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Apporter une valeur ajoutée à votre œuvre d’art – première partie

Il y a un certain nombre de choses auxquelles vous n'auriez peut-être pas pensé, qui ajoutent une valeur supplémentaire à votre œuvre d'art et peuvent la rendre plus rentable lorsque vous venez la proposer. Je ne parle pas ici de remodeler des pièces qui, selon vous, ne sont pas à la hauteur. Oui, il est parfois possible d'économiser une aquarelle moins qu'idéale en utilisant une stratégie de stylo et d'encre, et vous pouvez peindre directement sur des parties d'une peinture à l'huile ou à l'acrylique pour en fait réorganiser entièrement l'emplacement, mais je parle ici de stratégies qui n'incluent pas le changement de votre œuvre d'art d'une quelconque manière.

Souvent, il suffit de placer une installation en carton autour d'un tableau pour le sortir du marasme, et il ne fait aucun doute que la bonne installation et le bon encadrement peuvent faire des merveilles pour une œuvre d'art quelque peu médiocre. Pour une sculpture ou une pièce de céramique, le bon support et un éclairage approprié peuvent faire une grande différence dans la façon dont elle est exposée, mais après vous être assuré que votre œuvre d'art est présentée sous son meilleur jour, que pouvez-vous faire d'autre pour lui donner plus de valeur ?

Une œuvre signée vaut plus d'argent qu'une œuvre inconnue, et peu importe que vous la signiez au recto, en haut ou en bas, dans la composition, ou même au verso, simplement tant que vous la signez. Si vous avez une signature illisible, épargnez une idée aux générations futures qui tenteront de déchiffrer ce qu'elle dit et se demanderont si elles ont une œuvre d'un artiste célèbre. La toute première chose que presque tout le monde souhaite savoir à propos d'une œuvre d'art est de savoir qui l'a réalisée, quel est le nom de l'artiste.

La deuxième chose que vous devez faire, afin d'ajouter de la valeur à votre art, est de lui donner un titre. Certaines personnes n'aiment pas donner un titre à leurs œuvres parce qu'elles ont l'impression qu'elles les classent dans des casiers et que, selon certaines méthodes, le spectateur ne peut les voir que dans le cadre d'un ensemble particulier de limites conceptuelles, alors si vous faites partie de ces personnes, vous devriez vraiment penser à les appeler "Sans titre". Même avec le titre "Sans titre", une œuvre mérite plus d'argent que si elle n'a pas de titre du tout. Une œuvre d'art sans titre laisse l'acheteur potentiel se demander s'il n'avait pas un titre alors qu'il l'a perdu, il se pose une question sans réponse et laisse entendre qu'il est moins susceptible de l'acheter et plus susceptible de passer à une autre œuvre à la place.

Si vous y croyez en vous mettant un instant à la place de l'acheteur, si vous êtes confronté à deux œuvres qui se ressemblent et que vous les aimez toutes les deux, mais que vous ne comprenez rien à l'une et que vous en comprenez plutôt beaucoup à l'autre, laquelle achèteriez-vous ? Bien sûr, vous serez beaucoup plus enclin à acheter une œuvre d'art qui contient des informations à son sujet, car vous vous sentirez plus impliqué, vous comprendrez quelque chose à son histoire et à la personne qui l'a produite, ce qui lui donnera plus d'importance pour vous et vous ressentirez un lien avec elle dès le début.

La brève explication ou description de votre œuvre d'art peut énoncer ce que vous voulez, il n'y a pas de directives, mais il est utile d'informer les gens sur ce dont il s'agit ou ce qu'il implique pour vous. Une chose que vous ne voulez pas faire est d'informer les gens de ce que cela doit signifier pour eux, le public ou l'acheteur de votre œuvre d'art souhaite pouvoir décider lui-même de ce que l'œuvre lui indique, et peu importe qu'il s'agisse de quelque chose d'entièrement différent de ce qu'elle implique pour vous.

Beaucoup de personnes qui achètent des œuvres d'art aiment savoir ce que vous vouliez dire lorsque vous les avez créées, ou ce qui vous a poussé à produire l'œuvre telle qu'elle est. Vous les informez peut-être que cette œuvre fait partie d'une collection de votre "période bleue" ou de votre "période de paysage impressionniste", ou autre.

Si vous ne souhaitez pas vraiment donner cette information, vous pourriez peut-être décrire le support que vous avez utilisé, les stratégies particulières que vous avez employées pour l'utiliser et même le temps qu'il vous a fallu pour produire l'œuvre. En fait, toute information que vous proposez sur l'œuvre est préférable à l'absence totale d'information, et peu importe que l'acheteur éventuel comprenne ou non votre principe, il est toujours plus intéressant pour lui de savoir qu'il y avait un objectif d'une sorte ou d'une autre derrière l'idée initiale.

Une œuvre signée vaut plus d'argent qu'une œuvre non signée, et peu importe que vous la signiez au recto, en haut ou en bas, dans la composition, ou même au verso, simplement tant que vous la signez. La première chose que presque tout le monde veut comprendre à propos d'une œuvre d'art, c'est qui l'a faite, quel est le nom de l'artiste. Une œuvre d'art sans titre laisse l'acheteur potentiel se demander s'il n'a pas eu un titre dès qu'il l'a perdu, cela laisse l'acheteur avec une inquiétude sans réponse et implique qu'il est moins susceptible de l'acheter et plus susceptible de passer à une autre pièce plutôt.

Si vous y réfléchissez en vous mettant un instant à la place de l'acheteur, si vous êtes confronté à deux œuvres comparables et que vous les aimez toutes les deux, mais que vous ne savez rien de l'une et que vous en savez plutôt beaucoup sur l'autre, laquelle achèteriez-vous ? Vous pourriez leur dire que cette œuvre d'art spécifique fait partie d'une collection de votre "période bleue", ou de votre "période du paysage impressionniste", ou autre.

Jazzu artiste peintre

Jazzu, artiste peintre militant et un peu fou !

La peinture sera pour cet artiste une nécessité voire même un besoin primitif ! Aucune préméditation dans ses œuvres, son art est brut et son coup de pinceau est viscéral et spontané.

Son œuvre : Un acte fort et lourd de sens par le biais d’une alchimie de couleurs et d’une texture sensuelle voire épidermique.

Biographie de Jazzu 

Jazzu est né en 1983 à Toulouse. Après avoir travaillé de nombreuses années comme intervenant social, la peinture lui est apparue comme une évidence lorsqu’il découvre le travail de Jean-Michel Basquiat. Ce dernier s’est initié très tôt à la peinture avec un style à la fois très urbain et inhabituel et pour lequel il mélange culture africaine, vaudou et jazz en utilisant des supports très diversifiés.

Inspiré par les multiples rencontres qu’il a faites au cours de sa vie, La peinture de Yann Jazzu se veut à la fois brute et cathartique. Cet artiste autodidacte à l’esprit quelque peu tourmenté utilise l’art pour exprimer ses émotions, ses angoisses et sa colère. Il insuffle une réflexion et remise en question sur les choses qui nous entourent.

Il diversifie sa technique en utilisant l’écriture et le collage d’une manière qui lui est propre. Peu à peu, il se fait connaître et expose dans de nombreuses galeries notamment à Paris, Deauville, Toulouse et même à Barcelone en compagnie d’autres artistes très connus dans le milieu. Jazzu met de la vie sur les murs et sur les toiles en soulignant les injustices et l’individualisme de plus en plus grandissant de notre société. Son authenticité, sa simplicité et sa grande modestie feront de lui un artiste à part entière.

Son œuvre Pop Art bien souvent haute en couleurs et tout en abstraction reflète le ressenti de l’auteur vis-à-vis de l’actualité politique et culturelle du moment et met en avant toute la complexité du monde qui nous entoure. L’artiste est heureux de pratiquer son art avec ses pinceaux, ses couleurs, ses nombreuses matières et ses aérosols dans toute sa simplicité et c’est probablement ce qui plait aux acheteurs.

Son travail est exposé dans diverses galeries telles qu’à « La Bohème »  à Deauville, chez « Urban Gallery » et « Seven Seventy Gallery » à Paris ou encore chez « Mandy Art » à Toulouse. L’achat de ses toiles est pleinement envisageable de partout dans le monde et les prix varient entre 250 et 2500€ pour la majorité.

