moins qu'idéale en utilisant une stratégie de stylo et d'encre, et vous pouvez peindre directement sur des parties d'une peinture à l'huile ou à l'acrylique pour en fait réorganiser entièrement l'emplacement, mais je parle ici de stratégies qui n'incluent pas le changement de votre œuvre d'art d'une quelconque manière.

Souvent, il suffit de placer une installation en carton autour d'un tableau pour le sortir du marasme, et il ne fait aucun doute que la bonne installation et le bon encadrement peuvent faire des merveilles pour une œuvre d'art quelque peu médiocre. Pour une sculpture ou une pièce de céramique, le bon support et un éclairage approprié peuvent faire une grande différence dans la façon dont elle est exposée, mais après vous être assuré que votre œuvre d'art est présentée sous son meilleur jour, que pouvez-vous faire d'autre pour lui donner plus de valeur ?

Une œuvre signée vaut plus d'argent qu'une œuvre inconnue, et peu importe que vous la signiez au recto, en haut ou en bas, dans la composition, ou même au verso, simplement tant que vous la signez. Si vous avez une signature illisible, épargnez une idée aux générations futures qui tenteront de déchiffrer ce qu'elle dit et se demanderont si elles ont une œuvre d'un artiste célèbre. La toute première chose que presque tout le monde souhaite savoir à propos d'une œuvre d'art est de savoir qui l'a réalisée, quel est le nom de l'artiste.

La deuxième chose que vous devez faire, afin d'ajouter de la valeur à votre art, est de lui donner un titre. Certaines personnes n'aiment pas donner un titre à leurs œuvres parce qu'elles ont l'impression qu'elles les classent dans des casiers et que, selon certaines méthodes, le spectateur ne peut les voir que dans le cadre d'un ensemble particulier de limites conceptuelles, alors si vous faites partie de ces personnes, vous devriez vraiment penser à les appeler "Sans titre". Même avec le titre "Sans titre", une œuvre mérite plus d'argent que si elle n'a pas de titre du tout. Une œuvre d'art sans titre laisse l'acheteur potentiel se demander s'il n'avait pas un titre alors qu'il l'a perdu, il se pose une question sans réponse et laisse entendre qu'il est moins susceptible de l'acheter et plus susceptible de passer à une autre œuvre à la place.

Si vous y croyez en vous mettant un instant à la place de l'acheteur, si vous êtes confronté à deux œuvres qui se ressemblent et que vous les aimez toutes les deux, mais que vous ne comprenez rien à l'une et que vous en comprenez plutôt beaucoup à l'autre, laquelle achèteriez-vous ? Bien sûr, vous serez beaucoup plus enclin à acheter une œuvre d'art qui contient des informations à son sujet, car vous vous sentirez plus impliqué, vous comprendrez quelque chose à son histoire et à la personne qui l'a produite, ce qui lui donnera plus d'importance pour vous et vous ressentirez un lien avec elle dès le début.

La brève explication ou description de votre œuvre d'art peut énoncer ce que vous voulez, il n'y a pas de directives, mais il est utile d'informer les gens sur ce dont il s'agit ou ce qu'il implique pour vous. Une chose que vous ne voulez pas faire est d'informer les gens de ce que cela doit signifier pour eux, le public ou l'acheteur de votre œuvre d'art souhaite pouvoir décider lui-même de ce que l'œuvre lui indique, et peu importe qu'il s'agisse de quelque chose d'entièrement différent de ce qu'elle implique pour vous.

Beaucoup de personnes qui achètent des œuvres d'art aiment savoir ce que vous vouliez dire lorsque vous les avez créées, ou ce qui vous a poussé à produire l'œuvre telle qu'elle est. Vous les informez peut-être que cette œuvre fait partie d'une collection de votre "période bleue" ou de votre "période de paysage impressionniste", ou autre.

Si vous ne souhaitez pas vraiment donner cette information, vous pourriez peut-être décrire le support que vous avez utilisé, les stratégies particulières que vous avez employées pour l'utiliser et même le temps qu'il vous a fallu pour produire l'œuvre. En fait, toute information que vous proposez sur l'œuvre est préférable à l'absence totale d'information, et peu importe que l'acheteur éventuel comprenne ou non votre principe, il est toujours plus intéressant pour lui de savoir qu'il y avait un objectif d'une sorte ou d'une autre derrière l'idée initiale.

Une œuvre signée vaut plus d'argent qu'une œuvre non signée, et peu importe que vous la signiez au recto, en haut ou en bas, dans la composition, ou même au verso, simplement tant que vous la signez. La première chose que presque tout le monde veut comprendre à propos d'une œuvre d'art, c'est qui l'a faite, quel est le nom de l'artiste. Une œuvre d'art sans titre laisse l'acheteur potentiel se demander s'il n'a pas eu un titre dès qu'il l'a perdu, cela laisse l'acheteur avec une inquiétude sans réponse et implique qu'il est moins susceptible de l'acheter et plus susceptible de passer à une autre pièce plutôt.

Si vous y réfléchissez en vous mettant un instant à la place de l'acheteur, si vous êtes confronté à deux œuvres comparables et que vous les aimez toutes les deux, mais que vous ne savez rien de l'une et que vous en savez plutôt beaucoup sur l'autre, laquelle achèteriez-vous ? Vous pourriez leur dire que cette œuvre d'art spécifique fait partie d'une collection de votre "période bleue", ou de votre "période du paysage impressionniste", ou autre.

Jazzu artiste peintre

Jazzu, artiste peintre militant et un peu fou !

La peinture sera pour cet artiste une nécessité voire même un besoin primitif ! Aucune préméditation dans ses œuvres, son art est brut et son coup de pinceau est viscéral et spontané.