En espérant que cette biographie plutôt brève (admettons-le) ne donnant qu’un petit aperçu du parcours et du talent de Jazzu vous aura donné l’envie d’en découvrir davantage sur son univers tout à fait unique et authentique.

Charlotte Perriand les arcs

Charlotte Perriand et les Arcs

Charlotte Perriand et Les Arcs : une histoire de confort et de design

Charlotte Perriand (1903-1999) est une architecte et designer française qui s'est fait connaître en collaborant avec Le Corbusier et Pierre Jeanneret, cousin de Corbusier. Elle est également importante pour la réalisation de la première maison dans le style Petite Architecture, l'Abri Bivouac (1936).

Perriand a commencé à travailler avec Le Corbusier et Pierre Jeanneret en 1924. Ensemble, ils ont conçu la chaise B306 et le fauteuil club "Gran Confort" à structure en acier. Ses premières créations ont été réalisées avec des matériaux coûteux et techniquement difficiles à travailler. Néanmoins, dans les années 1930, son objectif est devenu plus égalitaire et elle a commencé à travailler avec du bois et de la canne, des matériaux plus abordables.

Par la suite, elle a travaillé quelques années avec Jean Prouvé. Cependant, en 1940, après la capitulation de la France pendant la Seconde Guerre mondiale, Perriand s'est rendue au Japon et au Vietnam, avant de revenir à Paris, en France, en 1946, où elle a repris son travail de designer indépendant. L'une de ses œuvres majeures de cette période a été les trois Arcs qu'elle a conçus pour Les Arcs, en Savoie, France.

 

Les Arcs, Savoie, France

Les Arcs est l'une des œuvres majeures de Perriand. C'est une station de ski située en Savoie, en France, divisée en cinq domaines - Bourg-Saint-Maurice, Arc 1600, Arc 1800, Arc 1950, et Arc 2000. Perriand était responsable de trois de ces domaines : Arc 1600, Arc 1800 et Arc 2000.

Les principaux concepts de conception étaient que les bâtiments doivent suivre le paysage d'une manière telle que lorsque vous êtes au sommet de la montagne, les bâtiments disparaissent, et que les visiteurs qui viennent dans une station de ski ne veulent pas rester dans une chambre d'hôtel. En pensant à cela, Perriand a conçu les bâtiments de manière à réassembler un escalier, en utilisant des retraites après un certain niveau, et en suivant les lignes de contour de la montagne dans laquelle ils sont construits.

 

Elle s'est également concentrée sur la création d'espaces minimalistes, ouverts au soleil et à la nature environnante, en utilisant du verre et des couleurs vives à l'intérieur. L'idée était que, comme ceux qui séjournent à l'hôtel s'intéressent à la nature autour du complexe hôtelier, ils pouvaient voir tout autour d'eux à l'intérieur de l'immeuble et dans leurs chambres.

 

A lire aussi : Charlotte Perriand à la fondation Louis Vuitton

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Charlotte Perriand - Buffet Cansado - 1959

Charlotte Perriand Buffet Cansado Cite minière de cansado Mauritanie 1959 Teck/ melaminé/acier 158
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Charlotte Perriand - Tabouret berger - Frêne

3 900,00
Charlotte Perriand Tabouret berger Frêne Diamètre 31 cm Hauteur 39 cm  
affaire conclue

Qui sont les acheteurs de l’émission de France 2 Affaire Conclue ?

Qui sont les acheteurs de l'émission de France 2 Affaire Conclue ?

Avec Affaire conclue, Sophie Davant anime une partie des après-midi de France 2. L'émission, qui existe en France depuis 2017, est adaptée d'une émission allemande créée en 2013. La quotidienne est complétée depuis 2019 par une Chasse aux objets hebdomadaire diffusée le dimanche.

 

Le concept s'est donc bien installé sur la chaine publique et repose sur un principe simple. Des vendeurs présentent des objets aux experts de l'émission (des commissaires priseurs le plus souvent). Ceux-ci évaluent l'objet et proposent un prix à partir duquel le vendeur choisit ou non d'aller présenter son objet en "salle des ventes". Il est alors reçu par des acheteurs qui vont faire grimper les enchères en fonction de leur intérêt pour l'objet.

 

Les acheteurs occupent le devant de la scène pendant une bonne partie de l'émission. Ils font parfois mine de se quereller mais sont le plus souvent très complices. Qui sont ces acheteurs? Quels sont leurs parcours? On vous dit tout sur les visages de l'émission Affaire conclue

 

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Le nouveau d'Affaire conclue arrivée le 20 août 2020 sur France2 : François-Xavier Renou

C'est François-Xavier Renou qui remplace aujourd'hui Pierre-Jean Chalençon écarté du programme en juin 2020. François-Xavier, personnage très charismatique est un marchand d'art. Il travaille pour le marché de l'Art en Asie.

Il s'est fait déjà remarquer par ses prestations d'artiste déjanté dans différents clips et présence scénique. Lors de la première émission de cet été pour François-Xavier Renou, les autres acheteurs n'ont pas résisté à le chambrer lourdement à ce sujet.

François-Xavier, appelé aussi Fransoa en Indonésie où il vit plusieurs mois par an a participé en 2002 à l'émission Koh Lanta diffusé sur TF1. Il a vécu plus de 30 jours sur Nicoya au Costa Rica.

François-Xavier Renou - Koh Lanta ©ALP

 

Nous ne manquerons pas de revenir sur les aventures de ce nouvel acheteurs de l'émission de France 2.

Pour voir les clips vidéo de François-Xavier, c'est ici :

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Les acheteurs phares

 

Au lancement de l'émission, le nombre d'acheteurs qui intervenaient étaient très réduit. Sept acheteurs se relayaient aux côtés de Sophie Davant pour se disputer les objets des téléspectateurs. Mais le succès de l'émission a fait évoluer ce format initial. Les acheteurs sont de plus en plus nombreux à faire des apparitions sur le plateau de France 2.

 

Il existe cependant un nombre limité d'acheteurs emblématiques de l'émission qui constituent le socle de la salle des ventes. Ces intervenants les plus récurrents sont devenus des figures du paysage audiovisuel pour certains. Ils sont même sollicités pour d'autres émissions. Ils se distinguent par leurs compétences, leur personnalité, leur exubérance, leur sérieux : cela dépend.

Julien Cohen

Julien Cohen affaire conclue

Avec ses lunettes colorées, son franc-parler et son charisme, Julien Cohen est un des piliers de l'émission. Issu d'une famille de chineurs, il a grandit aux contacts des objets anciens en parcourant les salles des ventes et les marchés aux puces. Au niveau professionnel, il commence très jeune à fonder des entreprises sans lien avec la brocante. Ce n'est que plus tard qu'il ouvre une première boutique d'antiquaire à Paris. Le succès rencontré lui permet de développer cette activité et d'y exceller. Il est ainsi repéré par l'équipe de l'émission où il apparaît dès les premiers épisodes.

La boutique de Julien Cohen à Paris : 138, Rue Des Rosiers. 93400 – Saint Ouen

La boutique de Julien Cohen à Bruxelles : 63 Rue Blaes – 1000 Bruxelles

Pierre-Jean Chalençon

Se démarquant par sa chevelure blonde et son exubérance, Pierre-Jean Chalençon se présente comme un des plus grands collectionneurs des objets liés à Napoléon Bonaparte. Il se distingue par une grande culture historique. Il est propriétaire du Palais Vivienne auquel il est fréquemment fait allusion dans l'émission. Il est également administrateur du Cercle France Napoléon. Pierre-Jean est donc avant tout un collectionneur passionné qui a sillonné le monde avec ses propres objets qui ont intégré des expositions très en vue du Panthéon de Paris à la Basilique Notre-Dame de Montréal en passant par toutes les grandes places de l'art mondial. Un autre aspect de son parcours est moins connu : il a été le secrétaire et confident du chanteur Charles Trenet dont il a écrit une biographie parue en 2005. Avant Affaire conclue, il a participé à une première émission : Vos objets ont une histoire en 2014.

A la fin du mois de juin 2020, Pierre-Jean Chalençon a fait connaître son retrait de l'émission phare de France 2 "Affaire conclue" après deux déboires, un selfie avec Dieudonné à la fête d'anniversaire de Jean-Marie Le Pen diffusé sur les reseaux sociaux par les internautes, et des messages indélicats envoyés à Line Renaud sur Twitter.