Son œuvre : Un acte fort et lourd de sens par le biais d’une alchimie de couleurs et d’une texture sensuelle voire épidermique.

Biographie de Jazzu 

Jazzu est né en 1983 à Toulouse. Après avoir travaillé de nombreuses années comme intervenant social, la peinture lui est apparue comme une évidence lorsqu’il découvre le travail de Jean-Michel Basquiat. Ce dernier s’est initié très tôt à la peinture avec un style à la fois très urbain et inhabituel et pour lequel il mélange culture africaine, vaudou et jazz en utilisant des supports très diversifiés.

Inspiré par les multiples rencontres qu’il a faites au cours de sa vie, La peinture de Yann Jazzu se veut à la fois brute et cathartique. Cet artiste autodidacte à l’esprit quelque peu tourmenté utilise l’art pour exprimer ses émotions, ses angoisses et sa colère. Il insuffle une réflexion et remise en question sur les choses qui nous entourent.

Il diversifie sa technique en utilisant l’écriture et le collage d’une manière qui lui est propre. Peu à peu, il se fait connaître et expose dans de nombreuses galeries notamment à Paris, Deauville, Toulouse et même à Barcelone en compagnie d’autres artistes très connus dans le milieu. Jazzu met de la vie sur les murs et sur les toiles en soulignant les injustices et l’individualisme de plus en plus grandissant de notre société. Son authenticité, sa simplicité et sa grande modestie feront de lui un artiste à part entière.

Son œuvre Pop Art bien souvent haute en couleurs et tout en abstraction reflète le ressenti de l’auteur vis-à-vis de l’actualité politique et culturelle du moment et met en avant toute la complexité du monde qui nous entoure. L’artiste est heureux de pratiquer son art avec ses pinceaux, ses couleurs, ses nombreuses matières et ses aérosols dans toute sa simplicité et c’est probablement ce qui plait aux acheteurs.

Son travail est exposé dans diverses galeries telles qu’à « La Bohème »  à Deauville, chez « Urban Gallery » et « Seven Seventy Gallery » à Paris ou encore chez « Mandy Art » à Toulouse. L’achat de ses toiles est pleinement envisageable de partout dans le monde et les prix varient entre 250 et 2500€ pour la majorité.

En espérant que cette biographie plutôt brève (admettons-le) ne donnant qu’un petit aperçu du parcours et du talent de Jazzu vous aura donné l’envie d’en découvrir davantage sur son univers tout à fait unique et authentique.

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Qui sont les acheteurs de l’émission de France 2 Affaire Conclue ?

Qui sont les acheteurs de l'émission de France 2 Affaire Conclue ?

Avec Affaire conclue, Sophie Davant anime une partie des après-midi de France 2. L'émission, qui existe en France depuis 2017, est adaptée d'une émission allemande créée en 2013. La quotidienne est complétée depuis 2019 par une Chasse aux objets hebdomadaire diffusée le dimanche.

 

Le concept s'est donc bien installé sur la chaine publique et repose sur un principe simple. Des vendeurs présentent des objets aux experts de l'émission (des commissaires priseurs le plus souvent). Ceux-ci évaluent l'objet et proposent un prix à partir duquel le vendeur choisit ou non d'aller présenter son objet en "salle des ventes". Il est alors reçu par des acheteurs qui vont faire grimper les enchères en fonction de leur intérêt pour l'objet.

 

Les acheteurs occupent le devant de la scène pendant une bonne partie de l'émission. Ils font parfois mine de se quereller mais sont le plus souvent très complices. Qui sont ces acheteurs? Quels sont leurs parcours? On vous dit tout sur les visages de l'émission Affaire conclue

 

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Le nouveau d'Affaire conclue arrivée le 20 août 2020 sur France2 : François-Xavier Renou

C'est François-Xavier Renou qui remplace aujourd'hui Pierre-Jean Chalençon écarté du programme en juin 2020. François-Xavier, personnage très charismatique est un marchand d'art. Il travaille pour le marché de l'Art en Asie.

Il s'est fait déjà remarquer par ses prestations d'artiste déjanté dans différents clips et présence scénique. Lors de la première émission de cet été pour François-Xavier Renou, les autres acheteurs n'ont pas résisté à le chambrer lourdement à ce sujet.

François-Xavier, appelé aussi Fransoa en Indonésie où il vit plusieurs mois par an a participé en 2002 à l'émission Koh Lanta diffusé sur TF1. Il a vécu plus de 30 jours sur Nicoya au Costa Rica.

François-Xavier Renou - Koh Lanta ©ALP

 

Nous ne manquerons pas de revenir sur les aventures de ce nouvel acheteurs de l'émission de France 2.

Pour voir les clips vidéo de François-Xavier, c'est ici :

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Les acheteurs phares

 

Au lancement de l'émission, le nombre d'acheteurs qui intervenaient étaient très réduit. Sept acheteurs se relayaient aux côtés de Sophie Davant pour se disputer les objets des téléspectateurs. Mais le succès de l'émission a fait évoluer ce format initial. Les acheteurs sont de plus en plus nombreux à faire des apparitions sur le plateau de France 2.

 

Il existe cependant un nombre limité d'acheteurs emblématiques de l'émission qui constituent le socle de la salle des ventes. Ces intervenants les plus récurrents sont devenus des figures du paysage audiovisuel pour certains. Ils sont même sollicités pour d'autres émissions. Ils se distinguent par leurs compétences, leur personnalité, leur exubérance, leur sérieux : cela dépend.

Julien Cohen

Julien Cohen affaire conclue

Avec ses lunettes colorées, son franc-parler et son charisme, Julien Cohen est un des piliers de l'émission. Issu d'une famille de chineurs, il a grandit aux contacts des objets anciens en parcourant les salles des ventes et les marchés aux puces. Au niveau professionnel, il commence très jeune à fonder des entreprises sans lien avec la brocante. Ce n'est que plus tard qu'il ouvre une première boutique d'antiquaire à Paris. Le succès rencontré lui permet de développer cette activité et d'y exceller. Il est ainsi repéré par l'équipe de l'émission où il apparaît dès les premiers épisodes.

La boutique de Julien Cohen à Paris : 138, Rue Des Rosiers. 93400 – Saint Ouen

La boutique de Julien Cohen à Bruxelles : 63 Rue Blaes – 1000 Bruxelles

Pierre-Jean Chalençon

Se démarquant par sa chevelure blonde et son exubérance, Pierre-Jean Chalençon se présente comme un des plus grands collectionneurs des objets liés à Napoléon Bonaparte. Il se distingue par une grande culture historique. Il est propriétaire du Palais Vivienne auquel il est fréquemment fait allusion dans l'émission. Il est également administrateur du Cercle France Napoléon. Pierre-Jean est donc avant tout un collectionneur passionné qui a sillonné le monde avec ses propres objets qui ont intégré des expositions très en vue du Panthéon de Paris à la Basilique Notre-Dame de Montréal en passant par toutes les grandes places de l'art mondial. Un autre aspect de son parcours est moins connu : il a été le secrétaire et confident du chanteur Charles Trenet dont il a écrit une biographie parue en 2005. Avant Affaire conclue, il a participé à une première émission : Vos objets ont une histoire en 2014.

A la fin du mois de juin 2020, Pierre-Jean Chalençon a fait connaître son retrait de l'émission phare de France 2 "Affaire conclue" après deux déboires, un selfie avec Dieudonné à la fête d'anniversaire de Jean-Marie Le Pen diffusé sur les reseaux sociaux par les internautes, et des messages indélicats envoyés à Line Renaud sur Twitter.

 

pierre-jean-chalencon

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Anne-Catherine Verwaerde

Côté femme, une des acheteuses les plus en vue du programme est également blonde : Anne-Catherine Verwaerde! Elle a un parcours professionnel original qui l'a d'abord conduite à être directrice marketing pour de grandes marques suite à ses études de commerce. Elle se réoriente finalement sur le domaine qui la passionne vraiment : la brocante et la déco vintage. Elle change de vie pour vivre de cette passion qui date de son enfance et qu'elle a héritée de sa grand-mère. Elle fonde un site internet en 2017,La petite brocante. Elle est cassée pour Affaire conclue et participe aux premiers épisodes. Elle se caractérise à l'antenne par une forme de douceur qui n'exclut pas l'opiniâtreté quand elle veut vraiment un objet !

Alexandra Morel

Elle est aussi un des visages récurrents très aimés des téléspectateurs. Elle se distingue par son expertise et ses connaissances. Elle a grandi dans une famille d'antiquaires et ses trois frères ont également embrassé cette voie. Elle a participé à une première émission consacrée aux antiquités, en 2015 : Storage Wars sur 6TER. Au sein de l'équipe des acheteurs d'Affaire conclue, elle témoigne de sa passion pour les bijoux et l'horlogerie.

Alexandra Morel

Caroline Margeridon

Caroline Margeridon

Elle anime le plateau de la salle des ventes avec sa voix légèrement rauque et son enthousiasme. Cette passionnée d'art et d'antiquités organise des salons à Paris depuis plusieurs décennies et son talent est reconnu. Elle sait jouer des coudes quand un objet l'intéresse mais se montre aussi sans concessions avec ses camarades et certains vendeurs !

Les nouveaux talents

 

Au fil des saisons, le succès de l'émission a fait émerger de nouvelles têtes dans la salle des ventes. De tous les âges, ils se relaient pour animer les enchères, chacun avec sa personnalité. Certains se sont fait une place de choix au sein de cette équipe en mouvement perpétuel.

Stéphane Vanhendenhoven

C'est l'un des acheteurs belges de l'émission. Il se caractérise par une forme de bonhommie mais aussi par son exigence. Il est propriétaire d'un magasin à Bruxelles. Il est un des acheteurs aux goûts les plus hétéroclites. Ses apparitions récurrentes sur la dernière saison ont étoffé le panel des acheteurs en misant toujours sur la compétence.

Stéphane Vanhendenhoven

Gérard Watelet

C'est un autre belge qui a fait des apparitions à partir de 2018. Architecte d'intérieur, il peut acquérir toutes sortes d'objets de décoration vintage. Il les fait retravailler pour les intégrer à son travail. Il a aussi travaillé dans la haute-couture au cours de son parcours professionnel très riche.

© france 2 Gérard Watelet

Bernard Dumeige

Il se présente sous une apparence un peu austère parfois et a son franc-parler. Ce passionné de la première guerre mondiale a même créé un musée consacré à cette sombre période de l'histoire. C'est avant tout un brocanteur aux gouts hétéroclites. Il fait partie des acheteurs qui donnent à l'émission un caractère très authentique et sincère.

Bien d'autres acheteurs viennent occasionnellement compléter la fine équipe de la salle des ventes d'Affaire conclue. C'est le cas par exemple François Cases Bardina qui est un ébéniste de renom. Il est souvent pris à partie par les autres acheteurs car il peut acquérir des meubles et les retravailler de ses propres mains. Là où les autres doivent engager des frais de restauration, lui assume par lui-même ce travail minutieux. Il y aussi Leticia Blanco qui vient charmer les vendeurs de son léger accent espagnol. La blogueuse est aussi brocanteuse via internet. Ses apparitions sont donc ponctuelles (mais remarquées) car elles exigent pour elle des déplacements contraignants depuis Madrid. On aura remarqué aussi la participation de Mathieu Momein, un des plus jeunes antiquaires de France. Âgé de 25 ans au moment de ses premières participations, il a charmé le public par son excellent niveau de connaissances.