 

pierre-jean-chalencon

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Anne-Catherine Verwaerde

Côté femme, une des acheteuses les plus en vue du programme est également blonde : Anne-Catherine Verwaerde! Elle a un parcours professionnel original qui l'a d'abord conduite à être directrice marketing pour de grandes marques suite à ses études de commerce. Elle se réoriente finalement sur le domaine qui la passionne vraiment : la brocante et la déco vintage. Elle change de vie pour vivre de cette passion qui date de son enfance et qu'elle a héritée de sa grand-mère. Elle fonde un site internet en 2017,La petite brocante. Elle est cassée pour Affaire conclue et participe aux premiers épisodes. Elle se caractérise à l'antenne par une forme de douceur qui n'exclut pas l'opiniâtreté quand elle veut vraiment un objet !

Alexandra Morel

Elle est aussi un des visages récurrents très aimés des téléspectateurs. Elle se distingue par son expertise et ses connaissances. Elle a grandi dans une famille d'antiquaires et ses trois frères ont également embrassé cette voie. Elle a participé à une première émission consacrée aux antiquités, en 2015 : Storage Wars sur 6TER. Au sein de l'équipe des acheteurs d'Affaire conclue, elle témoigne de sa passion pour les bijoux et l'horlogerie.

Alexandra Morel

Caroline Margeridon

Caroline Margeridon

Elle anime le plateau de la salle des ventes avec sa voix légèrement rauque et son enthousiasme. Cette passionnée d'art et d'antiquités organise des salons à Paris depuis plusieurs décennies et son talent est reconnu. Elle sait jouer des coudes quand un objet l'intéresse mais se montre aussi sans concessions avec ses camarades et certains vendeurs !

Les nouveaux talents

 

Au fil des saisons, le succès de l'émission a fait émerger de nouvelles têtes dans la salle des ventes. De tous les âges, ils se relaient pour animer les enchères, chacun avec sa personnalité. Certains se sont fait une place de choix au sein de cette équipe en mouvement perpétuel.

Stéphane Vanhendenhoven

C'est l'un des acheteurs belges de l'émission. Il se caractérise par une forme de bonhommie mais aussi par son exigence. Il est propriétaire d'un magasin à Bruxelles. Il est un des acheteurs aux goûts les plus hétéroclites. Ses apparitions récurrentes sur la dernière saison ont étoffé le panel des acheteurs en misant toujours sur la compétence.

Stéphane Vanhendenhoven

Gérard Watelet

C'est un autre belge qui a fait des apparitions à partir de 2018. Architecte d'intérieur, il peut acquérir toutes sortes d'objets de décoration vintage. Il les fait retravailler pour les intégrer à son travail. Il a aussi travaillé dans la haute-couture au cours de son parcours professionnel très riche.

© france 2 Gérard Watelet

Bernard Dumeige

Il se présente sous une apparence un peu austère parfois et a son franc-parler. Ce passionné de la première guerre mondiale a même créé un musée consacré à cette sombre période de l'histoire. C'est avant tout un brocanteur aux gouts hétéroclites. Il fait partie des acheteurs qui donnent à l'émission un caractère très authentique et sincère.

Bien d'autres acheteurs viennent occasionnellement compléter la fine équipe de la salle des ventes d'Affaire conclue. C'est le cas par exemple François Cases Bardina qui est un ébéniste de renom. Il est souvent pris à partie par les autres acheteurs car il peut acquérir des meubles et les retravailler de ses propres mains. Là où les autres doivent engager des frais de restauration, lui assume par lui-même ce travail minutieux. Il y aussi Leticia Blanco qui vient charmer les vendeurs de son léger accent espagnol. La blogueuse est aussi brocanteuse via internet. Ses apparitions sont donc ponctuelles (mais remarquées) car elles exigent pour elle des déplacements contraignants depuis Madrid. On aura remarqué aussi la participation de Mathieu Momein, un des plus jeunes antiquaires de France. Âgé de 25 ans au moment de ses premières participations, il a charmé le public par son excellent niveau de connaissances.

Comment acheter de l’art africain authentique ?

Depuis que des artistes tels que Picasso, Matisse ou Duchamp l’ont mis en lumière à travers leurs œuvres, l’art africain n’a plus jamais cessé de fasciner les collectionneurs et amateurs. Masques, statues, fétiches, mais aussi bijoux, instruments de musique, armes… ont investi les musées, à commencer par celui du Quai Branly à Paris. Si vous recherchez de tels objets, sachez que le marché est très complexe. Une situation qui est due à l’histoire même du continent africain, forgée notamment par le colonialisme, les guerres tribales, les missions d’évangélisation… Les œuvres sont rares… et les faux sont nombreux.

Nous vous proposons d’en savoir plus sur ce marché et nous vous donnons des conseils pour éviter les contrefaçons.

 

L’art africain traditionnel : quelques repères

Avant tout, lorsqu’on parle d’art africain est en fait évoquée une très grande variété d’œuvres et d’objets provenant des pays d’Afrique subsaharienne, du Niger à la Namibie, de la Côte d’Ivoire au Mozambique, en passant par le Nigéria, le Congo, Madagascar…

Jusqu’au début du 20e siècle environ, cette riche production artistique est négligée par les musées occidentaux, par les collectionneurs et autres amateurs d’art. Ce sont essentiellement les peintres des Avant-gardes qui popularisent cet art, à l’instar de Picasso dans son tableau Les Demoiselles d’Avignon. Les missionnaires, les militaires, les Européens rentrés sur le continent après l’indépendance de ces pays d’Afrique… emportent quant à eux dans leurs valises quantité d’objets d’art qui vont peupler les cabinets de curiosité, les galeries, les musées. Et dès les années 80, le marché de l’art africain connait un engouement spectaculaire. On parle alors plutôt d’arts premiers ou d’art primitif. Depuis, la demande ne cesse de croître ; mais l’offre reste limitée.

Attention aux contrefaçons

Les spécialistes s’accordent pour affirmer que les chefs-d’œuvre de l’art africain sont d’ores et déjà conservés dans les musées occidentaux, par exemple à Paris, Quai Branly. Pour autant, il est toujours possible de trouver masques, fétiches et autres statuettes rituelles ainsi que des objets du quotidien comme de la vaisselle, des outils, des armes… Hormis les objets fabriqués en bronze, venant du royaume du Nigéria notamment, ces œuvres restent rares, car leur matériau et leur mode de conservation ne leur a pas permis de traverser les siècles. C’est pourquoi il est exceptionnel de trouver des objets anciens de plus de 50-100 ans. D’autres facteurs expliquent la disparition de ces pièces : l’évangélisation, la conversion à l’islam, les conflits guerriers, une politique de protection du patrimoine inefficace…

Mais le succès est là. Et il entraîne une abondance de contrefaçons, souvent fabriquées et achetées directement en Afrique. Les faussaires ont mis au point des techniques artisanales pour imiter la patine des objets anciens et vendent comme tels des productions contemporaines. Elles peuvent être ensuite vendues à prix d’or ; et ces faux peuvent même se retrouver au cœur des collections des plus grands musées.

 

Comment éviter les faux ?

Autre difficulté : les objets d’art traditionnel créés en Afrique ne sont ni signés ni datés. C’est pourquoi, avant d’acheter un objet, il est indispensable qu’il soit accompagné d’un certificat d’authenticité, lequel doit retracer précisément l’historique de l’œuvre : où, quand et par qui a-t-elle été trouvée, dans quels pays/lieux a-t-elle transité et à quelle date, entre quelles mains est-elle restée, etc. Avant de vous décider pour un tel objet, vous devez donc rester vigilant et vous informer le plus possible. Visitez musées et expositions, consultez catalogues de vente et livres spécialisés, rencontrez galeristes et collectionneurs…

A savoir que la valeur de ces œuvres en provenance d’Afrique dépend pour beaucoup de leurs découvreur et collectionneur. Plus ces derniers sont réputés, plus l’œuvre a de chance d’être authentique ; et son prix sera établi en conséquence. Le fait que le masque, la statue, l’arme… ait réellement été utilisé lui donne aussi beaucoup de valeur, peut-être plus que ces qualités proprement esthétiques.

Et pour ce qui est de l’art contemporain africain ?

L’art africain ne se résume pas qu’aux statuettes, fétiches, bijoux et autres objets rituels ou usuels. Les artistes peintres, sculpteurs, dessinateurs, graveurs… animent de leurs riches créations tous les pays africains, du Ghana à l’Ethiopie en passant par le Mali ou le Benin. Et leurs productions sont, à juste titre, de plus en plus mises en valeur, que ce soit au niveau local ou à l’échelle internationale. En témoigne un marché certes jeune, mais qui ne cesse de se développer. L’intérêt croissant des collectionneurs et des musées pour les artistes contemporains d’Afrique vous permet dès lors de trouver des œuvres de qualité, lesquelles prendront sans doute de la valeur avec le temps. Cet investissement sur le long terme passe avant tout par la recherche de la qualité et de l’authenticité. Consultez les catalogues, renseignez-vous sur les artistes, apprenez à vous faire un « œil » et n’hésitez pas à prendre conseil auprès de spécialistes pour sécuriser votre investissement. 

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Les mythes de l’art démystifiés

Présomption : L'art finit par avoir plus de valeur une fois qu'un artiste meurt.

Vérité : les prix ne montent que lorsque le besoin est plus grand que l'offre. Les coûts peuvent augmenter si le travail de l'artiste était insuffisant avant sa mort et si le besoin continue d'être sensiblement supérieur à l'offre. Art News (novembre 2003) a présenté un bref article sur les dix œuvres d'art les plus recherchées. Si les propriétaires actuels me les laissaient partir, elles se vendraient séparément pour plus de 5 millions de dollars. Cependant, comme les collectionneurs comprennent qu'ils pourraient ne pas acquérir une peinture/sculpture/dessin de remplacement, ils ne vendront pas ces œuvres d'art.

Hypothèse : Une épreuve d'artiste est meilleure qu'une épreuve de l'édition originale.

Réalité : Les épreuves d'artiste sont régulièrement conformes à l'édition de référence en termes d'apparence et de valeur. Dans des cas exceptionnels, une épreuve en couleur peut être jugée plus précieuse que l'édition de référence ou qu'une épreuve d'artiste. Cela se produit lorsque les spécialistes en charge du dossier estiment que l'épreuve en couleur représente un plus bel objet que l'édition de référence ou l'épreuve d'artiste.

Hypothèse : Ce n'est qu'une épreuve.

Leur art "traduit" avec plus de succès en utilisant un support d'impression original tel que la lithographie, la gravure, la sérigraphie ou les gravures sur bois. Le seul moment où un expert en art peut dire "Ce n'est qu'une estampe" est lorsqu'il fait référence à une estampe de reproduction.

Pourquoi ne pouvez-vous pas valoriser mon art à partir d'images ?

- Responsabilité
- Tant que je suis un évaluateur d'art professionnel, je suis tenu à une exigence différente de celle d'une personne travaillant strictement comme marchand.
- EN PLUS, j'aime être le meilleur !!!

Les photographies ne révèlent pas tous les problèmes d'état et le grand public n'est pas formé pour les décrire correctement. Combien d'entre vous peuvent reconnaître les taches de lumière, les brûlures de tapis, les renards, etc. Ces défauts et d'autres défauts d'état ont un effet considérable sur la valeur.

- Une reconstitution fixée sur une toile ressemble pratiquement à une première peinture à l'huile sur une photo. À moins que je ne sache quel musée abrite actuellement le tableau réel, je ne peux pas être totalement sûr que vous me révéliez une reproduction produite par photographie ou un tableau réel lorsque vous regardez une photo. Maintenant qu'il existe des tirages giclés sur toile et rehaussés de peinture, un examen pratique est indispensable.

La réalité : Les preuves d'artiste sont systématiquement conformes à l'édition de référence en termes d'apparence et de valeur. Il arrive rarement qu'une épreuve d'essai en couleur soit jugée plus importante que l'édition de référence ou qu'une épreuve d'artiste. Leur art "égalise" mieux en utilisant un support d'impression initial tel que la lithographie, la gravure, la sérigraphie ou les gravures sur bois. Le seul moment où un professionnel de l'art peut dire "Ce n'est qu'une épreuve" est lorsqu'il fait référence à une épreuve de reproduction.

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L’histoire de Jacob Lawrence

  "Peintre historique" serait un titre approprié, bien que Jacob Lawrence lui-même ait préféré "Expressionniste" et qu'il soit certainement le plus qualifié pour décrire son propre travail. Lawrence est l'un des peintres afro-américains les plus connus du 20e siècle, avec Romare Bearden. Bien que Lawrence soit souvent associé à la Renaissance de Harlem, ce n'est pas exact. Il a commencé à étudier l'art une demi-décennie après que la Grande Dépression ait mis fin à l'apogée de ce mouvement. On peut cependant affirmer que la Renaissance de Harlem a donné naissance aux écoles, aux enseignants et aux artistes-mentors desquels Lawrence y a plus tard appris.

Sa jeunesse

Lawrence est né le 7 septembre 1917 à Atlantic City, au New Jersey. Après une enfance marquée par une série de déménagements et la séparation de ses parents, Jacob Lawrence, sa mère et ses deux jeunes frères et sœurs s'installent à Harlem lorsque le futur peintre a 12 ans. C'est là qu'il a découvert le dessin et la peinture (sur des boîtes de carton jetées), alors qu'il suivait un programme parascolaire au centre pour enfants Utopia. Il a continué à peindre quand il le pouvait, mais il a été forcé d'abandonner l'école pour aider sa famille après que sa mère ait perdu son emploi pendant la Grande Dépression.

Son art

La chance (et la persistance du sculpteur) est intervenue pour procurer à Lawrence un travail de chevalet dans le cadre de la WPA (Works Progress Administration). Il aimait l'art, la lecture et l'histoire. Sa détermination pacifique à montrer que les Afro-Américains, eux aussi, jouent un rôle majeur dans l'histoire de l'hémisphère occidental, malgré leur absence manifeste dans l'art et la littérature, l'a amené à entreprendre sa première série importante. 1941 a été une année marquante pour Jacob Lawrence : il a franchi la barrière de la couleur lorsque son oeuvre phare, The Migration of the Negro, a été exposée à la prestigieuse Downtown Gallery, et qu'il a également épousé sa collègue peintre Gwendolyn Knight. Il a servi dans la Garde côtière américaine pendant la Seconde Guerre mondiale et est revenu à sa carrière d'artiste. Il décroche un emploi temporaire d'enseignant au Black Mountain College (en 1947) à l'invitation de Josef Albers, qui devient à la fois un influenceur et un ami. Lawrence a passé le reste de sa vie à peindre, à enseigner et à écrire. Il est surtout connu pour ses compositions figuratives, pleines de formes simplifiées et de couleurs vives, et pour son utilisation de l'aquarelle et de la gouache. Contrairement à presque tous les autres artistes modernes ou contemporains, il a toujours travaillé en séries de tableaux, chacun ayant un thème distinct. Son influence, en tant qu'artiste visuel qui raconte la dignité, les espoirs et les luttes des Afro-Américains dans l'histoire américaine, est incalculable. Lawrence est mort le 9 juin 2000 à Seattle, Washington.

Les plus importants de ses travaux

Les plus importantes œuvres de Lawrence sont :
  • Toussaint L'Ouverture (séries), 1937-38 ;
  • Harriet Tubman (séries), 1938-39 ;
  • Frederick Douglass (séries), 1939-40 ;
  • La migration des Noirs (séries), 1941 ;
  • John Brown (séries), 1941-42.

Ses citations célèbres

Vois quelques citations célèbres de Jacob Lawrence.
  • "Je décrirais mon travail comme expressionniste. Le point de vue expressionniste consiste à mettre l'accent sur vos propres sentiments à propos de quelque chose."
  • "Je crois qu'il est très important pour un artiste de développer une approche et une philosophie de la vie. S'il a développé cette philosophie, il ne met pas de la peinture sur la toile, il se met lui-même sur la toile."
  • "Si parfois mes productions n'expriment pas la beauté conventionnelle, il y a toujours un effort pour exprimer la beauté universelle de la lutte continue de l'homme pour élever sa position sociale et pour ajouter une dimension à son être spirituel."
  • "Lorsque le sujet est fort, la simplicité est la seule façon de le traiter."
 
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Street Art : Pourquoi investir dans du Death NYC ?

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C'est la révélation dans le street-art en 2017 : Death NYC

Death NYC est le pseudo d'une street-artiste new-yorkaise, qui préfère rester anonyme, une liberté qui lui permet de travailler plus librement dans la rue. Son pseudonyme est en réalité un acronyme de "Don't Easily Abandon The Hope" (N'abandonne pas l'espoir facilement), mais « Death » induit souvent le public en erreur, surtout quand l'artiste écrit son slogan "Death is free" dans les rues.