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Comment acheter de l’art africain authentique ?

Depuis que des artistes tels que Picasso, Matisse ou Duchamp l’ont mis en lumière à travers leurs œuvres, l’art africain n’a plus jamais cessé de fasciner les collectionneurs et amateurs. Masques, statues, fétiches, mais aussi bijoux, instruments de musique, armes… ont investi les musées, à commencer par celui du Quai Branly à Paris. Si vous recherchez de tels objets, sachez que le marché est très complexe. Une situation qui est due à l’histoire même du continent africain, forgée notamment par le colonialisme, les guerres tribales, les missions d’évangélisation… Les œuvres sont rares… et les faux sont nombreux.

Nous vous proposons d’en savoir plus sur ce marché et nous vous donnons des conseils pour éviter les contrefaçons.

 

L’art africain traditionnel : quelques repères

Avant tout, lorsqu’on parle d’art africain est en fait évoquée une très grande variété d’œuvres et d’objets provenant des pays d’Afrique subsaharienne, du Niger à la Namibie, de la Côte d’Ivoire au Mozambique, en passant par le Nigéria, le Congo, Madagascar…

Jusqu’au début du 20e siècle environ, cette riche production artistique est négligée par les musées occidentaux, par les collectionneurs et autres amateurs d’art. Ce sont essentiellement les peintres des Avant-gardes qui popularisent cet art, à l’instar de Picasso dans son tableau Les Demoiselles d’Avignon. Les missionnaires, les militaires, les Européens rentrés sur le continent après l’indépendance de ces pays d’Afrique… emportent quant à eux dans leurs valises quantité d’objets d’art qui vont peupler les cabinets de curiosité, les galeries, les musées. Et dès les années 80, le marché de l’art africain connait un engouement spectaculaire. On parle alors plutôt d’arts premiers ou d’art primitif. Depuis, la demande ne cesse de croître ; mais l’offre reste limitée.

Attention aux contrefaçons

Les spécialistes s’accordent pour affirmer que les chefs-d’œuvre de l’art africain sont d’ores et déjà conservés dans les musées occidentaux, par exemple à Paris, Quai Branly. Pour autant, il est toujours possible de trouver masques, fétiches et autres statuettes rituelles ainsi que des objets du quotidien comme de la vaisselle, des outils, des armes… Hormis les objets fabriqués en bronze, venant du royaume du Nigéria notamment, ces œuvres restent rares, car leur matériau et leur mode de conservation ne leur a pas permis de traverser les siècles. C’est pourquoi il est exceptionnel de trouver des objets anciens de plus de 50-100 ans. D’autres facteurs expliquent la disparition de ces pièces : l’évangélisation, la conversion à l’islam, les conflits guerriers, une politique de protection du patrimoine inefficace…

Mais le succès est là. Et il entraîne une abondance de contrefaçons, souvent fabriquées et achetées directement en Afrique. Les faussaires ont mis au point des techniques artisanales pour imiter la patine des objets anciens et vendent comme tels des productions contemporaines. Elles peuvent être ensuite vendues à prix d’or ; et ces faux peuvent même se retrouver au cœur des collections des plus grands musées.

 

Comment éviter les faux ?

Autre difficulté : les objets d’art traditionnel créés en Afrique ne sont ni signés ni datés. C’est pourquoi, avant d’acheter un objet, il est indispensable qu’il soit accompagné d’un certificat d’authenticité, lequel doit retracer précisément l’historique de l’œuvre : où, quand et par qui a-t-elle été trouvée, dans quels pays/lieux a-t-elle transité et à quelle date, entre quelles mains est-elle restée, etc. Avant de vous décider pour un tel objet, vous devez donc rester vigilant et vous informer le plus possible. Visitez musées et expositions, consultez catalogues de vente et livres spécialisés, rencontrez galeristes et collectionneurs…

A savoir que la valeur de ces œuvres en provenance d’Afrique dépend pour beaucoup de leurs découvreur et collectionneur. Plus ces derniers sont réputés, plus l’œuvre a de chance d’être authentique ; et son prix sera établi en conséquence. Le fait que le masque, la statue, l’arme… ait réellement été utilisé lui donne aussi beaucoup de valeur, peut-être plus que ces qualités proprement esthétiques.

Et pour ce qui est de l’art contemporain africain ?

L’art africain ne se résume pas qu’aux statuettes, fétiches, bijoux et autres objets rituels ou usuels. Les artistes peintres, sculpteurs, dessinateurs, graveurs… animent de leurs riches créations tous les pays africains, du Ghana à l’Ethiopie en passant par le Mali ou le Benin. Et leurs productions sont, à juste titre, de plus en plus mises en valeur, que ce soit au niveau local ou à l’échelle internationale. En témoigne un marché certes jeune, mais qui ne cesse de se développer. L’intérêt croissant des collectionneurs et des musées pour les artistes contemporains d’Afrique vous permet dès lors de trouver des œuvres de qualité, lesquelles prendront sans doute de la valeur avec le temps. Cet investissement sur le long terme passe avant tout par la recherche de la qualité et de l’authenticité. Consultez les catalogues, renseignez-vous sur les artistes, apprenez à vous faire un « œil » et n’hésitez pas à prendre conseil auprès de spécialistes pour sécuriser votre investissement. 