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Retrouvrez les œuvres de Death NYC disponibles sur auctionlab.

Des images populaires qui parlent à tous

Son art s'inspire de ce qu'elle puise dans les rues de New-York, où elle a grandi et vit encore aujourd'hui.

A ses débuts, Death peignait sur les murs et les sols de magasins populaires des quartiers de Soho et de Chelsea.

Son travail est basé sur le détournement des images de la culture populaire, aussi on retrouve sur ses oeuvres les figures emblématiques de Marylin Monroe, Kate Moss, Le Président Obama, Mao qu'elle représente par exemple avec un nœud rose dans les cheveux et du rouge à lèvres.

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Certains exemplaires de l'artiste ne sont désormais plus disponibles à la vente

Les œuvres de Death NYC sont percutantes, attirantes par leurs lignes épurées. Elles sont à la fois esthétiques et porteuse d'un message. Alliant l'esprit de la sérigraphie du Pop-Art au street-art, ses œuvres se déclinent en différents formats.

Il est encore temps de craquer pour cette artiste prometteuse : les prix sont encore abordables pour des petits formats. Certains exemplaires en édition limitée de l'artiste s'arrachent déjà et ne sont désormais plus disponibles à la vente.

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Death NYC : c'est l'investissement à faire

Achetez des œuvres de Death NYC actuellement en vente sur auctionlab : c'est l'investissement à faire, pour débuter une collection avec un petit budget et se faire plaisir ou pour commencer à investir dans l’art.

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Comment nettoyer et entretenir votre sac Hermès Kelly ?

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La petite Histoire du « sac Kelly »

L’iconique sac Kelly doit sa renommée à une jolie anecdote. En 1956, alors que Grace Kelly sort de l’aéroport, elle tente avec son sac de cacher aux paparazzis son ventre qui s’arrondit. A cet instant, les rumeurs sur sa première grossesse se vérifient et le fameux sac est propulsé au rang de star.

Créé par la maison Hermès en 1935, ce sac s’inspire du modèle « Haut à courroies » inventé pour les cavaliers qui y rangeaient selle et bottes. Les clientes qui le commandent en boutique le réclament sous le nom de « sac Kelly ». Hermès décide alors de le rebaptiser ainsi en 1977.

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Un sac Kelly pour tous les goûts

Le Kelly a d’abord existé en cinq couleurs : le marron, le noir, le rouge, le vert et le bleu. Actuellement, le modèle se décline dans plus de cinquante coloris. Le rose et le gris sont devenus des best-sellers. Les tailles les plus vendues sont les : 25, 28, 32, 35 et 40 cm.

Les sacs Kelly sont fabriqués dans des matières nobles qui nécessitent un bon entretien : en cuir ou en crocodile pour la plus grande majorité.

Avec sa forme trapèze, son petit cadenas, sa doublure de cuir et ses clous fixés sur le fond, il faut environ vingt heures de travail à un artisan pour réaliser ce modèle. Autant de critères qui devraient vous inciter à l’entretenir avec amour.

 

Comment reconnaitre un vrai sac Kelly Hermès ?

 

Il est important de s’assurer de l’authentification d’un sac Kelly avant de l’acheter. Hermès ne délivre pas de certificat d’authentification, il est donc essentiel de savoir repérer le faux du vrai avec ces quelques inscriptions faciles à déceler :

Le logo de la marque se trouve sur le fermoir, sur la partie dorée d’une des languettes de fermeture et aussi sur le cadenas livré avec son lot de clés.

Une lettre gravée correspondant à l’année de fabrication du sac doit être imprimée par l’artisan sur le cuir de la languette.

A l’intérieur, la poche zippée est marquée d’un H et le nom « Hermès » est gravé sur la tirette.

Nos conseils pour entretenir votre sac Kelly Hermès

Un sac Kelly est un incontournable du luxe, et un incontournable il faut en prendre soin. Pour cela, il existe plusieurs conseils pour garder votre sac en bon état et le nettoyer sans risque.

Ne pas frotter le cuir qui est fragile et le nettoyer avec un coton et du lait démaquillant.

Utiliser un détachant avec beaucoup de prudence et faites toujours un test sur une partie cachée pour éviter les mauvaises surprises.

Fuir à tout prix l’humidité et la chaleur et essuyer rapidement le sac en cas de contact avec l’eau et le laisser éloigné de toute source de chaleur.

Eviter la déformation de votre sac Kelly en ne l’encombrant pas de choses inutiles et le ranger dans sa housse une fois nettoyé et rempli de papier de soie.

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Qui sont les photographes de portraits les plus célèbres de l’histoire ?

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Les photographes portraitistes les plus célèbres du monde vous diront que la clé pour prendre une photo mémorable est de laisser vos sujets briller. Un bon photographe portraitiste met ses sujets à l'aise. Au bon moment, il capte l'essence de leur personnage sur pellicule.

À propos des photographes de portraits célèbres

Passer en revue le travail de photographes de portraits célèbres peut grandement aider les amateurs en quête d'inspiration. Les hommes et les femmes énumérés ci-dessous incarnent les idéaux d'un photographe de portrait exceptionnel. Leur capacité à faire ressortir différentes facettes de la personnalité de leurs sujets est une leçon que tous les photographes peuvent apprendre. De plus, ils illustrent que pour réussir dans le domaine de la photographie de portrait, vous ne pouvez pas vous débrouiller avec des compétences photo supérieures à la moyenne. Vous devez également comprendre la nature humaine.

Quelques photographes de portraits féminins célèbres

Gertrude Kasebier (1852-1934)

Gertrude Kasebier était l'une des photographes portraitistes américaines les plus recherchées et les plus influentes du début du XXe siècle. Son objectif était de capturer l'expression d'un sujet dans le cadre le plus naturel possible. Elle est connue pour dépouiller ses sujets au strict minimum afin de mieux se concentrer sur leur visage ou leur stature. Kasebier s'est également fait un nom en réalisant des portraits évocateurs de mères, en particulier celles d'origine amérindienne. De plus, on lui attribue le mérite d'avoir fait la promotion de la photographie en tant que profession légitime pour les femmes.

Diane Arbus (1923-1971)

Documenter les rejets de la société était une passion de la photographe américaine Diane Arbus. Elle est surtout connue pour ses portraits d'individus qui vivaient en marge de la société, notamment des nains, des géants, des prostituées et des travestis. Arbus s'est également mérité des éloges pour avoir capturé des gens ordinaires dans des poses et des décors extraordinaires. Aujourd'hui encore, les historiens attribuent à Arbus le mérite d'avoir repoussé les limites de la photographie portraitiste "de bon goût".

Elsa Dorfman

La portraitiste américaine Elsa Dorfman possède une compétence inestimable pour sa profession - elle peut communiquer avec un sujet en un temps record. Dorfman se démarque dans le monde de la photographie de portrait parce qu'elle utilise un appareil Polaroid de 50 x 60 cm, plutôt qu'un appareil numérique sophistiqué. Le film coûte environ 45 euros par exposition, alors elle se limite à deux expositions par sujet. Ainsi, Dorfman doit travailler deux fois plus fort pour capturer l'essence de l'expression d'un sujet. Le succès artistique de Dorfman en tant que photographe portraitiste a été exposé dans de grands musées à travers le monde.

Quelques photographes de portraits masculins célèbres

Yousuf Karsh (1908-2002)

Yousuf Karsh est considéré comme l'un des photographes portraitistes les plus célèbres de tous les temps. Le photographe canadien d'origine arménienne est surtout connu pour ses portraits de dignitaires, de politiciens et de célébrités. Certains de ses sujets les plus célèbres comprennent :

  • Mohammed Ali,
  • Humphrey Bogart,
  • Fidel Castro,
  • Albert Einstein,
  • Dwight Eisenhower,
  • Robert Frost,
  • Pignon Clark,
  • Ernest Hemingway,
  • Audrey Hepburn,
  • Le pape Jean-Paul II,
  • Helen Keller,
  • Grace Kelly,
  • Jacqueline Kennedy,
  • John F Kennedy,
  • Laurence Olivier.

Malgré son travail avec les personnalités célèbres susmentionnées, le sujet de portrait le plus célèbre de Karsh était Winston Churchill. Karsh a cimenté sa place dans l'histoire de la photographie de portrait le 30 décembre 1941 lorsqu'il a pris le fameux cliché d'un Churchill grincheux après un exposé sur la Seconde Guerre mondiale. La photo de Churchill a apporté à Karsh une renommée internationale et est considérée comme le portrait photographique le plus reproduit de l'histoire.

Sir Cecil Walter Hardy Beaton (1904-1980)

Sir Cecil Walter Hardy Beaton était un photographe de mode et de portraits anglais surtout connu pour son travail de documentation de la famille royale britannique pour publication officielle. La reine Elizabeth a régulièrement applaudi les talents de Beaton en tant que maître photographe et lui a offert un jour un mouchoir parfumé en guise de souvenir d'une séance photo très réussie. En plus des innombrables séances de portrait que Beaton a complétées avec la reine, il a également pris les célèbres photos de mariage du duc et de la duchesse de Windsor.

Francesco Scavullo (1921-2004)

Le photographe de mode américain Francesco Scavullo est surtout connu pour ses portraits de l'élite hollywoodienne. L'un de ses plans les plus célèbres et les plus controversés était un plan central comospolitain d'un Burt Reynolds nu. Scavullo a également fait la une des journaux au début de sa carrière pour avoir pris les portaits provocateurs d'une jeune Brooke Shields, qui étaient considérés par beaucoup comme inappropriés. Le travail de portraitiste de Scavullo se perpétue dans les affiches de films, les couvertures d'albums et les programmes de Broadway, y compris la célèbre photo prise par l'actrice Julie Andrews pour Victor/Victoria.

Herb Ritts (1952-2002)

Herb Ritts est considéré comme l'un des photographes portraitistes les plus influents du 21è siècle. Ritts a travaillé avec un who's who virtuel de célébrités du monde entier et est célèbre pour ses portraits en noir et blanc réalisés dans le style de la sculpture grecque classique. Par conséquent, beaucoup le considèrent comme le grand-père de la photographie glamour. Au cours des années 1980 et 1990, Ritts est devenu le premier photographe portraitiste célèbre au monde. Parmi ses œuvres les plus célèbres, mentionnons les premières photos d'un Christopher Reeve et d'Elizabeth Taylor paralysés quelques jours seulement après avoir subi une opération au cerveau. La notoriété de Ritts lui a également permis d'avoir un accès sans précédent à des sujets tels que le président Ronald Reagan, l'acteur Jack Nicholson et la chanteuse Madonna, dont les portraits ont rapporté des millions d'euros.

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Idée de cadeau original : et si vous veniez chiner vos cadeaux ?

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Chinez vos cadeaux de Noël, une vraie solution pour sortir du lot à l'ouverture des paquets sous le sapin.

A Noël ou pour toute autre occasion, on a souvent envie d’offrir un cadeau original, un présent que l’on ne retrouvera nulle part ailleurs. Parce qu’il sort des sentiers battus, ce cadeau personnalisé montre à quel point vous vous êtes investi pour le trouver. 

Mais ce n’est pas toujours facile de sortir la carte de l’originalité, surtout à Noël quand on est à la recherche de dizaines d’idées cadeaux originaux. Avec les ventes que nous vous proposons sur notre site spécialisé, vous pourrez trouver des objets d’exception, rares et précieux. 

Comme sur une brocante, vous chinez la bonne idée, originale et surprenante, qui ravira la personne qui aura la chance de recevoir votre cadeau.

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Des objets anciens certifiés par des professionnels : seulement des avantages

Sur notre site, vous trouverez une multitude d’articles, d’œuvres d’art, d’objets anciens et d’antiquités certifiés par des professionnels. Mais le principal avantage de chiner vos cadeaux, c’est que vous prenez plaisir à véritablement rechercher un présent qui plaira à celui ou à celle à qui vous comptez l’offrir. 

En plus de l’avoir cherché à travers les différentes ventes du moment, vous offrez un cadeau unique. Cet objet, vous aurez toutes les difficultés à le trouver ailleurs. Ici, pas question de se tourner vers la facilité et les cadeaux standards tels qu’ils sont proposés par les grandes enseignes de distribution et autres boutiques aussi nombreuses qu’impersonnelles. 

Découvrez uniquement des objets rares, des antiquités d’exception, des pièces originales…

Nous vous donnons quelques idées cadeaux pour vos prochains moments de partage.

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Un meuble et des objets de décoration qui sortent de l’ordinaire

Plutôt que d’acheter une réédition d’un meuble mythique ou la pâle imitation d’une référence du design, vous pouvez dénicher un exemplaire dans un de nos lots proposés à la vente. Les grands noms du design et leurs créations emblématiques sont souvent disponibles. 

L’occasion d’offrir un meuble authentique et original, bien loin des standards scandinaves du moment. Les objets de décoration se parent aussi de cette aura unique qui entoure le design moderne : lampes, miroirs, vases, bougeoirs… 

D’autres époques sont représentées. Vous pourrez ainsi chiner des meubles de style Louis XV, Directoire, Napoléon III… Si vous souhaitez offrir un saut dans l’histoire, vous trouverez des idées de cadeaux originaux dans nos ventes en ligne de meubles anciens et d’antiquités. Les conditions de livraison s’adaptent à vos besoins.

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Des jouets avec une histoire pour des cadeaux originaux

Les jouets anciens sont un grand classique des brocantes et autres boutiques d’antiquaires. Les collectionneurs ne se lassent pas de (re)découvrir soldats de plomb, ours en peluche, poupées et autres locomotives d’antan. Et les amateurs se laissent aussi toujours charmer par ces jouets venus d’un autre temps. Ils peuvent évidemment être offerts à un enfant à Noël ; ils sauront concurrencer les articles en plastique et bruyants que l’on trouve habituellement sous le sapin.

 Des jouets chinés dans nos ventes spécialisées enchanteront aussi les adultes qui ont su garder leur âme d’enfant.

Un objet rare et précieux pour une brillante idée cadeau

Grâce à notre site, offrez-vous l’occasion de trouver des objets à la fois rares et précieux, et ce, au meilleur prix. Peintures, sculptures, gravures, lithographies… : laissez-vous tenter par des œuvres

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Stylo plume

Comment bien choisir son stylo plume ?

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Comment bien choisir son stylo plume ?

A l’heure où nous avons pris l’habitude de rédiger courriers, documents et autres missives à l’aide d’un clavier ou d’un écran tactile, on en aurait presque oublié les stylos plumes. Pourtant, ces instruments fascinent encore bon nombre de collectionneurs. Et leur usage ne se dément pas. Car pour tracer des pleins et des déliés sur une feuille de papier, le stylo plume est toujours aussi agréable, bien plus qu’un stylo-bille, un feutre ou un marqueur. Et écrire à la plume, quand la majorité d’entre nous pianote sur un smartphone, est presque devenu un acte authentique de rébellion. Cet instrument raffiné et élégant, que l’on trouve à tous les prix et dans tous les styles, est également souvent considéré comme un accessoire intemporel, tendance et indispensable, au même titre qu’une montre. Des stylos plumes sont régulièrement proposés aux enchères. Nous vous proposons d’en savoir plus sur cet instrument qui, pour beaucoup d’entre nous, est synonyme d’enfance et de cours d’école.

 

Les origines du stylo-plume

L’invention du stylo-plume n’est pas datée de façon précise ni attribuée à une personne en particulier. Cet outil d’écriture est plutôt le fruit d’une longue évolution, appuyée par les progrès techniques et l’avènement de nouveaux matériaux comme l’acier. Deux hommes semblent en tout cas à l’origine du stylo plume. Le premier est un ingénieur roumain, Petrache Poenaru, qui le premier brevète à Paris une « plume portable sans fin qui s’alimente elle-même avec de l’encre ». Au même moment, de l’autre côté de l’Atlantique, un agent d’assurances, Lewis Edson Waterman, perfectionne le porte-plume traditionnel en lui ajoutant un conduit et un réservoir. Grâce à cette invention, l’assureur ne risquait plus de perdre un client pour un contrat maculé de taches d’encre. Et le succès est tel que l’entreprise de stylos Waterman voit le jour à New York à la fin du 19e siècle.

 

Les caractéristiques techniques

Pour bien choisir un stylo plume, il faut en connaître les différents composants. Leur état de conservation et les matériaux de fabrication font en effet partie des critères pour estimer la valeur d’un stylo-plume.