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Les mythes de l’art démystifiés

Présomption : L'art finit par avoir plus de valeur une fois qu'un artiste meurt.

Vérité : les prix ne montent que lorsque le besoin est plus grand que l'offre. Les coûts peuvent augmenter si le travail de l'artiste était insuffisant avant sa mort et si le besoin continue d'être sensiblement supérieur à l'offre. Art News (novembre 2003) a présenté un bref article sur les dix œuvres d'art les plus recherchées. Si les propriétaires actuels me les laissaient partir, elles se vendraient séparément pour plus de 5 millions de dollars. Cependant, comme les collectionneurs comprennent qu'ils pourraient ne pas acquérir une peinture/sculpture/dessin de remplacement, ils ne vendront pas ces œuvres d'art.

Hypothèse : Une épreuve d'artiste est meilleure qu'une épreuve de l'édition originale.

Réalité : Les épreuves d'artiste sont régulièrement conformes à l'édition de référence en termes d'apparence et de valeur. Dans des cas exceptionnels, une épreuve en couleur peut être jugée plus précieuse que l'édition de référence ou qu'une épreuve d'artiste. Cela se produit lorsque les spécialistes en charge du dossier estiment que l'épreuve en couleur représente un plus bel objet que l'édition de référence ou l'épreuve d'artiste.

Hypothèse : Ce n'est qu'une épreuve.

Leur art "traduit" avec plus de succès en utilisant un support d'impression original tel que la lithographie, la gravure, la sérigraphie ou les gravures sur bois. Le seul moment où un expert en art peut dire "Ce n'est qu'une estampe" est lorsqu'il fait référence à une estampe de reproduction.

Pourquoi ne pouvez-vous pas valoriser mon art à partir d'images ?

- Responsabilité
- Tant que je suis un évaluateur d'art professionnel, je suis tenu à une exigence différente de celle d'une personne travaillant strictement comme marchand.
- EN PLUS, j'aime être le meilleur !!!

Les photographies ne révèlent pas tous les problèmes d'état et le grand public n'est pas formé pour les décrire correctement. Combien d'entre vous peuvent reconnaître les taches de lumière, les brûlures de tapis, les renards, etc. Ces défauts et d'autres défauts d'état ont un effet considérable sur la valeur.

- Une reconstitution fixée sur une toile ressemble pratiquement à une première peinture à l'huile sur une photo. À moins que je ne sache quel musée abrite actuellement le tableau réel, je ne peux pas être totalement sûr que vous me révéliez une reproduction produite par photographie ou un tableau réel lorsque vous regardez une photo. Maintenant qu'il existe des tirages giclés sur toile et rehaussés de peinture, un examen pratique est indispensable.

La réalité : Les preuves d'artiste sont systématiquement conformes à l'édition de référence en termes d'apparence et de valeur. Il arrive rarement qu'une épreuve d'essai en couleur soit jugée plus importante que l'édition de référence ou qu'une épreuve d'artiste. Leur art "égalise" mieux en utilisant un support d'impression initial tel que la lithographie, la gravure, la sérigraphie ou les gravures sur bois. Le seul moment où un professionnel de l'art peut dire "Ce n'est qu'une épreuve" est lorsqu'il fait référence à une épreuve de reproduction.

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L’histoire de Jacob Lawrence

  "Peintre historique" serait un titre approprié, bien que Jacob Lawrence lui-même ait préféré "Expressionniste" et qu'il soit certainement le plus qualifié pour décrire son propre travail. Lawrence est l'un des peintres afro-américains les plus connus du 20e siècle, avec Romare Bearden. Bien que Lawrence soit souvent associé à la Renaissance de Harlem, ce n'est pas exact. Il a commencé à étudier l'art une demi-décennie après que la Grande Dépression ait mis fin à l'apogée de ce mouvement. On peut cependant affirmer que la Renaissance de Harlem a donné naissance aux écoles, aux enseignants et aux artistes-mentors desquels Lawrence y a plus tard appris.

Sa jeunesse

Lawrence est né le 7 septembre 1917 à Atlantic City, au New Jersey. Après une enfance marquée par une série de déménagements et la séparation de ses parents, Jacob Lawrence, sa mère et ses deux jeunes frères et sœurs s'installent à Harlem lorsque le futur peintre a 12 ans. C'est là qu'il a découvert le dessin et la peinture (sur des boîtes de carton jetées), alors qu'il suivait un programme parascolaire au centre pour enfants Utopia. Il a continué à peindre quand il le pouvait, mais il a été forcé d'abandonner l'école pour aider sa famille après que sa mère ait perdu son emploi pendant la Grande Dépression.

Son art

La chance (et la persistance du sculpteur) est intervenue pour procurer à Lawrence un travail de chevalet dans le cadre de la WPA (Works Progress Administration). Il aimait l'art, la lecture et l'histoire. Sa détermination pacifique à montrer que les Afro-Américains, eux aussi, jouent un rôle majeur dans l'histoire de l'hémisphère occidental, malgré leur absence manifeste dans l'art et la littérature, l'a amené à entreprendre sa première série importante. 1941 a été une année marquante pour Jacob Lawrence : il a franchi la barrière de la couleur lorsque son oeuvre phare, The Migration of the Negro, a été exposée à la prestigieuse Downtown Gallery, et qu'il a également épousé sa collègue peintre Gwendolyn Knight. Il a servi dans la Garde côtière américaine pendant la Seconde Guerre mondiale et est revenu à sa carrière d'artiste. Il décroche un emploi temporaire d'enseignant au Black Mountain College (en 1947) à l'invitation de Josef Albers, qui devient à la fois un influenceur et un ami. Lawrence a passé le reste de sa vie à peindre, à enseigner et à écrire. Il est surtout connu pour ses compositions figuratives, pleines de formes simplifiées et de couleurs vives, et pour son utilisation de l'aquarelle et de la gouache. Contrairement à presque tous les autres artistes modernes ou contemporains, il a toujours travaillé en séries de tableaux, chacun ayant un thème distinct. Son influence, en tant qu'artiste visuel qui raconte la dignité, les espoirs et les luttes des Afro-Américains dans l'histoire américaine, est incalculable. Lawrence est mort le 9 juin 2000 à Seattle, Washington.

Les plus importants de ses travaux

Les plus importantes œuvres de Lawrence sont :
  • Toussaint L'Ouverture (séries), 1937-38 ;
  • Harriet Tubman (séries), 1938-39 ;
  • Frederick Douglass (séries), 1939-40 ;
  • La migration des Noirs (séries), 1941 ;
  • John Brown (séries), 1941-42.

Ses citations célèbres

Vois quelques citations célèbres de Jacob Lawrence.
  • "Je décrirais mon travail comme expressionniste. Le point de vue expressionniste consiste à mettre l'accent sur vos propres sentiments à propos de quelque chose."
  • "Je crois qu'il est très important pour un artiste de développer une approche et une philosophie de la vie. S'il a développé cette philosophie, il ne met pas de la peinture sur la toile, il se met lui-même sur la toile."
  • "Si parfois mes productions n'expriment pas la beauté conventionnelle, il y a toujours un effort pour exprimer la beauté universelle de la lutte continue de l'homme pour élever sa position sociale et pour ajouter une dimension à son être spirituel."
  • "Lorsque le sujet est fort, la simplicité est la seule façon de le traiter."
 
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Street Art : Pourquoi investir dans du Death NYC ?

C'est la révélation dans le street-art en 2017 : Death NYC

Death NYC est le pseudo d'une street-artiste new-yorkaise, qui préfère rester anonyme, une liberté qui lui permet de travailler plus librement dans la rue. Son pseudonyme est en réalité un acronyme de "Don't Easily Abandon The Hope" (N'abandonne pas l'espoir facilement), mais « Death » induit souvent le public en erreur, surtout quand l'artiste écrit son slogan "Death is free" dans les rues.

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Retrouvrez les œuvres de Death NYC disponibles sur auctionlab.

Des images populaires qui parlent à tous

Son art s'inspire de ce qu'elle puise dans les rues de New-York, où elle a grandi et vit encore aujourd'hui.

A ses débuts, Death peignait sur les murs et les sols de magasins populaires des quartiers de Soho et de Chelsea.

Son travail est basé sur le détournement des images de la culture populaire, aussi on retrouve sur ses oeuvres les figures emblématiques de Marylin Monroe, Kate Moss, Le Président Obama, Mao qu'elle représente par exemple avec un nœud rose dans les cheveux et du rouge à lèvres.

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Certains exemplaires de l'artiste ne sont désormais plus disponibles à la vente

Les œuvres de Death NYC sont percutantes, attirantes par leurs lignes épurées. Elles sont à la fois esthétiques et porteuse d'un message. Alliant l'esprit de la sérigraphie du Pop-Art au street-art, ses œuvres se déclinent en différents formats.

Il est encore temps de craquer pour cette artiste prometteuse : les prix sont encore abordables pour des petits formats. Certains exemplaires en édition limitée de l'artiste s'arrachent déjà et ne sont désormais plus disponibles à la vente.

 

Death NYC : c'est l'investissement à faire

Achetez des œuvres de Death NYC actuellement en vente sur auctionlab : c'est l'investissement à faire, pour débuter une collection avec un petit budget et se faire plaisir ou pour commencer à investir dans l’art.

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Death NYC - Kiss Haring

149,00
Death NYC Kiss Haring Sérigraphie Signée et justifiée épreuve d’artiste au

Comment nettoyer et entretenir votre sac Hermès Kelly ?

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La petite Histoire du « sac Kelly »

L’iconique sac Kelly doit sa renommée à une jolie anecdote. En 1956, alors que Grace Kelly sort de l’aéroport, elle tente avec son sac de cacher aux paparazzis son ventre qui s’arrondit. A cet instant, les rumeurs sur sa première grossesse se vérifient et le fameux sac est propulsé au rang de star.

Créé par la maison Hermès en 1935, ce sac s’inspire du modèle « Haut à courroies » inventé pour les cavaliers qui y rangeaient selle et bottes. Les clientes qui le commandent en boutique le réclament sous le nom de « sac Kelly ». Hermès décide alors de le rebaptiser ainsi en 1977.

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Un sac Kelly pour tous les goûts

Le Kelly a d’abord existé en cinq couleurs : le marron, le noir, le rouge, le vert et le bleu. Actuellement, le modèle se décline dans plus de cinquante coloris. Le rose et le gris sont devenus des best-sellers. Les tailles les plus vendues sont les : 25, 28, 32, 35 et 40 cm.

Les sacs Kelly sont fabriqués dans des matières nobles qui nécessitent un bon entretien : en cuir ou en crocodile pour la plus grande majorité.

Avec sa forme trapèze, son petit cadenas, sa doublure de cuir et ses clous fixés sur le fond, il faut environ vingt heures de travail à un artisan pour réaliser ce modèle. Autant de critères qui devraient vous inciter à l’entretenir avec amour.

 

Comment reconnaitre un vrai sac Kelly Hermès ?