 

Le corps

Le corps du stylo-plume est la partie que l’on tient en main pour écrire. Il contient également un réservoir ou un emplacement dans lequel peut se glisser une cartouche d’encre liquide. Sa taille est très variable et il est conseillé de la choisir en fonction des dimensions de sa propre main, si tant est que le stylo soit utilisé pour écrire.

Les modèles les plus courants et les plus économiques sont fabriqués en ébonite, sorte de caoutchouc naturel, en résine colorée ou en plastique. Les stylos en métal ou en bois sont également répandus. On trouve alors des exemplaires fabriqués dans des essences de bois ou des métaux précieux comme l’or, plus ou moins travaillés, et qui constituent souvent le haut de gamme des stylos plumes. De véritables œuvres d’art voient ainsi le jour, des bijoux d’écriture ornés de filigranes et de décors finement ciselés. Enfin, la laque, le carbone et d’autres matériaux plus ou moins nobles et onéreux servent à fabriquer corps et capuchon des stylos plumes.

La plume

 

La plume métallique n’est pas aussi récente que l’on pourrait croire. Dès l’Antiquité, Egyptiens et Romains utilisaient le bronze et le cuivre pour les fabriquer. Les plumes d’oiseau ou d’origine végétale, en roseau par exemple, ont traversé elles aussi les siècles pour être remplacées au début du 19e siècle par des plumes en acier. Souples et résistantes, munies d’une fente et d’un « œil »,  celles-ci permettent une écriture confortable. En France, ce sont les plumes Sergent-Major qui s’imposent dans les écoles. Elles sont alors montées sur un porte-plume et trempées dans un encrier. Renforcées à l’iridium, les plumes métalliques trouvent ensuite leur place sur les stylos à réservoir d’encre.

Les stylos classiques d’écoliers sont munis d’une plume en acier brut, parfois doré. Les modèles haut de gamme sont pour leur part dotés de plumes en or, parfois rhodié, en palladium… et des filigranes ornent encore leur surface.

On trouve différents types de plumes, avec des pointes plus ou moins larges : extra-fines, fines, médiums, bold (larges) ou double-bold (extra-large). A choisir en fonction de son style d’écriture. Le bec peut aussi être biseauté ; ces plumes « italiques » servent généralement à la calligraphie.

Les recharges en encre

 

Contrairement au stylo-bille, le stylo-plume se recharge en encre. On trouve différents systèmes comme les réservoirs à remplir ou les cartouches à remplacer. Le plus souvent, les stylos plumes utilisent des cartouches universelles, disponibles en deux tailles, courte ou longue. Certaines marques nécessitent des cartouches d'encres particulières, ce qu’il faudra prendre en compte dans votre choix pour être certain de trouver des recharges facilement.

Prix d’un stylo-plume

 

Le prix d’un stylo-plume est très variable. Entre les modèles industriels et les exemplaires de luxe, la différence de prix peut être importante. Il est le plus souvent fonction de :

-La marque : toutes les marques quasiment proposent des versions haut de gamme de leurs stylos. Les plus connues sont Aurora, Caran d’Ache, Faber-Castell, Lamy, Montblanc, Oberthur, Parker Stylo, Pelikan, Pilot, Waterman, Dupont…

-Les matériaux utilisés : plus les matières sont nobles, plus le stylo sera onéreux

-La date de fabrication et le nombre d’exemplaires : des stylos plumes font partie de série limitée, éditée par exemple en l’honneur d’un grand écrivain, d’une personnalité, d’un homme politique… Ces collections uniques sont aussi parfois le fruit d’un grand designer, d’un joaillier de renom…

-L’état de marche et de conservation

-L’esthétique générale de l’objet

 

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conserver son vin

Comment bien conserver son vin ?

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Vous avez décidé d'acquérir un échantillon de bouteilles comparable à l'ensemble des contrées françaises, pour former une cave équilibrée entre les Bordeaux, les Bourgognes, les Côtes du Rhône et la vallée de la Loire. Ou a contrario vous avez orienté votre cave vers d'autres cépages, comme des vins d'Alsace, du Languedoc et du bassin méditerranéen.

Maintenant que ces bouteilles sont en votre possession, nous allons vous donner les meilleurs conseils pour bien conserver votre vin et stocker vos bouteilles. Aussi, pour commencer, il faut accorder une attention toute particulière à prévoir un espace de stockage pour les bouteilles à vieillir, le plus souvent, une cave.

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A quelle température dois-je conserver le vin dans ma cave ?

Les astuces pour la conservation du vin, comme pour le champagne ou les spiritueux, dépendent de quelques paramètres importants. Une bonne cave doit être maintenue à une température idéale, selon les spécialistes, entre 12 et 15 °C. Dans les casiers à vin, les bouteilles optimisent ainsi leur durée de conservation. Les règles sont simples : une température supérieure peut accélérer le mûrissement du vin dans leur bouteille en verre et l'empêcher d'atteindre son apogée. Quant à une température de conservation inférieure, elle peut le ralentir.

Pour conserver son vin dans les meilleures conditions, il faut aussi éviter les changements trop brusques de températures dans la pièce, du sol au plafond, qui affecteraient le vieillissement du vin. Veiller donc à avoir une température stable dans la cave de votre appartement ou de votre maison en installant par exemple un système d'affichage de la température.

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L'humidité est aussi un facteur important pour une bonne durée de conservation de vos bouteilles dans cette pièce. Il faut un taux d'hygrométrie compris entre 70-75% de manière constante. En effet, une cave trop sèche assèche les bouchons en liège, laissant alors passer l'air dans les bouteilles et cela peut fortement altérer les arômes et causer l’oxydation du vin.

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Enfin, l'obscurité est primordiale pour des conditions de stockage idéales des bouteilles de vin. En effet, la lumière apporterait trop de chaleur dans la cave, une des causes d'accélération du vieillissement d'une bouteille en verre due aux changements de températures. Aussi, en termes d'éclairage intérieur, veillez à installer une ampoule de faible intensité dans la cave. Une ampoule à éclairage led sera parfaite.

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Quels achats pour une capacité de conservation optimale ?

 

Investissez dans un livre de cave. Celui-ci vous permettra de répertorier l'ensemble des crus que vous avez acheté, et de calculer leur période de dégustation optimale.

Il vous faut aussi acquérir des casiers de rangement - on en trouve facilement en métal - afin de ranger vos bouteilles couchées, et ne pas les conserver dans leur caisse en bois d'origine, pour laisser les flacons mieux respirer.

Si vous ne disposez malheureusement pas d'une cave ou d’une grande capacité de stockage dans votre logement, vous pouvez aussi faire l'acquisition d'une armoire à vin ou acheter une cave à vin. Ventilée, réfrigérée, celle-ci a été pensée par des professionnels avec des conditions de stockage pour respecter le vieillissement de vos bouteilles. Pour une parfaite conservation des vins, elle doit être dotée d'un filtre à charbon actif pour garantir le renouvellement sain de l'air intérieur.

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Cet été, vous pourrez aussi acheter votre première cave connectée de chez Caveasy: un système de rangement et de gestion de vos vins. Il suffit de prendre en photo vos bouteilles via l’application et les déposer sur les étagères. Vous pourrez alors retrouver facilement votre bouteille grâce à un voyant lumineux, choisir la bouteille la mieux adaptée à votre repas et surveiller les conditions de conservation grâce à un capteur de température et d’humidité.

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Le fauteuil Lounge signé Eames : une pièce phare du design

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Parce qu’il a révolutionné l’histoire du mobilier, le fauteuil signé Charles et Ray Eames est aujourd’hui encore une icône du design. Avec son repose-pied, il fait partie de ces meubles que l’on croise régulièrement dans les intérieurs chics et branchés et dont on ne se lasse pas.

Le « Eames Long Chaire & Ottoman » est également présenté dans de nombreux musées du monde. Retour sur ce fauteuil emblématique du design des années 50, un meuble toujours édité et dont vous pourrez trouver des versions authentiques et certifiées dans nos ventes.

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CHARLES ET RAY EAMES : UN COUPLE MYTHIQUE DE DESIGNERS

A l’origine de ce fauteuil se trouve un couple de designers américains, Charles et Ray Eames. Dès leur mariage en 41, les deux jeunes gens travaillent main dans la main, motivés par une même inspiration : celle de rendre accessibles au plus grand nombre des pièces confortables de mobilier.