 

Il est important de s’assurer de l’authentification d’un sac Kelly avant de l’acheter. Hermès ne délivre pas de certificat d’authentification, il est donc essentiel de savoir repérer le faux du vrai avec ces quelques inscriptions faciles à déceler :

Le logo de la marque se trouve sur le fermoir, sur la partie dorée d’une des languettes de fermeture et aussi sur le cadenas livré avec son lot de clés.

Une lettre gravée correspondant à l’année de fabrication du sac doit être imprimée par l’artisan sur le cuir de la languette.

A l’intérieur, la poche zippée est marquée d’un H et le nom « Hermès » est gravé sur la tirette.

Nos conseils pour entretenir votre sac Kelly Hermès

Un sac Kelly est un incontournable du luxe, et un incontournable il faut en prendre soin. Pour cela, il existe plusieurs conseils pour garder votre sac en bon état et le nettoyer sans risque.

Ne pas frotter le cuir qui est fragile et le nettoyer avec un coton et du lait démaquillant.

Utiliser un détachant avec beaucoup de prudence et faites toujours un test sur une partie cachée pour éviter les mauvaises surprises.

Fuir à tout prix l’humidité et la chaleur et essuyer rapidement le sac en cas de contact avec l’eau et le laisser éloigné de toute source de chaleur.

Eviter la déformation de votre sac Kelly en ne l’encombrant pas de choses inutiles et le ranger dans sa housse une fois nettoyé et rempli de papier de soie.

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Qui sont les photographes de portraits les plus célèbres de l’histoire ?

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Les photographes portraitistes les plus célèbres du monde vous diront que la clé pour prendre une photo mémorable est de laisser vos sujets briller. Un bon photographe portraitiste met ses sujets à l'aise. Au bon moment, il capte l'essence de leur personnage sur pellicule.

À propos des photographes de portraits célèbres

Passer en revue le travail de photographes de portraits célèbres peut grandement aider les amateurs en quête d'inspiration. Les hommes et les femmes énumérés ci-dessous incarnent les idéaux d'un photographe de portrait exceptionnel. Leur capacité à faire ressortir différentes facettes de la personnalité de leurs sujets est une leçon que tous les photographes peuvent apprendre. De plus, ils illustrent que pour réussir dans le domaine de la photographie de portrait, vous ne pouvez pas vous débrouiller avec des compétences photo supérieures à la moyenne. Vous devez également comprendre la nature humaine.

Quelques photographes de portraits féminins célèbres

Gertrude Kasebier (1852-1934)

Gertrude Kasebier était l'une des photographes portraitistes américaines les plus recherchées et les plus influentes du début du XXe siècle. Son objectif était de capturer l'expression d'un sujet dans le cadre le plus naturel possible. Elle est connue pour dépouiller ses sujets au strict minimum afin de mieux se concentrer sur leur visage ou leur stature. Kasebier s'est également fait un nom en réalisant des portraits évocateurs de mères, en particulier celles d'origine amérindienne. De plus, on lui attribue le mérite d'avoir fait la promotion de la photographie en tant que profession légitime pour les femmes.

Diane Arbus (1923-1971)

Documenter les rejets de la société était une passion de la photographe américaine Diane Arbus. Elle est surtout connue pour ses portraits d'individus qui vivaient en marge de la société, notamment des nains, des géants, des prostituées et des travestis. Arbus s'est également mérité des éloges pour avoir capturé des gens ordinaires dans des poses et des décors extraordinaires. Aujourd'hui encore, les historiens attribuent à Arbus le mérite d'avoir repoussé les limites de la photographie portraitiste "de bon goût".

Elsa Dorfman

La portraitiste américaine Elsa Dorfman possède une compétence inestimable pour sa profession - elle peut communiquer avec un sujet en un temps record. Dorfman se démarque dans le monde de la photographie de portrait parce qu'elle utilise un appareil Polaroid de 50 x 60 cm, plutôt qu'un appareil numérique sophistiqué. Le film coûte environ 45 euros par exposition, alors elle se limite à deux expositions par sujet. Ainsi, Dorfman doit travailler deux fois plus fort pour capturer l'essence de l'expression d'un sujet. Le succès artistique de Dorfman en tant que photographe portraitiste a été exposé dans de grands musées à travers le monde.

Quelques photographes de portraits masculins célèbres

Yousuf Karsh (1908-2002)

Yousuf Karsh est considéré comme l'un des photographes portraitistes les plus célèbres de tous les temps. Le photographe canadien d'origine arménienne est surtout connu pour ses portraits de dignitaires, de politiciens et de célébrités. Certains de ses sujets les plus célèbres comprennent :

  • Mohammed Ali,
  • Humphrey Bogart,
  • Fidel Castro,
  • Albert Einstein,
  • Dwight Eisenhower,
  • Robert Frost,
  • Pignon Clark,
  • Ernest Hemingway,
  • Audrey Hepburn,
  • Le pape Jean-Paul II,
  • Helen Keller,
  • Grace Kelly,
  • Jacqueline Kennedy,
  • John F Kennedy,
  • Laurence Olivier.

Malgré son travail avec les personnalités célèbres susmentionnées, le sujet de portrait le plus célèbre de Karsh était Winston Churchill. Karsh a cimenté sa place dans l'histoire de la photographie de portrait le 30 décembre 1941 lorsqu'il a pris le fameux cliché d'un Churchill grincheux après un exposé sur la Seconde Guerre mondiale. La photo de Churchill a apporté à Karsh une renommée internationale et est considérée comme le portrait photographique le plus reproduit de l'histoire.