 

Dès 1949, ils explorent les possibilités qu’offrent de nouveaux matériaux et des techniques inédites de fabrication. De leurs recherches naît une chaise sur laquelle nous sommes encore nombreux à nous asseoir aujourd’hui : « Eames Plastic Chair ». A l’origine, elle est constituée d’une coque moulée en fibre de verre. Solide et esthétique, reproductible en masse, elle est mise en vente dès 1950 par un fabricant de meubles américain : Herman Miller.

Chaises et fauteuils signés Charles et Ray Eames traduisent parfaitement leur vision du design. Confortable, esthétique et fonctionnel : voilà ce qu’ils parviennent à réunir dans des créations destinées à la production industrielle.

Le couple a durablement marqué l’histoire du design. Les Eames sont toujours une référence et leurs œuvres sont représentées dans de multiples musées. Leurs pièces de mobilier sont toujours éditées, par Herman Miller aux Etats-Unis et par Vitra en Europe et au Moyen-Orient.

EAMES LOUNGE CHAIR & OTTOMAN

 

Histoire d’un fauteuil iconique

Son nom officiel est « Eames Lounge (670) » et « Ottoman (671) ». Ce fauteuil associé à un repose-pied a été commercialisé en 1956 par Herman Miller, aux Etats-Unis. C’est la première création imaginée par Charles et Ray Eames que le couple destine à la production à grande échelle. C’est une des raisons pour lesquels on utilise l’expression « design industriel » pour caractériser le mobilier de cette époque.

Le siège s’inspire des fauteuils clubs français et anglais, apparus au début du 20e siècle. Ces meubles se distinguent alors par leurs larges dimensions et leur assise en cuir confortable, ainsi que par des accoudoirs relativement enveloppants. « Eames Long Chair » revisite ce concept européen, associant le confort du fauteuil Club à de nouveaux matériaux et à des techniques de fabrication modernes.

Le succès du fauteuil Eames est immédiat, propulsé notamment par un passage du couple et de son meuble sur la chaîne NBC. Traversant les décennies, il est toujours aussi indémodable.

Bref descriptif technique

Le fauteuil imaginé par Charles et Ray Eames, tout comme son repose-pied, sont tout deux faits d’une coque moulée de bois contreplaqué de palissandre. Cette structure solide et innovante est garnie de coussins de plumes et de cuir, élégants et confortables. Le siège est incliné, de manière à soulager dos et colonne vertébrale. Aucun mécanisme ne permet de régler cette inclinaison. Le repose-pied apporte encore du confort. Chacune des pièces est supportée par un piètement chromé, à 5 branches pour le fauteuil, 4 pour l’ottoman.

Un meuble encore et toujours édité

La société Herman Miller produit toujours des fauteuils Eames. En Europe, Vitra bénéficie depuis 1984 d’une licence et est habilité à tirer des exemplaires du célèbre meuble. Dans les années 60-70, d’autres professionnels ont vendu des fauteuils Eames, notamment le distributeur français Mobilier International et l’italien ICF.

A savoir que les modèles les plus récents ont des dimensions plus larges que l’original, de manière à s’adapter aux morphologies actuelles. Ils sont également disponibles en différentes couleurs et matériaux, que ce soit au niveau du bois, du cuir, du piètement, etc.

Le prix d’un fauteuil Eames

Vitra propose des fauteuils Eames neufs à partir de 4 500-5 000 € environ. Pour le fauteuil et son repose-pied, neufs également, les prix débutent autour de 6 800 €. Le plus souvent, les versions anciennes sont disponibles à des prix plus abordables, de 10 à 50 % moins chers, selon l’état de conservation du meuble, ses matériaux et la date d’édition du modèle.

Comme toutes les pièces qui ont marqué l’histoire du design, le fauteuil Eames est souvent imité et contrefait. Sur notre site, des professionnels certifient chacune des pièces qui vous sont proposées à la vente, de manière à ce que vous ayez la garantie d’acheter un meuble authentique.

En chinant votre mobilier sur notre site, vous aurez la chance de trouver le fameux « Eames Lounge Chair » avec son ottoman assorti et ce, à un prix négociable. Cette pièce de collection, hautement incontournable, trouvera aisément sa place dans votre intérieur. Et vous pourrez à votre tour vous installer confortablement dans ce fauteuil design mythique.

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Andre Courrèges

Qui est André Courrèges ?

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Des minijupes trapèzes, des bottes blanches en vinyle, des pantalons taille basse et des manteaux courts : dans les années 60, André Courrèges propulse sur orbite la mode féminine. Les vêtements imaginés par le couturier français s’adressent désormais à la jeune génération du baby-boom et à des femmes en pleine quête d’indépendance et de liberté. Aujourd’hui encore, la mode selon Courrèges inspire les créateurs. Retour sur le parcours d’un couturier visionnaire.

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Biographie express du couturier

André Courrèges est né à Pau en 1923. Jusqu’à la fin de la guerre, il suit des études de génie civil dans la capitale béarnaise, avant de se rendre à Paris dans les années 50. Là, il se forme à la couture et travaille pour Balenciaga. Le jeune homme reste 10 ans chez le couturier espagnol, apprenant tout de la mode et de ses techniques. C’est là également qu’il rencontre Coqueline Barrière, qu’il épouse en 1966.

En 1961, André Courrèges prend son indépendance et fonde, avec sa compagne, sa propre maison. Le succès est quasi immédiat. En 1964, la collection « Moon Girl » fait l’effet d’une « bombe ». Et Courrèges devient le représentant d’une mode futuriste, inspirée de la conquête spatiale et en phase avec les attentes d’une jeunesse en rupture avec les codes du passé.

Fort de son succès, Courrèges fonde en 67 un département dédié au prêt-à-porter, « Couture Future ». Là aussi, le styliste répond aux attentes d’une génération qui cherche à se vêtir autrement sans pour autant avoir les moyens de la haute couture.

Dans les années 90, André Courrèges, atteint de la maladie de Parkinson, prend sa retraite et se consacre à la peinture, à la sculpture, à la création de véhicules électriques… Son épouse, Coqueline Courrèges, prend les rênes de l’entreprise. Celle-ci est vendue en 2011 à deux entrepreneurs français, Jacques Bungert et Frédéric Torloting. A l’âge de 92 ans, en 2016, André Courrèges meurt à Neuilly-sur-Seine.

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Une vision futuriste de la mode féminine

Passionné de mode, mais aussi d’architecture, de science-fiction et de sport, André Courrèges a imaginé des vêtements purement révolutionnaires. Alors qu’Yves Saint-Laurent propose un smoking ultra chic et, Chanel, des tailleurs stricts et élégants, Courrèges joue la carte de la modernité. Il crée une mode graphique, aux lignes sobres et épurées, mêlant le blanc à des couleurs contrastées et invitant des matières inédites telles que le vinyle ou le métal.

Au milieu des années 60, son succès est retentissant. Les robes, les manteaux et les jupes se raccourcissent, les chaussures redeviennent plates, le blanc remplace le noir, les pantalons s’invitent dans les garde-robes féminines… Plus rien ne doit entraver le mouvement ; taille, buste, genoux, pieds : le corps de la femme se libère des guêpières, talons hauts et autres corsets…

Catherine Deneuve, Brigitte Bardot, Françoise Hardy, Mireille Darc… toutes les stars des années 60-70 n’hésitent pas à se faire photographier en Courrèges. Avec Pierre Cardin et Paco Rabanne, le couturier signe une mode emblématique de son époque.

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Les pièces iconiques du vestiaire Courrèges

Certains vêtements imaginés par André Courrèges ont marqué l’histoire de la mode et sont toujours autant d’actualité. Parmi eux, citons :

-La minijupe : Courrèges donne ses lettres « haute couture » à cette jupe ultra courte popularisée par Mary Quant à Londres

-La petite robe blanche coupe « trapèze », véritable pendant de la robe noire si chère à Coco Chanel

-Les bottes plates en PVC blanc, pratiques, féminines et futuristes

-Le blouson en vinyle

-Le pantalon taille basse et le pantacourt, toujours tendance

La marque perpétue encore la vision du couturier, à travers vêtements, accessoires et vêtements notamment. Et des pièces originales issues de collections Courrèges, ainsi que des esquisses et des croquis, sont régulièrement proposés dans les salles de vente aux enchères ou sur des boutiques en ligne. De quoi s’emparer du style Courrèges.

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