Sir Cecil Walter Hardy Beaton (1904-1980)

Sir Cecil Walter Hardy Beaton était un photographe de mode et de portraits anglais surtout connu pour son travail de documentation de la famille royale britannique pour publication officielle. La reine Elizabeth a régulièrement applaudi les talents de Beaton en tant que maître photographe et lui a offert un jour un mouchoir parfumé en guise de souvenir d'une séance photo très réussie. En plus des innombrables séances de portrait que Beaton a complétées avec la reine, il a également pris les célèbres photos de mariage du duc et de la duchesse de Windsor.

Francesco Scavullo (1921-2004)

Le photographe de mode américain Francesco Scavullo est surtout connu pour ses portraits de l'élite hollywoodienne. L'un de ses plans les plus célèbres et les plus controversés était un plan central comospolitain d'un Burt Reynolds nu. Scavullo a également fait la une des journaux au début de sa carrière pour avoir pris les portaits provocateurs d'une jeune Brooke Shields, qui étaient considérés par beaucoup comme inappropriés. Le travail de portraitiste de Scavullo se perpétue dans les affiches de films, les couvertures d'albums et les programmes de Broadway, y compris la célèbre photo prise par l'actrice Julie Andrews pour Victor/Victoria.

Herb Ritts (1952-2002)

Herb Ritts est considéré comme l'un des photographes portraitistes les plus influents du 21è siècle. Ritts a travaillé avec un who's who virtuel de célébrités du monde entier et est célèbre pour ses portraits en noir et blanc réalisés dans le style de la sculpture grecque classique. Par conséquent, beaucoup le considèrent comme le grand-père de la photographie glamour. Au cours des années 1980 et 1990, Ritts est devenu le premier photographe portraitiste célèbre au monde. Parmi ses œuvres les plus célèbres, mentionnons les premières photos d'un Christopher Reeve et d'Elizabeth Taylor paralysés quelques jours seulement après avoir subi une opération au cerveau. La notoriété de Ritts lui a également permis d'avoir un accès sans précédent à des sujets tels que le président Ronald Reagan, l'acteur Jack Nicholson et la chanteuse Madonna, dont les portraits ont rapporté des millions d'euros.

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Idée de cadeau original : et si vous veniez chiner vos cadeaux ?

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Chinez vos cadeaux de Noël, une vraie solution pour sortir du lot à l'ouverture des paquets sous le sapin.

A Noël ou pour toute autre occasion, on a souvent envie d’offrir un cadeau original, un présent que l’on ne retrouvera nulle part ailleurs. Parce qu’il sort des sentiers battus, ce cadeau personnalisé montre à quel point vous vous êtes investi pour le trouver. 

Mais ce n’est pas toujours facile de sortir la carte de l’originalité, surtout à Noël quand on est à la recherche de dizaines d’idées cadeaux originaux. Avec les ventes que nous vous proposons sur notre site spécialisé, vous pourrez trouver des objets d’exception, rares et précieux. 

Comme sur une brocante, vous chinez la bonne idée, originale et surprenante, qui ravira la personne qui aura la chance de recevoir votre cadeau.

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Des objets anciens certifiés par des professionnels : seulement des avantages

Sur notre site, vous trouverez une multitude d’articles, d’œuvres d’art, d’objets anciens et d’antiquités certifiés par des professionnels. Mais le principal avantage de chiner vos cadeaux, c’est que vous prenez plaisir à véritablement rechercher un présent qui plaira à celui ou à celle à qui vous comptez l’offrir. 

En plus de l’avoir cherché à travers les différentes ventes du moment, vous offrez un cadeau unique. Cet objet, vous aurez toutes les difficultés à le trouver ailleurs. Ici, pas question de se tourner vers la facilité et les cadeaux standards tels qu’ils sont proposés par les grandes enseignes de distribution et autres boutiques aussi nombreuses qu’impersonnelles. 

Découvrez uniquement des objets rares, des antiquités d’exception, des pièces originales…

Nous vous donnons quelques idées cadeaux pour vos prochains moments de partage.

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Un meuble et des objets de décoration qui sortent de l’ordinaire

Plutôt que d’acheter une réédition d’un meuble mythique ou la pâle imitation d’une référence du design, vous pouvez dénicher un exemplaire dans un de nos lots proposés à la vente. Les grands noms du design et leurs créations emblématiques sont souvent disponibles. 

L’occasion d’offrir un meuble authentique et original, bien loin des standards scandinaves du moment. Les objets de décoration se parent aussi de cette aura unique qui entoure le design moderne : lampes, miroirs, vases, bougeoirs… 

D’autres époques sont représentées. Vous pourrez ainsi chiner des meubles de style Louis XV, Directoire, Napoléon III… Si vous souhaitez offrir un saut dans l’histoire, vous trouverez des idées de cadeaux originaux dans nos ventes en ligne de meubles anciens et d’antiquités. Les conditions de livraison s’adaptent à vos besoins.

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Des jouets avec une histoire pour des cadeaux originaux

Les jouets anciens sont un grand classique des brocantes et autres boutiques d’antiquaires. Les collectionneurs ne se lassent pas de (re)découvrir soldats de plomb, ours en peluche, poupées et autres locomotives d’antan. Et les amateurs se laissent aussi toujours charmer par ces jouets venus d’un autre temps. Ils peuvent évidemment être offerts à un enfant à Noël ; ils sauront concurrencer les articles en plastique et bruyants que l’on trouve habituellement sous le sapin.

 Des jouets chinés dans nos ventes spécialisées enchanteront aussi les adultes qui ont su garder leur âme d’enfant.

Un objet rare et précieux pour une brillante idée cadeau

Grâce à notre site, offrez-vous l’occasion de trouver des objets à la fois rares et précieux, et ce, au meilleur prix. Peintures, sculptures, gravures, lithographies… : laissez-vous tenter par des œuvres

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